初学作曲（三）音乐是由三大要素构成的

初学作曲（三）音乐是由三大要素构成的：旋律，和声和节奏。节奏没什么可说的，无非就是两拍子强、弱，三拍子强、弱、弱，四拍子强、弱、次强、弱，其它的都是这几种的组合。主要来说说旋律以及和声。这些都是我平时得出的一些经验，结合书本上的理论。
关于旋律，我记得书上大致是这么说的： 1、主音，属音和下属音本性平稳，称为“静音”；而重属音，中音和下中音本性多变，称为“动音”。 2、第七度本性极不稳定，称为“导音”。 3、动音要解决到相邻的最近的静音之一，而导音要上行解决到主音。 4、旋律的进行有四种，同音反复，级进，小跳和大跳。 5、一度音程的进行为同音反复，二度音程的进行为级进，三度到五度为小跳，五度以上为大跳。 6、大跳不宜使用，如果要用的话必须保证前后两个音在同一个和龘弦内。跳进之后一般反向进行。 7、有一种跳进可以任意使用，就是下行跳至导音，然后导音解决到主音。 8、旋律的线条，节奏要有一定规律，不能谁和谁也挨不上边。 9、模进就是同样的旋律在不同的高度反复出现。模进一般不超过四次，是好的做法。 10、乐句结尾处是属和龘弦，称为半终止或不完全终止；若是主和龘弦，则成为全终止或完全终止。如果应该解决到I和龘弦的，却解决到VI和龘弦上去了，则称做假终止。 11、前后乐句要有联系。关于乐句的结构请参看《曲式》一章。书上大致就是这些。我自己在写作中还有一些体会，下面一一说来。 1、回音鼓励使用。所谓回音就是1231或者1232形状的音，在哈农里面非常常见。写作时无论是在连续快速的无穷动式的进行当中，还是在歌唱般的旋律中，回音都大有用场。不管是巴赫，海顿，莫扎特还是贝多芬，向上和向下两种方向的回音在他们手中都能够游刃有余。 2、音阶级进鼓励使用。音阶级进的用处就更广泛了，可以每个音用一个和龘弦，也可以一大段用一个和龘弦。不要小看普通的音阶，如果用得恰当会给你的作品增色不少。在海顿的交响曲作品中，音阶就有着出神入化的表现。注：由于回音和音阶属于级进，所以在快速进行的时候这种二度必然会导致大量和声外音的出现。如何选择和声就成了非常重要的问题。一般有两种选择方式：选择奇数音作为和龘弦主干，或者选择偶数音作为主干。前者比较常见，因为强拍一般在奇数音上，推荐使用，尤其是在连续进行的时候；后者也出现过，这时奇数上的音被当作类似倚音的装饰来处理。比如mozart的土耳其风格回旋曲。其实在这种处理中，整个回音或音阶必须很短，而且本身也具有装饰音的性质。 3、不推荐使用半音阶和全音阶。尤其是后者，奉劝初学者不要过早模仿debussy之类的人物。可以看一看此公早期的arabesque，完全是传统的写作方法。毕加索早年的习作不在过去的任何一位传统画家之下。即使认为有必要使用半音阶，也要极为谨慎，而且应该在熟悉了海顿和莫扎特的处理方式之后。否则一定不要自以为是，要知道写不好正楷的人是没有资格写草书的。 4、琶音是很好的处理方法。琶音不涉及和声外音的问题，而且可以随着和龘弦的变化改变自己进行的方式，所以比起音阶和回音更容易掌握。只是注意进行方向，一般琶音进行完毕旋律反向进行。 5、简单模进有类似音阶的效果。