音乐常识及名词浅释

Samanthanut · 发表于 2015-2-12 14:34:13

【古典音乐】（Classism 或 classical music 英）其含义有如下几种说法：
　　1.泛指从十八世纪初的巴赫、韩德尔起，至十八世纪末的格鲁克、海顿、莫扎特、贝多芬等音乐家的创作。这一时期作曲家的音乐作品，虽然各具自己的风格，但其共同处是：音乐语言平易朴素，音乐思维通过极严格的结构形式进行表达。这种古典音乐主要反映了十八世纪西欧封建社会日趋没落、资本主义经济迅速发展时期，第三等级被压迫阶层的进步思潮，尤其是指哲学上的启蒙精神和人道主义思想。
　　2.指十八世纪下半叶至十九世纪初形成于维也纳的一种乐派，即“维也纳古典乐派”。以海顿、莫扎特、贝多芬为其突出的代表。他们在创作技法上，继承欧洲传统的复调与主调音乐的成就，并确立了近代奏鸣套曲曲式结构及交响曲、协奏曲、各类室内乐（尤其是弦乐四重奏）等器乐体裁，对近代西洋音乐的发展有深远影响。
　　3.泛指十七、十八、十九世纪中古典、浪漫、民族各乐派大师们的典范作品。这种“古典音乐”是指一切具有进步思想、高度的艺术表现力和完善艺术形式的音乐。“古典”这一名词在这里则包含着作品在艺术上的成熟性、思想的深刻性、生活现实的真实性这些概念的总和。
【浪漫主义音乐】（Romantical music 英）音乐流派之一，亦称“浪
漫乐派”或“浪漫派音乐”。一般指十八世纪末到十九世纪初发始于德奥，后又波及整个欧洲各国的一种音乐新风格，这种新的风格同时在其它文艺领域也有所反映，其内容大多表现了理想与现实之间的深刻矛盾，并通过生与死、孤独与爱情、热爱大自然等抒情题材，表达出知识分子阶层对现实生活的不满，对未来自由、幸福的向往和渴求。浪漫派的音乐家一般偏重于幻想性的题材与着重抒发主观的内心感受，因而抒情性的形象在其作品中占主要地位；在艺术手法上，他们突破古典乐派某些形式结构的限制，使音乐创作得到新的进展。主要代表作曲家有：舒伯特、韦伯、霍夫曼、肖邦、门德尔松、舒曼、柏辽兹及李斯特等等。
【民族乐派】（National Music School 或 Nationalism 英）亦称“国
民乐派”。指一种以民间音乐为素材，结合西欧作曲技法，创造出具有本国家、本民族精神及艺术特色的音乐作品的流派。民族乐派在俄国，以格林卡为先驱，随后有巴拉基列夫、居伊、鲍罗廷、穆索尔斯基、里姆斯基——柯萨科夫等；民族乐派在东欧有捷克的斯美塔那及德沃夏克；十九世纪中叶，民族乐派在北欧的代表人物有：挪威的格里格，芬兰的西贝柳斯；此外，匈牙利的巴托克、罗马尼亚的乔治·艾涅斯库等均为著名的民族乐派音乐家。
　　【强力集团】（The mighty handful 英）又称“巴拉基列夫小组”，是十九世纪下半叶产生于俄国的一个音乐创作集团，其宗旨为：发扬和促进俄罗斯民族音乐。成员有巴拉基列夫、居伊、鲍罗廷、穆索尔斯基、里姆斯基—柯萨科夫等五位作曲家，故亦称“五人团”。“强力集团”继格林卡、达尔戈梅斯基之后，努力开拓民族音乐的发展道路，在创作中坚持现实主义道路，反对“为艺术而艺术”和对西欧音乐的盲目崇拜。他们的艺术主张，受到艺术评论家斯塔索夫的鼓励和支持。他们的音乐作品，大多取材于俄国历史和人民生活、民间传说或文学名著，并吸取、运用俄罗斯各民族的民间

