midi 音乐制作知识

midi 音乐制作知识

配器法

, l& |) p  k" {- w+ w" I. g    为什么有的作曲或配器的人有很好的创作理念、也听过很多类别世界各地的优秀音乐作品、也会玩一手不错的乐器、也参加过很多演出活动、也对各种现代和传统的音乐有自己独特的看法、也有一套不错的音乐制作设备、也制作过不少的音乐作品......常常有些配器做的很细、作的也很内行、全都很合乎逻辑......但是听起来却非常枯燥无味，只求相当响亮和相当清晰......这就是作曲或配器的人对器乐作品的“色彩”抱漠不关心的态度。
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   有的朋友认为∶（MIDI同真乐队是不同的......为什么XXX大师的作品那么NB......？）除了后期技术的处理（缩混大师和母带大师）前期的关键就是作品和配器......就像kinghand 文章所说∶新世纪最大的谎言：“我们会在作mastering的时候修正所有的问题” 。我想在有时间后不定期写一些配器法的文章，同大家一起学习讨论，不知朋友们认为如何？望朋友们高见！
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; K6 w1 M$ e' a/ U% J    小型配器中的乐器结合
7 M+ i& ~" B/ J    我们常常可以看到，有许多配器结合往往是管乐器的音色占优势，弦乐器在很大程度上都被溶化到管乐器的音色里。我举一些最普通的情况∶
    1∶小提琴声部，如果同二支Ob在最富持色的中低音区同度结合，只会使Ob的音色更富于轫性和稍柔和一些而已，不会改变后者的音色。
    2∶单簧管与大管同度结合，在用中提琴加以重叠时，可以得到比较流动的音色，并且稍带暗淡的色调。
0 I+ T/ X# K/ V# k* G* t    3∶小提琴相隔八度的分奏，重叠二个双簧管和二个长笛八度演奏，可以使后者的音色变得非常柔和。
! g) {8 }1 N5 X9 a; d7 b    以上例子大家可以在做MIDI的时候进行试用，听一听有什么不同...了.要知后一课......下回分解。
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   同类管乐器的同度结合
0 b' W4 G% }5 K& m% [   为了比较系统地论述同类乐器的同度结合起见，以下都从乐队的三个应用音域来谈这种结会合∶低音区、中音区、高音区。
" P: f: ]* }4 ?4 `; f   1∶低音区从A2-B2--C
1 g2 x, q  R) x1 c9 n   2∶中音区从C--C2
   3∶高音区从C2--更高的在小字4--5组的所谓最高音
8 n7 r) x8 E" p) O9 H   1∶低音区
   小型管弦乐队配器只有大管或法号可做同类管乐器的结合，二个成三个大管在低音区同度结合可以发出美妙的浑厚的音色。所得出的音色厚实、严峻，但有些粗糙。二个法国号在低音区的同度结合也是配器法中同样有趣的手法。在弱时他们的声音柔和迷人，很象管风琴的低音。四个法国号齐奏可以形成浑厚、丝绒般柔和的音色。法国号的发音有些慢吞吞地，这在低音区特别显著，用它演奏大提琴味的乐句会发出沙哑的、非常笨拙的音响，因而刻划出一幅漫画般的形象。
    2∶中音区
; P4 W! F0 \$ s1 ~   几支长笛在低音区的同度结合发音虽然冷冰冰的、但很柔和而带有几分神奇的色彩。这里用来表现苦闷、淡漠、一种象石头般沉重的忧郁交织的感情是再好不过了。如果只用一支长笛，那不仅音量不够，而且在表现上也不合适。三支长笛会发出厚实、抽象而冷漠的音色，充满了言语难以形容的复杂感情。四支长笛齐奏显得特别神秘和阴沉。三支单簧管的齐奏发出均衡而冷冰、刚强、灵活的音色，效果是惊人的。
   3∶高音区
/ {! N! `5 |: i% \   在这个音区可以有长笛的、双簧管的、单簧管的结合。二支长笛同度结合通常是加强在高音区的旋律，最常见的情况是二个八度平行陈述......几友双簧管在高音区齐奏相当罕见，因为在高音区音色干巴巴的......有点象唢呐。单簧管三支在高音区齐奏就不同了，会发出强烈的声音。