简单的模进就是13243546之类的形状，每两个音是一个三度，因此可以看作是两个一组的音阶。莫扎特经常用这种音型和音阶一起出现。为了构成完整的音阶，可以将结构稍微作一些调整。另外这种音型也同样可以用作装饰效果。比如海顿后期的bE大调钢琴奏鸣曲。 6、可以在进行中加入和龘弦共同音比如在主属（I->V）连接或主下属(I->IV)的连接中，有共同的音。主属的共同音是属音，主下属的共同音是主音。可以在两种和龘弦不停变换的时候把共同的音放在中间。共同的音也可以放在一个类似音阶的进行中间。 下面说一下两个声部的写作规律。 1、首先声明一点，我没有学过对位法，所以只能说一下我的经验而已。 2、两个声部一点要划分清楚，其中一个声部是旋律声部，另一个声部是低音声部。 3、低音不意味着没有旋律，低音也可以有很好的旋律，而且有时两个声部可以对调，不过不可为时过长。 4、低音尽量不与旋律重复，这样才能够使整体效果更加丰富。 5、在旋律单调性（嘿嘿，借用函数术语。）比较强的时候，建议低音以相反的方向进行。 6、如上的倒影是很好的效果，但交*的部分声部不免有重叠。这个没关系，只是临时的现象。7、声部重叠绝对不能出现到两个音以上，除非是两个声部在齐奏（tutti）。否则就会构成意外的平行八度。 8、注意和龘弦连接，不要出现和声上的禁忌。 9、平行五度也要尽量避免。 10、平行三度和平行六度是很好的进行。还可以通过八度平移的方法来进行平行三度和平行六度之间的切换，效果也很好。 11、三全音（增四度）尽量要避免，除非是属七和龘弦的完全终止。 12、一个声部奏持续音，另一个声部奏旋律效果很好，但是要注意持续音的选择，以及旋律不要和持续音产生和龘弦冲突。 13、低音可以以伴奏的姿态出现，奏阿尔贝提低音。这时写作和钢琴曲的写作差不多一样初学作曲（四）最后说一下和声。以下几个“禁忌”的连接：
1、V-IV：这是一个著名的禁忌，叫“异音进行”，因为两个和龘弦没有共同的音。在大调中，有一个允许的特例，就是V-IV-V，但是小调中要尽量避免。 2、II-I：另一种形式的异音进行，不可。 注：现在说一下为什么V-IV或II-I不可，而IV-V或I-II却可以。I是最重要的和龘弦， 因此可以进行到任何一个和龘弦；V虽然不是I，但是其重要性仅次于I，IV有是主三和弦（这个是相对于副三和弦说的），所以也可以。 3、VI-I; III-V; II-IV：以上三对和弦称作同系和弦，其中I，V，IV是主三和弦，VI，III，II是副三和弦。同系和弦从主到副是正当，从副到正是不良。 4、III少用，小调不用。 最后补充一点：低音一定要选择好，这点至关重要。好的低音甚至可以弥补旋律的不足。尤其是主和弦与副和弦交错的时候，更是如此。 另外重要的一点是选择好转位，因为一般来说一种情况只有一个转位是最合适的。
跟着和弦写旋律
当然,我说的写旋律指的是你在一架钢琴或一把吉他上弹出和龘弦伴奏的时候即兴唱出或想出旋律这个过程中我积累的一点经验,我并不知道写旋律的什么公式(如果有公式就牛B大发了...)
是不是经常你会觉得自己写的歌曲给人感觉太业余,太生硬,太单调?是不是经常觉得灵感很匮乏?
