浅谈关于作曲的一些小技巧之一

作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在和弦上花工夫。也有一些人完全按照感觉来写。诚然，按照下行5度和弦圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。小生写的不当之处，恳请各位高手指正。

! q+ g8 y2 b7 ^) g+ q流行歌曲创作：
3 i# x- i  U# ^1 g
1：先有词后有曲。
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5 A, y1 U1 g1 P, U3 ?2：先有曲后有词。
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这里我只谈第二种情况，即先曲后词。

6 K8 L" Q  W4 J6 _7 ~一：倒影。
& i( M+ k, [/ z. p5 X就像你在河上，看到河里自己的影子。如：33345 33321
+ Q* b* O- L0 i0 G
' m3 Z: U7 I+ k( `  p1 ^6 T7 C在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。这样写出来的旋律，不会很散。
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二：模进。
模进分严格模进和自由模进。

严格模进要求各旋律音程之间完全一样。旋律线条也要完全一致。如：3323 2212
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+ l- @8 i8 i: p+ \) t4 ]自由模进则没有这个限制。如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同）

, B& ^! W7 I+ _- E2 q" E三：重复。
重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。（注意，重复也是同度模进）
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* f  K6 U! e: N. u5 T四：对格。
艺术都是相通的。在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。在一些诗联中，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。然后依次类推。如：123 312 234 465

大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的第一个音符。在李宗盛的鬼迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。

1 D' ]% ~. X  h) j5 J# s& R# l1 u五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。
8 q+ q* k- T6 C( q  z  X# {1：疏密有致。在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。这样眼睛才不会累。同样在音乐中，前面几小节如果节奏部分非常密集，后面一定要多写些长音。如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排地平稳些，而起到一个平衡的作用。

2：有深有浅。国画中，你不可能一张画全用一种颜色，就算是黑，也分深黑，墨黑，浅黑，灰等等。同样道理也可以放到音乐中，如果前面两小节你都使用上行的旋律，如：1123 3345，后面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，这样让人感觉旋律有起伏有变化了，听觉上比较舒服，也符合自然规律。
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最极端的例子，就是陈升的把悲伤留给自己，开头第一到第二句，旋律从低音5直线上升且不带拐弯的到高音1，音程跨度纯四度+纯八度。第三句开始慢慢下降，从高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。给人感觉旋律起伏很大，感情全部发挥出来了，然后第四句旋律开始走稳。

# z$ I7 i; ]4 V/ x六：变音。
变音一般而言就是升降音符。用一些，会给人非常新鲜的感觉，也容易使情感更加饱满。一首歌，变音用的好不好，很大程度上看这个人对旋律的把握程度好不好。一般说，表现明亮色彩的用大调，忧伤或温柔的用小调。我们也可以把大调的3音降半度，来表达忧伤或温柔。在小调中，多使用#4和#5，那是绝对不会错的，因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。如果你想写一段带有JAZZ风味的旋律，除了节奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法门，其实，这也是JAZZ的特有音阶。

我想举几个例子来说明。罗大佑在爱的诤言里，A段第三句，用了：#1 2 3的级进，给人一种忧伤的感觉，而且非常新鲜。李泉的爱的颜色中（好象是这个歌名，记不太清了）用了：5 6 7 #1的旋律级进，四个全音连续上行，把感情发挥到了极至，也给人一种耳目一新的感觉。橄榄树是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到非常好效果。

分享,谢谢楼主发布啊