原创随笔：诗歌与书法创作浅谈之二

原创随笔：诗歌与书法创作浅谈之二

图文：海边龙拓

早在诗歌起源之前，恐怕只有歌没有诗，后来可能是吟咏需要，歌开始向诗转变，能咏能歌，能读能唱。屈原的《楚辞*九歌*湘君》“鸟次兮屋上，水周兮堂下。捐余玦兮江中，遗余佩兮醴浦。采芳洲兮杜若，将以遗兮下女。时不可兮再得，聊逍遥兮容与。”亦歌亦诗。唐诗没有曲牌的束缚，让歌者更容易表达情感但唐诗已经在很大程度上收紧，让音律规范、收编。宋词本身就是歌词，曲名决定词名。她比唐诗更加规范。宋词不仅仅更加注重音律、音阶，也已经明显表露出数学的美学概念。通过数学美而规范音乐美。奇数、偶数变幻、排列组合的变幻，都有节奏性，出现缓慢、急促、松弛、紧张。之后便有了元曲，元曲通过长长的唱词，更深入表现人类心理活动，挖掘内心深处的意识美。打破人心日常的惯性，让你欲罢不能，不由自己。之后便有了歌剧、京剧、越剧等戏曲。其实戏曲就是中国的歌剧。戏剧引入了对白，像《西厢记》、《牡丹亭》、《罗密欧与朱丽叶》、《哈姆雷特》。戏剧的冲突、情节、故事、悬疑冲淡了歌曲的情感表述，人们随着故事情节的发展忽略了歌曲，也就忽略了诗歌。当诗歌演变成戏曲、歌剧，诗歌就已经开始迷失。中国如此，外国也如此。

自从有了白话诗，诗慢慢与歌分离。诗就是诗，歌就是歌。诗越来越不能唱，甚或越来越不能吟。诗与生活已远远背离，成空中楼阁，与世隔绝。诗歌衰落是必然，普通人已经看不懂，成诗人孤芳自赏、顾影自怜的镜子。由于诗歌越来越脱离生活本身，越来越抽象，诗歌消亡只是时间早晚。歌与诗同样背道而驰而那么的异曲同工。歌几乎都不是诗，完全失去诗情画意，歌成了唱作念打工具，几乎成说。其实连说都不是，说都说不清楚。因为歌已经成为人们唱出来的鼓点，为人们跳跳蹦蹦疯狂表现肢体语言加油的吼声。由于歌逐渐脱离诗词的影子，更加接地气，所以更加泛滥。鸟叔的《江南 STYIE》就是一个极为典型的例子。其实也就是“虽然看起来贤淑，但该玩的时候玩的女人，只要到这个时候就会立马开窍的女人。虽然遮住但是比若隐若现还要性感的女人，那种令人充满快感的女人”。歌曲的疯狂是因为歌曲说出了所有男人想说而没有说出的话。歌手凭借一首歌可以红一辈子。但没那个诗人可以登上水立方或鸟巢的舞台去朗诵诗，像汪峰演唱会那样拥六万观众，一起疯,一起抓狂，一起春天里，一起北京北京，一起怒放的生命。当今诗人任何一个酒吧就很足以，因为她本身太小众，小到没拥泵。诗人咏唱只能瞬间，然后让位给永远的乐队，不管黑豹还是白狼。

请看当下最著名诗人木心的《恋史》：“木屋夜而爱 而狂  风 涛声 酣眠  早茶午餐 晚酒  鸥鸣不已 云飘移 呵欠…………”真不好唱，不好歌，一点不煽情，不需要高潮或低潮。不能说诗人没情欲，海边，风里，木屋，睡眠，都发生着爱，有关恋爱的情史。诗人的思想是分裂了吗？越分裂就越是诗？越支离破碎词句越诗吗？

诗歌已不需要思想，不需要去说明什么，解释什么，暴露什么，讽刺什么。诗歌就是断裂，譬如海边一分钟草就新诗：“电脑脚盆 茶几。 天地还真玄黄。 叮咚 泥土 去吧。  所以 过去 优土。 玩具 筵席  苹果。  宇宙这样洪荒。你要么，在床上。我不要，床底下。”狗屁不通才是作品。头发不长不是歌手，胡子不长不是诗人。可是，诗人都在瑟瑟，饥一顿饱一顿。而歌手渐渐的肚子大了起来，可他并不是贪官。他只是衣带渐宽。

诗人多是短命鬼，因为天不容他！因为诗人你忘了世界上有亿亿万万和你一样的人，忘了黑暗，忘了曙光。世界离你已经非常遥远，你的眼睛没有了月亮，也没有太阳。诗人太过于自我，自我到他就是太阳。自我到要毁灭月亮，毁灭自己。像海子，像王小波。可是，歌手忙着点钞票，四周是保镖，好像赵薇，好像臧天嗍，可是，臧天嗍已经沉思了。歌手因为是歌手，他需要唱，需要吼出来。歌曲的震撼力是给你听的。当下人们已经麻木了。当下人们被物欲横流的社会挤压到窄窄空间，挤压到上衣口袋里。人们就剩下手机，且必须4G.世界多么小啊小到方寸之间，小到只有一个巴掌。歌手是物质的。诗人是精神的，几乎是神经的。

从古至今，穷困潦倒的都是诗人，真是悲哀。那么，酒足饭饱的就不是诗人，那李白是吗？！辛弃疾、李煜、白居易、杜甫、李清照、屈原。太多的诗人都是穷困潦倒之人，流离颠簸之人。那么，当今已经没有诗人了。那么，周云蓬还是诗人吗？如果他还需要流浪。那么，汪峰还是歌者吗？如果章峰恋真有一个说辞。其实，那英应该休息，我天天呼唤田震。花儿请你不要就这样凋谢，感情请你不要这么吝啬。我心，如刀割。