我觉得有一个根本的,直接的原因,是这样的:很多写手在写歌的时候,他用自己的乐器奏起一个和龘弦C,那么他的脑袋里想出的旋律里面90%都是1,3,5,弹一个和龘弦G那么他满脑子都是5,7,2,其他的音都当成经过音了.有的时候可以写出点东西来感觉还

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当然，伟大的专集是以伟大的歌开始的。1969年的King Crimson乐队是由Greg Lake担任BASS和主唱的，那年他们发行了首张专集“In the Court of the Crimson King”。如果你从来没有听过这张专集，那么他对你也没任何帮助。这帮小子专干他们自己喜欢的事情。后来专集打入了美国榜的前40位和英国榜的前5。没有一首歌出自精选，但从那时起这张专集改变了一切。
这就是一个生动具体的例子来说明怎样将你自己的勇气和情绪变成现实。当然唱片工业从那个时代起也发生了变化，不过同时也仍有很多艺术家报着决不妥协的态度去做音乐。这是唯一该被载入史册的。
现在来开始我们的东西，你需要用笔和纸来记些东西。在学习理论和经验之前，你该学着把各种和弦的进行运用自如。A和D（象史普林斯廷，鲍布迪伦这些人用了很多。比如那首著名的(A)Born in the (D)U.S.(A) A).把G加进去再混一下你就能得到7成以上的流行，摇滚和民谣的精典歌曲了！！不信我的话吗？？试试去！！！另一些合成的活儿也是一样的简单。我自己则是滥用Am--G 或者A--G这样的和弦混合多年了。在这开始之前先别问我理论，那不是我的专长。读一下David Hodge的精彩专栏："A" Before "E" (Except After "C"). David 将给出详尽的解释。
先围绕主和弦去弹奏（A-B-C-D-E-F-G,别用小调和弦什么的），并且感觉它们。开放式和弦和小和弦有着完全不一样的感受。小和弦有着忧郁的感觉，他们听起来象是有很多悲剧式的爱情故事在里面！现在来弹奏小调，感觉到不同了吗？现在先来弹一个A 然后再来一个Am并且注意他们的区别。接着弹完G后紧跟着来个Am，用不同的方式去弹。肆意的乱弹一段时间，然后找出一个紧凑快速的模式来。看看你能在这两个和弦上找出几种不同的模式来，每一个模式都能是一首歌。
现在你可以只弹你最喜欢的那种模式。然后用笔在纸上写一些句子。不要超出自己的能力范围，把时常在自己脑袋里浮现的事情写下来就成了。下意识的东西会变成你所想要的，成败的可能性就在于你要有和你喜欢的那个模式相同的感觉。
接着你要一遍接一遍的弹自己喜欢的那个模式，直到你感觉舒服了为止，然后唱你写的句子。是的，每个人都能唱，同样不是每个人都能唱好，但别介意这个。如果你的句子有1到两个特别的音节，你就得把你的模式做1到两处相应的调整。或者你可以你可以从句子里拿一个词出来，或者把一个长的词用一个短的来代替。（有很多你可以做的，但我们在这仍保持简单的态度）。如果你的句子错过了一个音节，那就把其中一个词拖长一拍。
现在来写别的句子。虽然不需要和开头的有什么关系，但有时也可能会有。如果和你的第一部分没关系的话，你得干别特别的工作将他们连接起来。你必须记住在你选出的模式中的音节数（这些事实上比前一部分要麻烦，但在这时要继续保持简单的态度。）接着，别绞尽脑汁想，跟着感觉往下走。如果你实在想不出写点什么，那么就在先前写的句子里加写东西。
现在该把两段连起来了。我建议你再多加两段。然后会到你完成的工作前。好了，现在你有4段Am--G模式的的歌了。这简直就是诗篇！让我们试着开始另一首。还是4段的！