    非同类管乐器的同度结合
    大家在做MIDI的时候，一定要注意∶三个音区都可供非同类管乐器的同度结合，只有高音区小字四组和低于B2音的低音区例外......非同类结合的目的是∶
    1、加强织体中某一声部的声音，由于补充了有比较强烈和鲜明音色的乐器使该声部的声音加强了。
+ c7 F5 }/ r; W/ D; D    2、软化音色，把音色柔和的乐器附加到音色强烈的乐器上。
    3、造成特殊的色彩，混合不同的音色以形成与纯音色迥然不同的新音色。
- s1 }, N* Z8 o/ U$ e    以上所举的原因，归根结底是得出所谓“复杂”的新音色，但在MIDI制作中，复杂音色都起特殊表现作用。在某些情况下，配器者只需要达到加强或软化旋律的音响，另外就是配器者从音乐刻划出发，探求独特的音色做为富于个性的表现因素......因为∶“色彩”揭示了配器的主题性质。上述前一种情况下，形成“复杂”音色的纯音色在某种范围内可以用其它纯音色来替换、好象是一种变奏。而后一种情况下，丝毫不能替换，因为∶改变“复杂”音色的组合就会引起配器性质的改变。
) q4 o; ?, K7 _, ?, N    在任何情况下都必须明确自己根据“乐思”的深刻了解而产生的意图。待续......
5 C' @) B( W6 g+ R8 q; d7 b    两种不同音色的管乐器的同度结合
    1、在制作MIDI的低音区
% y- z+ \' Q7 P1 K2 ]    大管+低音单簧管，在速度中庸的配器进行中音色真是其妙无比。 大管+法国号，在配器中给人以柔和松软的印象、飘飘然的感觉。低音单簧管+法国号，配器中带有冷冰冰的、严峻的色彩，但需要在非常清澈、轻盈和稳定时很适用。以上的配合在MIDI制作中是很自然很有效果的。
( t: [  [) S" O( r) @" z" T3 o% x8 i    2、在制作MIDI的中音区
0 T" P# P( l8 W" g3 c   大管+单簧管，一般会形成比较安溢、宽广柔和的音响。单簧管+法国号，给人以比较阴晦、严肃的印象。法国号带弱音器，在PP时会带有纤细和稍泛银光的色彩。小号的低音区同单簧管的音色结合，使小号的音响更缜密而富于轫性、减弱了小号特有的金属味、音色柔和而浑厚。
    3、在制作MIDI的高音区
    在高音区除了上举的结合，管乐器和小号的结合很常见十，从小字二组到C2都可做结合。
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" U. X# Q3 G0 K" u' Z+ c) C配器注意事项
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4 w# d1 }7 ]3 @1、我们在写前奏时要慎重选择演奏主要旋律的乐器音色，由其是主题的初次陈述，做到风格、性格要跟音乐的主题思想吻合，情绪或形象恰如其分，有时也出现意外的主题但很少见。
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8 \. c* `! ]1 L2、注意音色的新鲜感，有利于特定音色出现时的新鲜感。所谓新鲜感指当你需要一个重要的音色陈述一个重要的旋律片断时，其前面的配器应尽可能少用或不用该音色的乐器。如休止几小节或一个小段落，即故意“隐藏起来”一会，再露面时，常有容光焕发音色亮丽的效果。