音调，对传统的艺术形式和创作手法进行了大胆的革新。他们的艺术思想和成就，对俄国音乐的发展，具有重要影响。
　　【标题音乐】（Program music 英）以文字或标题阐明作品思想内容的器乐作品。其渊源可上溯至十六世纪以前。十九世纪上半叶因欧洲浪漫派音乐家的提倡而大盛。标题音乐的名称也于此时产生。重要作曲家有柏辽兹、李斯特等。
　　标题音乐比起没有标题的音乐来，由于它的表现力的尖锐性和生动的音乐形象更易于被广大群众所了解，使它在器乐作品中占有很重要的地位。
　　【复调音乐】（Polyphonic music 英）“主调音乐”的对称，多声部音乐的一种。它是以若干个旋律同时进行而组成相互关联的有机整体。在横的关系上，各声部在旋律进行上不尽相同，各自有其独立性，在纵的关系上，各声部又彼此形成良好、协调的和声关系。复调音乐还分：①用对比的方法所写的复调音乐称“对位音乐”，简称“对位”，即对位式的复调音乐。如贺绿汀的钢琴曲《牧童短笛》的第一乐段；②以模仿方式为基础所写的复调音乐，通称“卡农”，即轮唱或轮奏。如冼星海《黄河大合唱》中的四部轮唱《保卫黄河》，黄自的清唱剧《长恨歌》中第二乐章《七月七日长生殿》最后的男女声二重唱；③用衬托的方式所写的复调音乐称“支声复调”。如赵元任的合唱曲《海韵》中第四段“啊不，海波它不来吞我??”。复调音乐以对位法为其主要创作技法。
【主调音乐】（Homophonic music 英）复调音乐的对称，多声部音乐
的一种。其中有一个声部（通常为高声部）旋律性最强，处于主要地位，其它声部则以和声等手法对主旋律进行烘托和陪衬。
【歌剧音乐】（Opera music 英）欧洲十七世纪以来一种社会影响较大
的音乐与戏剧相结合的综合艺术体裁。欧洲十八、十九世纪的歌剧音乐一般包含有序曲及幕间曲、咏叹调及其它抒情性独唱、宣叙调及咏叙调、合唱及重唱等。
序曲是当歌剧还未开幕前由管弦乐队演奏的音乐，它的使命在于综合地
叙述全部歌剧发展的重要关键，奏出剧中代表主角的旋律，它仿佛是剧情的缩图，如格林卡的《鲁斯兰与柳德米娜》序曲，比才的《卡门》序曲等。有时没有序曲而仅有简短的序奏，作为歌剧开幕的情绪铺垫。歌剧序曲一般常用没有展开部的变体奏鸣曲式结构。
合唱（Chorus）常用于歌剧中的群众场面。
　　咏叹调（Aria）为歌剧主角的独唱，相当于戏剧中的独白，它的任务是表现歌剧中主要人物各自的特性，描绘他们的“肖象”。咏叹调是歌剧中最精采的音乐，它有完整的结构形式和情感层次，可以拿出来单独演唱。
　　咏叙调（Arioso）是接近于咏叹调的一种短小的乐曲，经常出现在咏叹调之后。
　　宣叙调（Recitativo）又名“朗诵调”，是一种朗诵式的歌调，相当于戏剧中的对白。不过它是根据自然语气而谱写的旋律，并且是有伴奏的。
　　在表现各个主角同一场合中的不同性格、情绪以及相互的对白等，一般用重唱较为适宜。特别是莫扎特，常常用重唱来表现各人物之间的矛盾和冲突。
　　【交响乐队】（Orchestra 英）近代大型管弦乐队。通常由下列乐器组成：①弦乐器，包括小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴；②木管乐器，包

括短笛、长笛、双簧管、英国管、单簧管、大管等；③铜管乐器，包括圆号、小号、长号、大号等；④打击乐器，包括定音鼓、三角铁、钹、大鼓、锣、排钟等。有时根据作品需要对上述乐器可进行增减，如加用钢琴、竖琴、木琴及各种民族乐器等。交响乐队的规模，通常可分为单管、双管、三管等编制，人数自数十人至百余人不等。
　　【中国民族乐队】（Chinese orchestra 英）通常指以汉民族乐器为主组成的乐队，亦称“民族管弦乐队”。各类乐器的性能及在乐队中的运用，基本上与“交响乐队”类似：
　　①管乐器：又名“吹管乐器”。民族乐队中常用的吹管乐器有：梆笛、曲笛、横箫（又名“新笛”或“十一孔新笛”、唢呐、管、笙等。
　　②弦乐器：又称“弓弦乐器”。它在我国民族乐队中，已有较完整的组合。高音乐器有高胡、二胡、板胡；中音乐器有中胡。这些乐器一般都可以独奏、伴奏或合奏。低音乐器有大胡、低胡（或革胡、低音革胡），有的民乐队则以大提琴、低音提琴代替。
　　③弹拨乐器：弹拨乐器音色丰富，奏法多样，富有民族色彩，在民族乐队中是不可缺少的部分。在弹拨乐器中，柳琴是高音乐器，琵琶是中高音乐器，中阮及三弦是中音乐器，大阮是低音乐器。其它如扬琴及筝，音域均较广。这组乐器综合音域很宽阔，力度的伸展幅度很大，演奏技巧较高，是民乐队中最有表现力的一组。
④打击乐器：主要有板、鼓、钹、锣等。
　　此外，我国民间常见的乐队有：以打击乐为主，丝竹为辅的“锣鼓乐队”；以打击、管乐为主，辅以弦乐的“鼓吹乐队”或“吹打乐队”；以管乐为主，辅以弦乐、打击乐的“吹歌乐队”以及以丝竹为主、打击乐为辅盛行于江南的“丝竹乐队”等。
【合唱】（Chorus 英）多乐章的声乐套曲。包括领唱、独唱、重唱、对
唱、齐唱、合唱等，有时穿插朗诵。常用来表现重大的历史或现实题材，内容富于史诗性和戏剧性，多用乐队伴奏，如冼星海的《黄河大合唱》、瞿希贤的《红军根据地大合唱》等；欧洲大合唱约起源于十七世纪，除“大合唱” 外，还有“清唱剧”和“康塔塔”等大型声乐套曲，其内容与形式与大合唱类似，我国亦称之为“大合唱”。
【无伴奏合唱】（A cappella 意）一种不用乐器伴奏充分发挥人声特
性的复调风格的合唱。此类作品，常采用各种模仿复调手法，各声部既有鲜明的独立性，又互相交织，成为纯朴、谐美的整体。它是合唱艺术中的最高形式，不仅需要高度的作曲技巧，而且需要一定的声乐演唱水平和条件，如细致的音色、均匀协调的声部关系、灵敏的力度变化和音准、清晰的吐字等。西洋称“A cappella”，原意为“按教堂风格”，因欧洲早期的教堂合唱大多采用无伴奏复调形式。
　　【清唱剧】（Oratorio 意）一译“神剧”、“圣剧”。大型声乐套曲体裁的一种。包括独唱（咏叹调、宣叙调）、重唱、合唱及管弦乐等。十六世纪末起源于罗马，初以《圣经》故事为题材，化妆演出，其后亦有采用世俗题材者。十七世纪中叶始发展为不化妆的音乐会作品，其中合唱处于主要地位，如韩德尔的《弥赛亚》、海顿的《四季》。现代作曲家常用这种体裁表现重大历史或现实题材。
【康塔塔】（Cantata 意）大型声乐套曲体裁的一种。原意为“用声乐