听起来怎么样？可能在两段间错过了一些东西。那么在他们间加个D，然后通过先前的模式把他们连起来。现在你可以从新来演奏一下修改了的东西。好的，接下来写和弦。我们试着用C--G的模式。把你先前的那些东西换掉，把这个当成和弦，你会把它用做歌曲的“高【和谐】潮”部分的。你先前写的发生了些什么？他们给你的感觉是什么？让这些诗句变的有生命！你曾经想到过这些吗？你对这些问题的看法是什么？写好第一段后对第二段有准备吗？试着用F--G的模式来代替。写第三段时再回到C--G的模式。接下来的第四段将是很重要的。如果你不在这里做些改变，你将永远去演奏这些和弦。你的听众也会跟着睡着的。从来F--G的模式，但是再碰到G时将它挂在那。正如你的乐句，将会又一次结束在G上。换句话说就是你把整首歌都挂在那了。基于以上观点你可以把吉他放下了。但是不论你的感觉是不是很舒服，接着写别的句子。现在你遵从这个规律来写：第一段，第二段，和弦，第三段，和弦。然后弹奏整首歌。瞧，你拥有一个完整的歌了！一首简单的歌，但也是首歌。别着急，关键在于这并不是你的极限。剩下的就是歌名了。我不建议你用简单的词来给歌取个名字，你可以通读你写的歌词，你会发现有几个词突然间跳出来！用这个来当你的歌名。
在过去的一周内我被几种有难度的技术折磨着，这甚至推迟了我第二部分的进展。直到这些问题得以解决，我又被重新唤起了希望。在我们开始之前先来做点别的事情吧： 我总是试着发自内心的去创作音乐。可换个角度说这么干简直就是毫无观点可言。（...）曾经的成功和名望的确让人激动和欣喜，但这样的荣耀和你完成一张伟大唱片时的感觉是很不一样的。“是我简单而又伟大的动机成就了我的事业”
-- Greg Lake（出自他的回忆录）
当然，伟大的专集是以伟大的歌开始的。1969年的King Crimson乐队是由Greg Lake担任BASS和主唱的，那年他们发行了首张专集“In the Court of the Crimson King”。如果你从来没有听过这张专集，那么他对你也没任何帮助。这帮小子专干他们自己喜欢的事情。后来专集打入了美国榜的前40位和英国榜的前5。没有一首歌出自精选，但从那时起这张专集改变了一切。
这就是一个生动具体的例子来说明怎样将你自己的勇气和情绪变成现实。当然唱片工业从那个时代起也发生了变化，不过同时也仍有很多艺术家报着决不妥协的态度去做音乐。这是唯一该被载入史册的。
现在来开始我们的东西，你需要用笔和纸来记些东西。在学习理论和经验之前，你该学着把各种和弦的进行运用自如。A和D（象史普林斯廷，鲍布迪伦这些人用了很多。比如那首著名的(A)Born in the (D)U.S.(A) A).把G加进去再混一下你就能得到7成以上的流行，摇滚和民谣的精典歌曲了！！不信我的话吗？？试试去！！！另一些合成的活儿也是一样的简单。我自己则是滥用Am--G 或者A--G这样的和弦混合多年了。在这开始之前先别问我理论，那不是我的专长。读一下David Hodge的精彩专栏："A" Before "E" (Except After "C"). David 将给出详尽的解释。
先围绕主和弦去弹奏（A-B-C-D-E-F-G,别用小调和弦什么的），并且感觉它们。开放式和弦和小和弦有着完全不一样的感受。小和弦有着忧郁的感觉，他们听起来象是有很多悲剧式的爱情故事在里面！现在来弹奏小调，感觉到不同了吗？现在先来弹一个A 然后再来一个Am并且注意他们的区别。接着弹完G后紧跟着来个Am，用不同的方式去弹。肆意的乱弹一段时间，然后找出一个紧凑快速的模式来。看看你能在这两个和弦上找出几种不同的模式来，每一个模式都能是一首歌。

现在你可以只弹你最喜欢的那种模式。然后用笔在纸上写一些句子。不要超出自己的能力范围，把时常在自己脑袋里浮现的事情写下来就成了。下意识的东西会变成你所想要的，成败的可能性就在于你要有和你喜欢的那个模式相同的感觉。
