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作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在和弦上花工夫。也有一些人完全按照感觉来写。诚然，按照下行5度和弦圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。小生写的不当之处，恳请各位高手指正。
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: D6 v7 I, c/ s5 e6 S! t1 @流行歌曲创作：, a/ _& r, E, Z2 b
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1：先有词后有曲。0 u. L% J- K8 j8 i9 Q9 _2 i( m7 }0 c( r
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2：先有曲后有词。
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这里我只谈第二种情况，即先曲后词。
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一：倒影。
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就像你在河上，看到河里自己的影子。如：33345 33321
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1 P( j. M j. a( v" n在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。这样写出来的旋律，不会很散。) I" T5 Q, F k/ w' D+ w
- Z7 Q* D, z" `& u. a0 w, W/ ~' k二：模进。" u1 C. h, w# E- s: Q
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模进分严格模进和自由模进。
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严格模进要求各旋律音程之间完全一样。旋律线条也要完全一致。如：3323 2212
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$ C) ^7 s$ U" H7 u' x自由模进则没有这个限制。如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同）; g/ R! K" N, K( d) n$ Z$ w
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三：重复。7 |& n* g& G: A0 Z. [2 g; w0 D/ s
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重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。（注意，重复也是同度模进）
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4 P8 |) P; P8 U1 Y w. e2 R四：对格。
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艺术都是相通的。在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。在一些诗联中，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。然后依次类推。如：123 312 234 465
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大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的第一个音符。在李宗盛的鬼迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。
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五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。) Q0 y# A2 Q1 l! o1 k/ u
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1：疏密有致。在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。这样眼睛才不会累。同样在音乐中，前面几小节如果节奏部分非常密集，后面一定要多写些长音。如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排地平稳些，而起到一个平衡的作用。
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2：有深有浅。国画中，你不可能一张画全用一种颜色，就算是黑，也分深黑，墨黑，浅黑，灰等等。同样道理也可以放到音乐中，如果前面两小节你都使用上行的旋律，如：1123 3345，后面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，这样让人感觉旋律有起伏有变化了，听觉上比较舒服，也符合自然规律。
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$ g+ h! n, P7 S最极端的例子，就是陈升的把悲伤留给自己，开头第一到第二句，旋律从低音5直线上升且不带拐弯的到高音1，音程跨度纯四度+纯八度。第三句开始慢慢下降，从高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。给人感觉旋律起伏很大，感情全部发挥出来了，然后第四句旋律开始走稳。/ J, i" i, ~8 k
) P7 }! c1 T3 w7 |* D6 s5 b六：变音。6 ]( `1 h- D V7 @6 y# |" L9 u* T& K
$ e, U5 a& y/ S3 u: D! R9 @( U& E变音一般而言就是升降音符。用一些，会给人非常新鲜的感觉，也容易使情感更加饱满。一首歌，变音用的好不好，很大程度上看这个人对旋律的把握程度好不好。一般说，表现明亮色彩的用大调，忧伤或温柔的用小调。我们也可以把大调的3音降半度，来表达忧伤或温柔。在小调中，多使用#4和#5，那是绝对不会错的，因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。如果你想写一段带有JAZZ风味的旋律，除了节奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法门，其实，这也是JAZZ的特有音阶。
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我想举几个例子来说明。罗大佑在爱的诤言里，A段第三句，用了：#1 2 3的级进，给人一种忧伤的感觉，而且非常新鲜。李泉的爱的颜色中（好象是这个歌名，记不太清了）用了：5 6 7 #1的旋律级进，四个全音连续上行，把感情发挥到了极至，也给人一种耳目一新的感觉。橄榄树是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到非常好效果。 |
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