演唱”。最初是一种独唱或重唱的世俗叙事套曲，以咏叹调和宣叙调交替组成，到十七世纪中叶传入德国，遂发展成为一种包括独唱、重唱、合唱的声乐套曲，以世俗或《圣经》故事为题材。“康塔塔”在形式上与“清唱剧” 有相似之处，唯规模较小；其内容偏重于抒情，故事内容亦较简单。现代作曲家常用这种体裁表现重大历史或现实题材。作曲家黄自在三十年代初写出了中国第一部“康塔塔”体裁的大型声乐套曲《长恨歌》（当时把 Cantata 译为“清唱剧”）。在我国一部分出版物中也有把“康塔塔”称为“大合唱” 的。
　　【弥撒曲】（Mass 英 Missa 拉）天主教的一种仪式音乐。主要为合唱，也有重唱与独唱，采用固定的拉丁文歌词，多为无伴奏合唱，此类作品属复调风格声乐套曲形式。一般分六个乐章，即“求主怜悯”、“荣耀”、“信仰”、“圣哉”、“祝福”及“上帝的羔羊”。但，也可根据不同弥撒仪式的要求，增加或减少乐章的数字。
　　【众赞歌】（Choral 英）基督教礼拜仪式中众人一齐合唱的赞美诗。原为天主教的单声部众赞歌（齐唱），后经德国音乐家约翰·瓦尔特等将其改编为四部合唱曲，流传极广。后来巴赫等音乐家以它为基础创作了不少康塔塔、清唱剧及受难曲等宗教性音乐作品。
【哈利路亚】（Hallelujah 阿拉伯或 Alleluia 英）原文译意为“赞美
上帝之歌”。常用于康塔塔、清唱剧等的结尾合唱段落。如韩德尔《弥赛亚》中第二部的终曲《哈利路亚》。
【主题】（Theme 英）音乐术语。指乐曲中具有特性并处于显著地位的
音调；它有较强的独立性，有鲜明的性格，有一定的概括性，多半富于歌唱性，易于记忆。优秀的音乐主题都蕴藏着十分丰富的内涵。有的作品只有一个主题，更多的作品中有两个或两个以上的主题，代表不同性格并造成对比。主题常在乐曲的开头出现，但有时它的全貌要在整个作品不断展开中才能显示出来。
【动机】（Motive 英）音乐术语。通常指主题中一些富于个性的音调。
它是音乐结构中最小的单位，每个动机必须有一个或一个以上的重音、两个或两个以上的乐音。它是音乐主题的核心，是主题或乐曲发展的基本素材。
【音型】（Figure 英）音乐术语。是乐曲中一再出现的一种具有特征性
的节奏型和乐音运动的形态。通常以此表达，渲染或衬托某种特定的情绪或意境。如舒伯特的歌曲《魔王》，其伴奏部分的音型就描写了行进中的马蹄声响；他的《鳟鱼》前一部分伴奏音型则表现了“水”的意境。

Samanthanut · 发表于 2015-2-12 14:46:42

【主导动机】（Leading motive 英）音乐术语。也称“主导主题”，始用于浪漫派中期在大型音乐作品如歌剧、舞剧、标题音乐中，用以象征某一特定人物、境界、概念等的音乐动机或主题。如柏辽兹《幻想交响曲》中的“情人”主题；李姆斯基——柯萨科夫《舍赫拉查达》中代表讲故事者的女主人公的主题；穆索尔斯基《展览会上的图画》中的“漫步”主题等都属主导动机。其含义与所谓“贯穿音调”、“固定乐思”相仿。
　　【曲式】（Form，musical 英）乐曲的结构形式。曲调在发展过程中形成各种段落，根据这些段落形成的规律性而找出具有共性的格式便是曲式。主要曲式的类型大体可分①复调曲式：如赋格曲（段）、各种卡农等；②主调曲式：如一部曲式、单二部曲式、单三部曲式、复二部曲式、复三部曲式、回旋曲式、变奏曲式、奏鸣曲式、回旋奏鸣曲式以及自由曲式等等。
　　
　　【回旋曲式】（Rondo form 英）乐曲形式之一。起源于欧洲民间的轮舞：一圈人跳舞、唱歌，先由全体合唱（群舞），所唱的即是基本主题（称 “主部”），接着是独唱（独舞），这部分由舞者轮流担任，音乐特色各不相同（称“第一插部”、“第二插部”?）。回旋曲的主部至少需出现三次，它的结构图式为：
A+B+A+C+A?? 回旋曲式适宜于表现活跃欢腾的情景，故奏鸣曲、重奏曲、交响曲、协
奏曲等需以热烈气氛结束时，常用之于末乐章，如莫扎特《A 大调奏鸣曲》
（KV.331）的第三乐章《土耳其进行曲》就是一个回旋曲式的乐章。
【回旋奏鸣曲式】（Rondo sonata form 英）乐曲形式之一。属于奏鸣曲式的一种变体，主要用于大型器乐套曲（奏鸣曲、重奏曲、交响曲、协奏曲）的最后乐章，有时也用于独立的器乐作品。其结构如下：