此刻，已经不需要太多话。有谁深知你心？有谁包容你身？

日本书法家井上有一作品

浙江大学教授曾宓作品

海边临字

感谢许茹芸《如果云知道》，感谢《暗香》“当花瓣离开花朵 ，暗香残留 ”美轮美奂的歌声虽然是歌但更是诗。类似好歌可能越来越离我远去。《老鼠爱大米》、《小苹果》那样抓耳挠腮的歌占据舞台，昙花一现。《文森特》百转千回，《梦醒时分》让人不想清醒。但是，意境美、感情美，非常自我、与世无争的感觉被边缘。空气美、直白美，白开水那样的所谓美充斥舞台。我相信，终有一天，有诗有意的歌会重新回到舞台。诗歌不会就如此消亡。“苔痕上阶绿，草色入帘青。”、“两情若是久长时，又岂在朝朝暮暮。”这样的好诗，会重新回到我们的视觉。


“忠厚传家久，诗书继世长。”诗与书从来相伴左右。诗家多书家，譬如苏轼。上句对联即出自苏轼《三槐堂铭并序》。书法自古至今走过一条与诗歌极为相似的变化路数。书法格式自甲骨文始，一直以内敛为主体，钟鼎文、石鼓文取圆润、转势，八分、汉隶取扁势。魏碑斜势，唐楷方势。楷书的笔势从唐朝延续至今。在这些主流字体背后，是草书大行其道。从西汉开始章草、行草直到初唐狂草。草书打破各种字体的格式。打破内敛的笔划，成为书家天马行空，感情宣泄的利器。书法的审美取向从个体美发展到整体美。主流书法的任何一个字都可以随意抽出来看。抽出来单个欣赏。而追求发散的草书则不行。草书讲究笔势、气势，一气呵成，不可断裂。笔划长短、字迹大小、水墨浓淡随心而去。如果你单单挑出一个草书中的字，不仅看不懂，也无美可言。因你打断了草书的气场，打断了书家的思维。

草书是天书，来无影去无踪。不协调、不对称、不规则。用今天的话说叫很不靠谱。你说，自然界有哪棵树，枝叶相同？没有！山顶上有那朵花是一样的？也没有！草书如是。草书所有笔划都在变化中完成，没一笔相同。但草书气势字字相通。草书最接近诗歌的审美。感觉美，但你不知道美在哪。似懂非懂，似明非明，半梦半醒。这时，诗歌与书法都在创造着一种朦胧美、意境美、意识美。语言很难表达你内心感受。是清澈的山水之美，又是乱云飞渡之美，什么都不是，可什么都在其中。即便汉隶、魏碑、楷书也有朦胧美。但没草书那么明显，那么张扬个性。主流字体的朦胧美表现在细微变化中。线条的细微变化间接隐含着书家思绪。你不知道他想什么，你能感觉到。

书法与诗歌都有非常多不确定性。不可知性。这些不确定性，不可知性打破了诗者、书者与听者、读者的界限，产生互动的交流。静体的心与动体的心开始对话，开始交流。书法的不可知性体现在线条变化，本来都这样，就应该这样。可是，突然有一笔那样了，就没这样！读者奇怪了，警觉起来，双方产生互动。读者感觉是：你怎么会这样？你不应该这样！可，书者说，我就想这样。接受他的读者欲罢不能，不接受者骂声不断。骂着、乐着都被震撼。

诗歌的不确定性更多的是大量使用疑问句，使用假设句。请看：“为什么受伤的总是我，到底我是做错了什么，我的真情难道说你不懂，为什么受伤的总是我，如何才能找到我的梦，有一天有一个她真心爱我。”—歌词：“为什么受伤的总是我。”林志颖演唱。

“如果云知道 ，想你的夜慢慢熬，每个思念过一秒，每次呼喊过一秒，只觉得生命不停燃烧。如果云知道 ，逃不开纠缠的牢，每当心痛过一秒，每回哭醒过一秒，只剩下心在乞讨。”歌词：“如果云知道。”许茹芸演唱。类似句式在宋词、唐诗中比比皆是，屡见不鲜。层出不穷。

提问、设问、反问、疑问：为什么？怎么了？你说？为何？假如、真如、是不是？可以吗？但更多的是如果！如果云知道，如果你知道。这些不确定的因素，赋予书法和诗歌不一样的美。在你身上看见我影子，在你心里找到共鸣。由于是提问，由于是假设，由于是打破了宁静，那么一切皆有可能。人们的思绪飞向丛林，飞向大海，飞向彼岸。歌声远没结束，线条还没停止，人们就已热泪盈眶。温暖着、激荡着、感动着。精神为之一震。之后，回过味，才知，那是幻境，是我向往、梦的境界。现实恢复平静，恢复平常。人们吊起来的口味又吞咽下去了，那只好该干啥干啥。

书法与诗歌的最高境界是朦胧，像龙井，像西湖，像漓江水。诗歌与书法最高情怀是被云雾笼罩。欲说还休，隔着一层，心在煎熬，情在呻吟，就像你轻轻的来，又轻轻的去。可是我怎么办？爱说不出口，那层窗户纸谁能为我去捅破？

痛苦的夜，没有你。风起，雨起，浪起，雷声骤起。谁在呵护你？谁还惦记你？即便千千万万思绪，你知否？只有我唯一。风起，云起，有我在左右，保护着深爱的你。

未完，待续。

海边于北京青年湖畔
2014年9月13日晚