5 {! D9 I. O+ @4 q1 B! V3、一个乐器所再的音区不同那么他的音色也有很大不同，音区保留是突出旋律的有效方法。所谓音区保留，指当主要旋律声部处于低音区或中音区时，要给他留出不受干扰的活动空间，其他织体因素最好不要在此音区出入，那样反而会破坏音乐效果，给人在听觉上也照成不好的影响。
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, C! p8 m1 c% l5 B0 d; l  _. V4、和声节奏要宜宽不宜紧。在配器中和声节奏通常以宽为主，编配和声要十分注意，因为一首伴奏在听觉上的好坏和声起到了非常重要的作用。比如一个乐句，或配一个和弦，或配两个和弦，切忌和弦变换的频率过快，以致和声音响混乱，管弦乐配器例外，管弦乐的木管或铜管可能一个音符上写一个和弦，而在电声配器上讲究板块和弦，尤其是和弦外音的出现使音乐听起来更加动人。

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5、在配器上讲究“上秘下疏中不空”或“下秘上疏中不空”是和声排列的基本原则。要注意低音区用密集的排列中音区空洞无声部，而高音区还连续演奏十六分或三十二分音符，这样听起来会很难受，遵循上秘下疏中不空的原则，才可获得均衡的有良好共鸣的音响效果。
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, M3 k7 g% c+ l; q, q6、要注意延音踏板的使用。一般键盘用的最多，当音乐织体中和声音型程分解和弦形态并由多件乐器分别演奏时，若选择音色融合性较强的乐器以长音的形式予以支持，可避免乐队音响的干涩而使用延音踏板。但也要慎重使用，要延音过多而整体变软，整体配器没有力度，那样听起来会很难受，要注意整体的音响效果。
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5 O9 f+ s" V+ g2 z: d% Q7、乐队织体的清晰依赖各要素之间的对比。注意把握织体内部旋律与其他因素（如伴奏、陪衬等）之间在音色、音区、力度、形态等方面的对比。有对比才易发挥不同要素各自的功能，取得相得益彰的效果。要素之间缺乏对比的织体，其音响很可能是混成一团的。

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8、乐队音响的涨落要与乐器的进入和退出联系起来。当需要乐队音响逐步增长时，应随着乐器的渐次进入，使音区不断扩张、织体逐步加厚反之，当需要乐队音响逐步消退时，应使乐器渐次退出，织体逐步变淡、变薄、稀疏。那种仅仅依赖力度符号的改变依赖演奏上强弱变化来获得乐队音响涨落的做法，往往是徒劳的。


9、在配器中个声部力求都生动流畅有趣味。不论主旋律声部、副旋律声部、和声低音以及和声内声部、节奏声部都应力求生动，千万避免某一声部长时间无变化的枯燥乏味的写法。

7 y. C/ Q, o6 w* ?) m但鼓声部尽量避免变化频繁，那样听起来感觉支离破碎。
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10、在最后整个缩混时要注意整体音量平衡，摆放好乐器的前后、左右的位置，某件乐器与整体的混响、声相、EQ、亮度等等的对比度，边听边调整用耳朵听，用眼睛来观察电瓶表。最后能作出来自己满意的作品。

常用的配和弦方法


( A6 @2 x; u2 M1 g. g- w  y( g   常用的配和弦方法有如下几种：


   1、附加音的和弦：在和弦标记上常用“sus”、“add”“2、4、6、9、11”等等。这些和弦实际上还是在传统三和弦的基础上通过附加音得来的。如何正确使用附加音是我们必须掌握的：附加音应该是民族调式中的骨干音或者具有骨干音的特性音，除非必要，不提倡使用具有小二度、增四度和减五度的音程关系，另外其他各类的增减音程关系当然更不要使用。要保持民族音乐鲜明的特点与独特风格，尽可能地使用那些仅仅在旋律中已经出现的音符最为重要。
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   正常情况下，在五声调式中因为没有产生小二度、增四度、减五度音程，因此在和弦的附加音上没有过多地限制。如下列举例：

    ①：C和弦，可以扩展使用的和弦有：C、C6、C(add9)、C6(add9)。
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    ②：Dm和弦，可以扩展使用的和弦有：Dm、Dm(sus4)或Dm(11)、Dm7、Dm7(sus4)或Dm7(11)。
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    ③：Em和弦，可以扩展使用的和弦有：Em、Em(sus4)或Em(11)、Em7、Em7(sus4)或Em7(11)。