Samanthanut · 发表于 2015-2-12 14:47:06

莫扎特《弦乐小夜曲》的第四乐章就运用了回旋奏鸣曲式的结构。
　　【变奏曲式】（Variation form 英）乐曲形式之一，又称“主题与变奏”，它在音乐作品中广泛被运用。其原则为：先奏出一自成段落的“主题”，然后继以一系列的主题变形（变奏）使主题得到多方面的发展。其结构图式为：
主题—变奏 1—变奏 2—变奏 3??
　　变奏曲的主题可以取自民间音乐，可用作曲者本人旧作的片段，也可选取他人作品。变奏次数不定，少则三、四次，多则数十次，变奏的方式也不一，可以改变旋律，可以变更和声，也可变换节奏、调式、调性及织体等。在我国民族、民间音乐中，变奏手法最为常见。
【奏鸣曲式】（Sonata form 英）是欧洲十八世纪下半叶以来，各种大
型器乐体裁中最常见的、也是最重要的一种曲式。大多数交响乐的第一乐章都运用“奏鸣曲式”写成，其结构大致如下：

说明：
　　①呈示部：在引子之后，往往出现两个性质不同的曲调，称为“主部主题”（又称“第一主题”）及“副部主题”（又称“第二主题”）。两个主题之间富于对比性，如一个是雄壮的，另一个则是温柔的；一个是悲伤的，另一个则是欢乐的；一个是粗犷、有力的，另一个则是优美、抒情的等等。它们由各种乐器重复地叙述，加强听赏者对主题的印象。副部主题的调性与主部主题不同，通常建立在主调的近关系调上或上下三度的关系调上；
　　②展开部：它和呈示部的各主题材料有密切关系，但可以作较大的调性转移及音型变化，好比一场动人的戏，音乐的力量在这里得到充分的发挥，因此乐曲感情的高潮往往也是在这一部分。
　　
　　③再现部：“再现”就是回到“呈示部”开始的音乐形象，它综合了前面主题对比与冲突，得到结论。在这里，副部与主部均在同一主调上出现。
　　【华彩乐段】（Cadenza 意）音乐术语。原指意大利正歌剧中咏叹调末尾处由独唱者即兴发挥的段落。后来在协奏曲乐章的末尾处常用此段落，通常乐队暂停，使独奏者充分发挥其演奏技巧及乐器性能。华彩乐段最初由独奏者即兴创作，莫扎特、贝多芬开始为自己的协奏曲写了一些华彩乐段，自门德尔松后，不少作曲家都自写华彩乐段。
　　【三声中部】（Trio 意）音乐术语。指用三部曲式创作的圆舞曲、进行曲、谐谑曲或小步舞曲等的中部。主要特点为：旋律流畅，风格柔美、换用新调、与前后两部分形成对比。“三声中部”的名称系由意大利文 Trio（三重奏）演化而成。西欧古代器乐曲及舞曲的中间部分，常有 Trio 的标记，由三件乐器演奏，借以与前后两个由全体乐队演奏的音量相对比。
　　【室内乐】（Chamber music 英）原指西欧宫廷贵族中演奏、演唱的世俗音乐，以区别于教堂音乐及歌剧音乐。十七世纪初发轫于意大利，如“室内奏鸣曲”、“室内康塔塔”等。十八世纪末叶以后，指由少数人演奏、演唱为少量人听赏的音乐。现今，系指各种重奏曲（有时也包括独奏曲）及用少数乐器伴奏的独唱、重唱曲。室乐的演奏者，需具备独奏的技巧，同时要有和别人合作的能力。
室乐最常见的形式为下列数种：
①钢琴三重奏：（小提琴，大提琴，钢琴）
②弦乐四重奏：（第一小提琴，第二小提琴，中提琴，大提琴）
③钢琴五重奏：（弦乐四重奏加钢琴）此外还有三种也常见：
①弦乐三重奏：（小提琴，中提琴，大提琴）
②钢琴四重奏：（弦乐三重奏加钢琴）
③弦乐五重奏：（弦乐四重奏加第二中提琴或第二大提琴）
　　【赋格】（Fuga 意 Fugue 英）西洋复调音乐中的主要曲式和体裁之一。原文意为“追逸”、“遁走”。这种曲式包括三大部分，即呈示、展开、再现。其基本特点是运用模仿对位法，使一个简短而有特性的主题在乐曲的各声部按规定的要求轮流呈现一次（呈示部）；然后进入以主题中部分动机发展而成的“插段”，此后主题及插段又在不同的新调上一再出现（展开部）；直至最后主题再度回至原调（再现部），并常加尾声结束。在第二、三部分中，一般还运用“交叠”、“倒转”、“增时”、“减时”等手法处理主题，以充分发挥其内涵。只有一个主题的称“单赋格曲”；有两个主题的称“二重赋格曲”；有三个主题的称“三重赋格曲”。赋格可独立成为一个作品，也可以与前奏曲结合成为一个套曲，到十八世纪末以后也常常被运用于其它音乐体裁及曲式，成为其中的一个部分，如在莫扎特的《第四十一交响曲》、贝多芬的《第九交响曲》以及某些晚期的弦乐四重奏、钢琴奏鸣曲中均有运
用。
　　【托卡塔】（Toccata 意）一种富有自由即兴性的键盘乐曲。十六世纪至十八世纪，流行于意大利，通常由几个对比性的乐段构成，有时被安置在赋格曲前，仅作为引子，不能独立。十八世纪在德国有进一步发展，自由奔放的特点更为突出。有时也用于赋格之前，以形成对比，如巴赫的管风琴曲，《d 小调托卡塔与赋格》。十九世纪以后的托卡塔则指一种独立的器乐曲，它没有歌唱般的旋律或段落，而全由急促、快速、时值均等而短小的音符组成。