接着你要一遍接一遍的弹自己喜欢的那个模式，直到你感觉舒服了为止，然后唱你写的句子。是的，每个人都能唱，同样不是每个人都能唱好，但别介意这个。如果你的句子有1到两个特别的音节，你就得把你的模式做1到两处相应的调整。或者你可以你可以从句子里拿一个词出来，或者把一个长的词用一个短的来代替。（有很多你可以做的，但我们在这仍保持简单的态度）。如果你的句子错过了一个音节，那就把其中一个词拖长一拍。
现在来写别的句子。虽然不需要和开头的有什么关系，但有时也可能会有。如果和你的第一部分没关系的话，你得干别特别的工作将他们连接起来。你必须记住在你选出的模式中的音节数（这些事实上比前一部分要麻烦，但在这时要继续保持简单的态度。）接着，别绞尽脑汁想，跟着感觉往下走。如果你实在想不出写点什么，那么就在先前写的句子里加写东西。
现在该把两段连起来了。我建议你再多加两段。然后会到你完成的工作前。好了，现在你有4段Am--G模式的的歌了。这简直就是诗篇！让我们试着开始另一首。还是4段的！
听起来怎么样？可能在两段间错过了一些东西。那么在他们间加个D，然后通过先前的模式把他们连起来。现在你可以从新来演奏一下修改了的东西。好的，接下来写和弦。我们试着用C--G的模式。把你先前的那些东西换掉，把这个当成和弦，你会把它用做歌曲的“高潮”部分的。你先前写的发生了些什么？他们给你的感觉是什么？让这些诗句变的有生命！你曾经想到过这些吗？你对这些问题的看法是什么？写好第一段后对第二段有准备吗？试着用F--G的模式来代替。写第三段时再回到C--G的模式。接下来的第四段将是很重要的。如果你不在这里做些改变，你将永远去演奏这些和弦。你的听众也会跟着睡着的。从来F--G的模式，但是再碰到G时将它挂在那。正如你的乐句，将会又一次结束在G上。换句话说就是你把整首歌都挂在那了。基于以上观点你可以把吉他放下了。但是不论你的感觉是不是很舒服，接着写别的句子。现在你遵从这个规律来写：第一段，第二段，和弦，第三段，和弦。然后弹奏整首歌。瞧，你拥有一个完整的歌了！一首简单的歌，但也是首歌。别着急，关键在于这并不是你的极限。剩下的就是歌名了。我不建议你用简单的词来给歌取个名字，你可以通读你写的歌词，你会发现有几个词突然间跳出来！用这个来当你的歌名。
一)专业与业余音乐人的区别 很多感兴趣新学流行音乐作曲的朋友,喜欢张口闭口的说跟我说,"我的流行音乐感觉比你 这个专业的强!"这句话,对吗?呵呵,个人觉的很对,但是这个要看站在什么角度上看了,举 一个例子,同样是踢足球的人,一个是经过专业训练的,一个是踢野路子的,放在一起比较, 有时候,看上去其实真的差不多.甚至踢野路子的足球技术与意识比专业的还强,但是当11 个专业足球运动员,与11个踢野球的足球运动员相遇时,比赛的结果不用看也知 道.........这说明一个什么问题呢?问的好,呵呵,这说明如果你拿自己单个的作品去跟 专业的比,真的差别不大,不就是整体差那么一点点儿么,不就是缺点儿好设备吗?如果给 我装备,我的作品甚至会比专业的还好,很有牢骚吧,呵呵,但是当你与众多专业音乐人合 作时,你会发现你跟本就跟不上他们的音乐思路与专业想法,这时你会发现你空有本事,但 没有用武之地,你也不是大腕儿,谁会来迁就你呢?靠本事说话,如果你拿出10首作品与一 个搞专业的10首作品进行比较,你就会在各个方面,强烈的感受到自己与专业的差距,不看 后期制作的水平,也不听编曲的水平,只听简单的曲子,你也会发现自己写的歌,基本上都 在一个音乐范围内打转,10首歌下来,基本上都是一个调调.想变都变不了.而专业的搞出 来的作品.音乐色彩斑斓,风格多变,融合贯通了古今中外的很多音乐风格,这个就是专业 与业余的最大区别.