Samanthanut · 发表于 2015-2-12 14:47:41

【卡农】（Canon 英）复调音乐之一种。原意为“规律”。同一旋律以同度或五度等不同的高度在各声部先后出现，造成此起彼落连续不断地模仿，即严格的模仿对位。第一次出现的声部称“起句”，相隔一小节或两小节后出现的重复声部称“应句”，用卡农手法写成的乐曲称“卡农曲”，声乐曲中的“轮唱”亦即“卡农曲”的一种。卡农出现于十三、四世纪，后人常采用古代曲调作为卡农主题。十九世纪的交响曲、奏鸣曲亦常用卡农，如贝多芬《第五交响曲》第三乐章的中间部对舞曲旋律的处理，就采用了卡农手法。
　　【练习曲】（Etude 法）用于提高器乐演奏技巧的乐曲。通常包含一种或数种特定技术课题。十七世纪末，意大利的“托卡塔”即为练习曲的一种。大量练习曲（尤其是钢琴练习曲）的出现和应用始于十八世纪末、十九世纪初。后又有可供艺术表演的练习曲，常称“音乐会练习曲”，肖邦为其创始人。这种练习曲除用以练习技巧外，同时具有高度的艺术性和舞台效果。李斯特、德彪西等都创作有此类练习曲。
　　【奏鸣曲】（Sonata 英）西洋乐曲体裁。十六、十七世纪时泛指各种器乐曲。十七世纪后则指类似组曲的器乐合奏套曲。自海顿、莫扎特以后，奏鸣曲系指由三、四个乐章组成的器乐独奏曲或一件独奏乐器与钢琴合奏的器乐曲。其基本特点与形式通常为：第一乐章为快板，用奏鸣曲式；第二乐章为慢板，用奏鸣曲式、三部曲式或变奏曲式；第三乐章（有时略去）为小步舞曲或诙谐曲，复三部曲式；第四乐章为快板或急板，用奏鸣曲式、回旋曲式或回旋奏鸣曲式。在音乐史上，奏鸣曲与交响曲的成长有着相互的关系。
【交响曲】（Symphony 英）大型乐曲体裁，亦称“交响乐”，系音乐
中最大的管弦乐套曲。交响曲的产生同十七、十八世纪法国、意大利歌剧的序曲以及当时流行于各国的管弦乐组曲、大型协奏曲等体裁有直接的联系。
交响曲的结构，一般分四个乐章，各乐章的特点如下：
　　第一乐章：奏鸣曲式结构，其音乐特点是快、活泼，表现人们的斗争和创造性的活动，充满了戏剧性。全部音乐是建立在两个性格不同的主题的对比和发展上。
第二乐章：曲调缓慢、如歌，是交响曲的抒情中心。其内容往往与深刻
的内心感受及哲学思考有联系，结构是二部曲式、三部曲式或变奏曲式。第三乐章：中速，常以小步舞或谐谑曲为基础。在古典交响乐的这一乐
章中，往往给人以闲暇、休息、游戏等日常生活的景象，其结构大多是复三部曲式。
　　第四乐章：非常快速，常常表现出生活的光辉和乐观情绪，也往往表现出生活、风俗的场面和人民胜利的节日图画。多采用回旋曲式、回旋奏鸣曲式或奏鸣曲式结构。
　　交响曲的乐章、形式并不是固定的，它根据作曲家的创作要求和作品内容而定，如德沃夏克的《自新大陆》交响乐曲有四个乐章，贝多芬的《第六交响曲》有五个乐章，舒伯特的《未完成交响曲》只有两个乐章。
　　【协奏曲】（Concerto 意）一种独奏乐器和乐队协同演出的技术艰深的大型乐曲，也有以人声与乐队协同演出的声乐协奏曲。协奏曲通常分三个乐章：第一乐章快板，奏鸣曲式，富有戏剧性；第二乐章慢板，三部曲式，
　　

Samanthanut · 发表于 2015-2-12 14:48:01

富有歌唱抒情性；第三乐章急板，回旋曲式，有节日欢庆、载歌载舞的性质。由一个乐章构成的协奏曲叫“小协奏曲”。巴赫时代由几件独奏乐器与
管弦乐队竞奏的叫“大协奏曲”。以下是一种常见的协奏曲结构程序： A.呈示部。
（1）合奏：亦称“第一呈示部”。最先可奏引子（常省略）在引子中可加入独奏乐器，然后再奏主副题。副题常常仍用主调
（也有例外，但副题终结应在主调），在奏主副题时不加入独奏乐器。
（2）独奏：亦称“第二呈示部”。将主副题再奏一遍，但此时的主副题常呈调性对比并加以装饰，乐队降入伴奏地位。
B.展开部。
（1）合奏：将主副题的材料作种种开展，通常此段较呈示部之合奏部分短。
（2）独奏：独奏乐器将主副题材料作种种开展，以乐队为伴奏。在此段中，可加入一段新材料，这段音乐通常较慢而优美，以作为乐曲的对比。在浪漫派后期，华彩乐段往往在这一部分出现。
A.再现部。
（1）合奏：仅奏主题。
（2）独奏：将再现部奏完后，在结尾处常加入华彩乐段，这时乐队停止，直至华彩乐段完结后，再起来合奏，最后以小曲尾作为结束。
由上述结构程序可以看出，此类协奏曲可属复式奏鸣曲式结构。其中华
彩乐段乃是表现独奏者熟练技巧和进一步渲染乐曲情趣的地方，这部分最初由演奏者编创或即兴演奏，但自浪漫派开始则多由作曲者创作。成功的华彩乐段能将乐曲的思想性、艺术性及演奏者的技能很好地统一起来，成为协奏曲最扣人心弦的乐段。
【交响诗】（Symphonic poem 英）一种单乐章的具有描写或叙事、抒
情或戏剧性的管弦乐曲，属标题音乐范畴。匈牙利作曲家李斯特于 1850 年首创这一体裁，后来的音乐家又发展了它，如捷克作曲家斯美塔那《我的祖国》由六首交响诗组成，被称之为“交响诗套曲”。交响诗的题材多取自文学、诗歌、戏剧、绘画及历史传说，内容富有诗意；乐曲形式不拘一格，常根据奏鸣曲式的原则自由发挥，也有用变奏曲式、三部曲式或自由曲式写成。另有音诗、音画、交响童话、交响传奇等体裁，均与交响诗的性质相类似。如施咏康的《黄鹤的故事》、辛沪光的《嘎达梅林》、鲍罗廷的《在中亚细亚草原上》等都属于此类。
　　【组曲】（Suite 英）由若干器乐曲组成的套曲，其中各曲有相对的独立性。德国古典组曲通常由阿勒曼德、库朗、萨拉班德、基格四首舞曲组成，有时冠以序曲，后两首舞曲之间，常加入一些其他的舞曲。各种舞曲均用同调，但在速度、节拍等方面形成对比。其它象英国、法国也有自己的特殊的组曲。巴赫曾写过著名的钢琴曲《英国组曲》和《法国组曲》。古典组曲至十八世纪中叶已趋衰落。
　　近代组曲有从歌剧、舞剧、戏剧音乐或电影音乐中选出若干段乐曲辑成者，如柴可夫斯基的《天鹅湖组曲》、《胡桃夹子组曲》；有采用民间素材
　　
写成者，如马可的《陕北组曲》；也有根据特定标题内容写成者，如金西、徐贵岩、李钰的民族管弦乐组曲《泰山颂》，里姆斯基—柯萨科夫的交响组曲《舍赫拉查达》等。
　　【套曲】（Divertimento）包括若干乐曲或乐章的成套器乐曲或声乐曲，其中有主题的内在联系和联贯发展的关系。如柴可夫斯基的钢琴套曲《四季》，舒伯特的声乐套曲《美丽的磨坊女》等。从广义上说，奏鸣曲、交响曲、组曲、康塔塔等均属之。
　　【前奏曲】（Prelude 英）一种单主题的中、小型器乐曲。源自十五、十六世纪某种乐曲前的引子，最初常为即兴演奏，有试奏乐器音准、活动手指及准备后边乐曲进入的作用。十七世纪开始成为结构完整的独立乐曲。全曲常基于一个有特点的音型，加以自由展开。十七——十八世纪上半叶常同其他乐曲联用，作为组曲的第一段或置于赋格、众赞歌之前作为序奏。自 1839 年肖邦作二十四首钢琴小品《前奏曲》起，不少作曲家均作有独立的钢琴前奏曲。又，十九世纪后，西洋歌剧、乐剧中的开场或幕前音乐亦有称作“前奏曲”者，其含义与上述独立体裁的前奏曲有所不同。
　　【浪漫曲】（Romance 英）泛指一种无固定形式的抒情短歌或短小的器乐曲。①十一世纪前后指一种歌词用当代语文写成的世俗歌曲，以别于以拉丁文为歌词的宗教歌曲。十八世纪在德国指一种小型的叙事歌曲或抒情歌曲。十八世纪后半叶在法国民间、十九世纪中叶起在俄国广泛流行，指一种抒情独唱曲，常由钢琴伴奏，其特点为：曲调表情细致，与歌词紧密结合，伴奏亦较丰富；②十八世纪中叶起亦指一种旋律富于歌唱性的器乐曲，如贝多芬的两首由小提琴及管弦乐队演奏的浪漫曲。
【序曲】（Overture 英）乐曲体裁之一。原指歌剧、清唱剧等的开场音
乐（见“歌剧音乐”部分）。十七、十八世纪的歌剧序曲，分“法国序曲” 及“意大利序曲”两类。前者为复调风格，由慢板、快板、慢板三个段落组成，中段为赋格形式，末段较短；后者为主调风格，由快、慢、快三个段落组成，后世交响曲即由此演变而成。十九世纪以来，从贝多芬开始，作曲家常采用这种体裁写成独立的器乐曲，其结构大多为奏鸣曲式并有标题，如贝多芬的《科里奥兰序曲》及柴可夫斯基的《1812 年序曲》等。