话说回来,有人就是说"我虽然其他方面比专业的差,但我的流行感觉就是比专业好,写的 歌就是比专业的流行"对不对,我也认为非常对,为什么呢?因为专业的概念,不是以偏盖 全,人不能只看自己的强项,而忽略了自己的弱项,所谓专业,代表着个人就是要靠音乐吃 饭的,流行音乐只是音乐的一种,并不是每个专业的音乐人,都能有机会,全靠给别人写流 行歌混饭吃,尤其是现在盗版这么厉害,坦白的说,仅靠几首歌曲的版权费用,根本养不活 一个作者,那么专业的要养活自己,还要靠什么?靠市场的需要,需要你明天写出一首广告 歌,那你就要晚上加班,明天交稿,需要你写几首民歌,下个星期,有唱民歌的歌手来选作 品,那你就要这些日子狂写民歌,需要你过两天写一个晚会的歌,那你就要跟喝白开水似 的,马上组织一下,把音乐与晚会主题结合起来,迅速交稿,需要你敲锣打鼓去卖身?% #@*......写的有点儿惨了^_^,总之当需要你写别人急需的东西时,你千万不能说,虽然我 的音乐无敌,但我现在没有灵感,等我灵感来了吧,到时我写出来的肯定超级棒,呵呵,除非 你是大师级的音乐人,别人会有耐心等你,否则等你写出来,黄花菜都凉了,这也是专业与 业余最大的不同.
业余与专业的区别还在于,专业的作者写出来的东西,比较稳定,前后作品水准起伏不大, 让人放心,而业余的可能就情绪化多了,水平忽高忽低,今天写的比专业的都专业,明天写 的比业余的还业余,想想看,如果你去一个公司上班,老板是选择要一个情绪化的员工好, 还是用一个心理素质稳定的员工好?我想答案是显而易见的..... 好了,以上罗嗦了那么多,可能你看的也厌烦了,(P/S:本来就是的,我只想玩儿流行音乐作 曲,其他的别跟我扯蛋^_^).行,马上切入主题,说说怎样进行简单的流行歌曲创作
(二)学流行音乐作曲,需要什么样的基础 很多人问我,"我喜欢流行音乐,喜欢作曲写歌,可是我没有基础,也没人教我......"很无 奈是吧,^_^,其实流行音乐也好,其他音乐也好,作曲本身其实就是没人教的,老师教你的, 或书上教你的,也只是一个怎么来进行作曲的正确方式,写的好坏还是要看个人对音乐的 理解感悟能力,作曲这个东西,感性的成分占的比较多,理性的成分相对要少一些,至于需 要什么样的基础,什么样的老师......其实爱好就是你最好的老师,俗语说得好"熟读唐诗 300首,不会作诗也会溜",说的就是这个意思,你流行歌曲听多了,自己肯定也能哼哼出几 句原创的旋律来,无非是好与坏的分别,不同的只是专业的,会把它事后归纳整理,将来会 写出一个完整的作品出来,而业余的只会把它用电脑录音的方式记录下来,可以不用作事 后的修改整理,也许将来的某一天,不高兴了,就扔回收站里处理了,呵呵,写作方式不同而 已,但这些都叫作曲.
(三)正常的创作一首流行歌,需要学会什么才行 好了,当你也能偶尔溜出一两句不知是什么调调,但至少确信是自己原创的曲子时,会很兴 奋吧^_^,那么如何把这个曲子继续下去,让别人也能感觉到你写的这个作品比较完整成 熟,听起来比较的专业呢?我想,对原创流行音乐作曲的新手们来说,这个还是最关心的问 题吧,呵呵,个人建议就是你要学习一门乐器,最好是钢琴或吉他,要求也不高,能达到自弹 自唱的水平就可以了,然后呢,再学点儿乐理知识,要求也不高,知道最基本的概念,知道什 么叫和弦,什么叫移调,转调,大小调这些,只要你知道它们大概在书本的哪一页上,等具体 哪一个问题不明白,自己随时翻出来看明白就可以了,不需要你死记硬背那些乐理知识,这 个已经是最基本要求了,如果还有人问有什么再简单的方法,不用学不用记......嗯,那个 嘛,你花钱雇我当枪手吧^_^

流行歌曲的正常创作方式 C---Am---F---G 好了,当你会吉他弹唱或钢琴弹唱以后,肯定对和弦有了一个大概了解,翻开乐理书,查查 上面这几个和弦分别是由哪些音组成的,大概了解一下,不用死记硬背,因为以后你弹多了 这些和弦,自然而然你就记得了,这个是80年代流行歌曲经常用到的和弦行进方式.我最初 开始学习弹吉他的第一首歌<>(恰似你的温柔^_^),从头到尾就是这四个 和弦弹下来的,新手们可以下载这首歌听听,感觉一下,是不是发现用这四个和弦写歌,对 现代的我们来说,很简单,很老套?呵呵,可是现在依然有专业的音乐人爱用这个和弦行进 方式写歌,至于效果出来以后,为什么我们听起来不土?不老套?那个是后期编曲制作的水 平问题,不需要只想学流行作曲的你来管^_^ 好了,会了这个简单的和弦行进方式,你再学其他的和弦行进方式,一个行进方式对应一首 歌,弹唱流行歌曲的书籍很多,自己找一本练去吧,这样一两个月,你就应该对流行歌曲建 立了比较直观的认识与了解了,怎么样,终于知道和弦的好处了吧,恭喜你,你的作曲也入 门了,这些就是流行歌曲的正常创作方式,虽然你没有觉察到它,但它确实已经灌输到你的 脑子里了^_^,不信吗?那你肯定没去学钢琴或着是吉他弹唱,呵呵,就先写到这里吧 作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在和弦上花工夫。也有一些人完全按照感觉来写。诚然，按照下行5度和弦圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。小生写的不当之处，恳请各位高手指正。