Samanthanut · 发表于 2015-2-12 14:48:40

【叙事曲】（Ballata 法）十二、十三世纪指游吟诗人唱的一种歌曲，
常伴以舞蹈。十三世纪后逐渐演变为只歌不舞的独唱曲。十四、十五世纪在法国、西班牙等地成为独唱曲的总称。至 19 世纪则指钢琴伴奏的叙事性独唱曲，如舒伯特的《魔王》。之后，肖邦在钢琴曲创作中首次创用此名，如他的《g 小调叙事曲》，李斯特、勃拉姆斯等作曲家亦都采用此体裁创作了钢琴叙事曲。内容常富于叙事性、戏剧性，有的取材于文学作品或民间传说。
　　【小步舞曲】（Menuet 法）一种起源于西欧民间的三拍子舞曲，流行于法国宫廷中，因其舞蹈的步子较小而得名。速度中庸，能描绘许多礼仪上的动态，风格典雅。十七、十八世纪常用于古钢琴组曲和管弦乐套曲中，速度稍快、有力；十九世纪初，小步舞曲构成交响曲、奏鸣套曲的第三乐章，后又被谐谑曲所取代。小步舞曲亦可作为单独的器乐曲，大多为三部曲式，其中段常用三声部写成，故称“三声中部”，沿袭至今。
　　【随想曲】（Capriccio 意）原指十七、十八世纪时一种复调风格的键盘乐曲。十九世纪以来，指一种富于幻想的即兴性器乐曲，如帕格尼尼、门德尔松、勃拉姆斯的钢琴随想曲。某些随想曲与幻想曲并无严格区别，如柴
　　
可夫斯基的《意大利随想曲》。此外，还有专供小提琴技巧练习的随想曲。
　　【狂想曲】（Rhapsodie 法）一种技术艰深具有史诗性的器乐曲。原为古希腊时期，由流浪艺人歌唱的民间叙事诗片段，十九世纪初形成器乐曲体裁。其特征富于民族特色或直接采用民间曲调，如李斯特的 19 首《匈牙利狂想曲》，拉威尔的《西班牙狂想曲》等。
　　【幻想曲】（Fantasia 意）一种含有浪漫色彩而无固定曲式的器乐叙事曲。原指一种管风琴或古钢琴的即兴独奏曲。十八世纪末叶起，成为独立的器乐曲。莫扎特、贝多芬、舒伯特等均作有钢琴幻想曲。格林卡运用俄国民间音乐写成的管弦乐曲名为《卡玛林斯卡亚》幻想曲。
　　【萨拉班德】（Sarabande 法）舞曲的一种。据传起源于波斯，十六世纪初传入西班牙。由于情调热烈奔放而被教会禁止。十六世纪末传入法国后，逐渐演变为速度缓慢、音调庄重的舞曲，常用于贵族社会和舞剧中。其结构为二部曲式，节奏为三拍子；第二拍的音，时值较长而突出。十七世纪前半叶起，常见于德国古典组曲中固定舞曲的第三首。贝多芬在其《爱格蒙特》序曲中，成功地以萨拉班德舞曲象征了西班牙殖民统治者的残暴形象。
　　【塔兰台拉】（Tanantella 意）原为意大利南部的一种民间舞曲。据传：被一种毒蜘蛛“塔兰图拉”（Tarantula）咬伤的人，必须剧烈跳舞始能解毒，塔兰台拉舞即起源于此说；另一说此舞因产生于塔兰多城（Taranto）
而得名。其特点：速度极快， 6 或 3 拍子，主要节奏型为连续不断的三
8 8
连音，结束前的速度更为迅急，情绪热烈。柴可夫斯基《意大利随想曲》第五段就是以塔兰台拉舞曲风格写的。罗西尼、格林卡、李斯特等都曾在他们的作品中采用了这一舞曲形式。
【探戈】（Tango 西）一种阿根廷双人舞。起源于非洲，传入阿根廷及
其他拉丁美洲国家后，用于社交舞会，其音乐近似古巴的“哈巴涅拉”舞曲，
但稍快，多切分音， 2 或 4 拍子，旋律与伴奏常形成交错节奏，伴奏音
4 4
型通常为：
　　1920 年左右，音乐创作中开始引用探戈体裁和素材，在美洲和欧洲，尤为盛行。
【玛祖卡】（Mazurka 波）波兰民间的一种男女双人集体舞曲。其特点
为：三拍子，重音变化无常，而以落在第二或第三拍子上最为常见，常用附点，如
　　情绪热烈，速度自中速至急速均可。玛祖卡自十八世纪起开始流行于欧洲各地，十九世纪更为盛行。肖邦曾将此体裁加以发展，写有五十二首著名的《玛祖卡》钢琴曲。
　　【波洛涅兹】（Polonaise 法）名称取自法文的音译，也叫“波兰舞曲”。一种庄重、缓慢、具有贵族气息的三拍子舞曲，源于波兰民间。相传于 1574 年，在波兰克拉考城为亨利三世加冕典礼中，第一次用作队列行进的舞曲，此后，遂开始流行于宫廷、十七世纪后成为独立的器乐曲。十八世纪起普遍流行于欧洲各国。如肖邦曾采用此种体裁创作钢琴独奏曲十六首。波洛涅兹常由强拍开始，第一拍后半往往为同音反复，常用伴奏音型为■，结构多用复三部曲式，经常收束在第三拍上。
【圆舞曲】（Waltz 英）又称“华尔兹”，起源于奥地利民间舞曲，分

快步与慢步两种，舞时两人成对旋转。十八世纪后半叶始用于城市社交舞会，十九世纪风行于欧洲各国。其特点：三拍子，节奏明显、轻快，旋律流畅、热情，伴奏中每小节常用一个和弦，第一拍重音较为突出。此种体裁，流传极广，种类繁多。有用于声乐的圆舞曲，有用于舞会的圆舞曲，有用于音乐会演奏的圆舞曲，甚至用作交响乐中的一个乐章。较为著名的圆舞曲如肖邦的钢琴小品《bE 大调华丽大圆舞曲》、《bA 大调大圆舞曲》，约翰·施特劳斯的《蓝色多瑙河》等。
　　【夜曲】（Nocturne 英）原指一种流行于十八世纪西洋贵族社会中的器乐套曲，风格明快典雅，常在夜间露天演奏，与“小夜曲”类似。海顿、莫扎特都写过这类作品。十九世纪以来的夜曲多指钢琴小曲，通常具有宁静、沉思的抒情特色，常以分解和弦为伴奏，偶而也有合奏或声乐曲。肖邦写有十九首钢琴《夜曲》，李斯特和俄罗斯作曲家都写有多种体裁的夜曲。
【小夜曲】（Serenade 英）
　　1.指来源于中世纪游吟骑士夜晚歌唱的一种爱情歌曲。流行于西班牙、意大利等国，通常用吉他或曼陀林等拨弦乐器伴奏，男声独唱。但后人创作的小夜曲不局限于男声独唱和拨弦乐器伴奏，如舒伯特的独唱《小夜曲》、古诺的独唱《小夜曲》等；
2.指十八世纪末出现的一种类似组曲类型的管弦乐套曲。通常由少数管
弦乐器演奏，乐曲情绪大都是明快、爽朗或轻松、活泼，属室内乐体裁，如莫扎特的《G 大调弦乐小夜曲》。
【无穷动】（Moto perpetuo 意）一种器乐曲。从头至尾以同时值的音
符（多为十六分音符）快速进行之乐曲。有一定的技巧要求。韦伯、帕格尼尼、门德尔松、施特劳斯等都有此类作品。马勒的《大地之歌》第二乐章的引子就具有“无穷动”的旋律特点。
【进行曲】（March 英）用于伴随步伐前进的音乐。常用于队列行进中，
有声乐曲，也有器乐曲。多用偶数拍子，如 4 、 2 ，但也有三拍子的进
4 4
行曲，如瞿希贤《红军根据地大合唱》第六乐章中的“马队在前进”一段就
是 3 拍子的进行曲。这种音乐作品节奏鲜明、速度中等、轻重音交替整
4
齐，常为三部曲式结构，中段较为抒情，以取得与前后段的对比。进行曲体裁除独立运用外，也常用于歌剧、交响曲及奏鸣曲等大型音乐作品中，以增强赞颂、礼仪等的宏伟气氛，但亦有用于葬礼中者，如贝多芬、肖邦等人都写过著名的葬礼进行曲。
　　【牧歌】（Madrigale 意）十四世纪发轫于意大利，后传至英、法、德等国的一种声乐体裁。有两种：一种流行于十四世纪，有定型曲式，即 A、A、
B 或 A、A、A、B，二部或三部合唱；另一种流行于十六世纪，多属爱情歌曲，无定型曲式，多声部合唱，各声部互相模仿并常间以齐唱，无伴奏形式居多。上述牧歌与我国民歌中的“牧歌”完全不同，后者属民歌中的山歌性质，是牧民们放牧时唱的歌，内容多赞美劳动、歌颂家乡和抒发爱情，旋律舒缓、悠长，节奏自由，气息宽广，在西北草原地区最为流行。后记音乐，是人类文化宝库中一份重要的财富。何谓音乐？“乐者，音之所由生也。其本在人心之感于物也。”这是记载于我国古代著名音乐论著《乐记》中的名言，它精辟地告诉人们：音乐是一种声音的艺术，同时又是一种表达思想感情的艺术。
　　音乐既是表达思想感情的艺术，就需要欣赏者较深刻地理解其内容，才能激起感情上的共鸣；音乐既是声音的艺术，就需要欣赏者具备一定的音乐素养，才能导致丰富的联想。
　　音乐欣赏活动，是人类精神文明中一项不可缺少的重要内容，也是完成音乐艺术第三度创造的不可忽视的方面。我国人民随着物质文化生活水平的不断提高，对音乐欣赏的要求亦愈益迫切。优秀的音乐作品，总是令人百听不厌的。人们在反复鉴赏中，不惟为其美妙的乐声所陶醉，感受着精神境界的升华；而且在欣赏中再创造，不断探求音乐的内涵，产生新的体会和兴趣，从而培养人们高尚的情操和品格，同时也丰富了人们的音乐素养，提高对音乐的理解和鉴赏能力。因此，如何编写一本内容丰富而又简明通俗的音乐欣赏读物，对中、小学的音乐教育工作者和广大音乐爱好者欣赏音乐有所裨益，乃是我们多年来的心愿。
　　中外音乐作品浩瀚无垠，我们选编的内容，虽然注意到要介绍不同历史时期、不同音乐流派的中外名著，但也只是限于我国目前音乐教学、电台广播和音乐欣赏活动中较为常见的音乐作品，故仍不免有所疏漏；书中还介绍了一些近年来在国内影响较大的新作品，目的在于扩大音乐欣赏者的视野。音乐教育家、评论家赵沨同志在百忙中热情地为本书写了序；中央音乐学院汪毓和副教授、哈尔滨师范大学周柱铨副教授审慎地为本书提出不少中肯的意见；书中有关作者简介部分，承不少同志为我们积极提供资料和照片；另外，在编写过程中，我们还参考引用了有关音乐书刊中的资料，在此一并致谢。本书除署名者外，撰写部分稿件的还有王振玉、李明琳、杜默丽、张
保和等同志。由于我们水平所限，书中错误，在所难免，恳请读者指正。

孙继南
1985 年元月于山东师范大学

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音乐常识及名词浅释

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