流行歌曲创作分：1：先有词后有曲。2：先有曲后有词。这里我只谈第二种情况，即先曲后词。
一：倒影。就像你在河上，看到河里自己的影子。如：33345 33321
在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。这样写出来的旋律，不会很散。
二：模进。模进分严格模进和自由模进。
严格模进要求各旋律音程之间完全一样。旋律线条也要完全一致。如：3323 2212
自由模进则没有这个限制。如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同）
三：重复。重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。（注意，重复也是同度模进）
四：对格。艺术都是相通的。在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。在一些诗联中，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。然后依次类推。
如：123 312 234 465
大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的第一个音符。在李宗盛的鬼迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。
五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。1：疏密有致。在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。这样眼睛才不会累。同样在音乐中，前面几小节如果节奏部分非常密集，后面一定要多写些长音。如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排地平稳些，而起到一个平衡的作用。
2：有深有浅。国画中，你不可能一张画全用一种颜色，就算是黑，也分深黑，墨黑，浅黑，灰等等。同样道理也可以放到音乐中，如果前面两小节你都使用上行的旋律，如：1123 3345，后面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，这样让人感觉旋律有起伏有变化了，听觉上比较舒服，也符合自然规律。
最极端的例子，就是陈升的把悲伤留给自己，开头第一到第二句，旋律从低音5直线上升且不带拐弯的到高音1，音程跨度纯四度+纯八度。第三句开始慢慢下降，从高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。给人感觉旋律起伏很大，感情全部发挥出来了，然后第四句旋律开始走稳。
六：变音。变音一般而言就是升降音符。用一些，会给人非常新鲜的感觉，也容易使情感更加饱满。一首歌，变音用的好不好，很大程度上看这个人对旋律的把握程度好不好。一般说，表现明亮色彩的用大调，忧伤或温柔的用小调。我们也可以把大调的3音降半度，来表达忧伤或温柔。在小调中，多使用#4和#5，那是绝对不会错的，因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。如果你想写一段带有JAZZ风味的旋律，除了节奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法门，其实，这也是JAZZ的特有音阶。
我想举几个例子来说明。罗大佑在爱的诤言里，A段第三句，用了：#1 2 3的级进，给人一种忧伤的感觉，而且非常新鲜。李泉的爱的颜色中（好象是这个歌名，记不太清了）用了：5 6 7 #1的旋律级进，四个全音连续上行，把感情发挥到了极至，也给人一种耳目一新的感觉。橄榄树是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到非常好效果。如果改用4的话，旋律色彩就会大打折扣。