1 a: `8 p5 e7 q$ _' C6 ^* [9 m" D; c    ④：Am和弦，可以扩展使用的和弦有：Am、Am(sus4) 或Am(11)、Am7、Am7(sus4) 或Am7(11)。

    ⑤：G和弦，可以扩展使用的和弦有：G、G6、G(add9)、G6(add9) 。
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    2、使用替换音的和弦：在和弦标记上，仍然像上面提到的那样使用常用的标记即可。使用替换音的方法来代替原有的传统三和弦结构的和弦，是现在为民族音乐风格配伴奏的最常使用的方法之一。目的非常明确，那就是尽量不要让一首典型的民族音乐风格的旋律，因为使用和弦上的错误而使其变得不伦不类，中不中、洋不洋！

% S) u  n. P. ]' z) X0 T    民族调式配和弦时，我们在使用传统三和弦基础上，把和弦的三音用其相邻的上方或下方自然音程的二度音代替即可轻易地使用这个和弦了。这种用一个音替换另一个音的和弦配置法实际上已经改变了原来三和弦的基本结构形式，因此所产生的和声效果具有强烈的中国民族调式的特色，在音乐风格上也产生了本质上的变化。如下列举例：

    ①：C和弦，可以扩展使用的和弦有：C、Csus2、Csus4。
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( D/ q' S" v$ M0 a: a    ②：Dm和弦，可以扩展使用的和弦有：Dm、Dsus2、Dsus4。
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7 y+ P; X4 y# z- V2 Q4 b+ D    ③：Em和弦，可以扩展使用的和弦有：Em、Esus2、Esus4。

4 k& P# `0 A0 i; }1 y& U8 [  i    ④：Am和弦，可以扩展使用的和弦有：A、Asus2、Asus4。
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5 K- {' ?1 w; N: ^3 M3 T2 l4 p  ]    ⑤：G和弦，可以扩展使用的和弦有：G、Gsus2、Gsus4。

    与附加音和弦相比，这里明显的区别是：替换音和弦是指和弦的音数没有改变，附加音和弦是指在原有的和弦基础上另外增加了音数，不要将这个概念搞混淆了。

' C. T" m4 d2 K4 A    3、换加音和弦：这种和声体系概念实际上是在替换音和弦的基础上得来的，在原替换音和弦的结构中附加了某个音（或某些）而构成有五声骨干音特点的和弦。这种和弦结构的使用，能够保留民族音乐风格的基本色彩和特点，同时又不会破坏具有这种民族风格的和声色彩。

     4、省略音的和弦：这种结构的和弦从实际意义上讲，已经不算是和弦了。因为这种和弦是省略了和弦三音得来的，因此剩余下来的五度音程就算不上是和弦了。这种和弦的特别用法仅仅是作为特殊的情形中所使用的表现手段，运用这种和弦时一般标记为：C;3（“Omit”（英文）意为：省略、疏忽、遗漏），C为和弦结构音（根音）。省略音的和弦由于只是一个空五度的和声音程，它不能够在民族调性的乐曲中充分反映调性特点，所以，如果不是非要不可时，就尽可能避免使用它。
流行音乐的和弦编配
  [% B9 A  B) V! [8 D1 L; F     我以前学过几年的吉他，现在又自学了点钢琴，技巧水平固然是差很远，不过在弹吉他的时候对伴奏有一些心得，后来发现钢琴的和弦更是博大精深，很多在吉他上不方便弹的或者音不完全的和弦，在钢琴上都比较容易，钢琴上的和弦更准确、细微，转换也更方便、快捷。可惜我见过很多朋友包括钢琴教师，技术不错，弹古典曲子都很好，毕竟有现成而且原版的谱子。但是弹流行音乐就不行了，味道完全不对，其实就是和弦伴奏的问题。
6 B, P0 v5 S2 Z' I9 F. X1 a    古典音乐一般对和声有严格的要求，对位严谨，和弦走向的规定很严格，而且以和谐的和弦为主，所以听起来感觉很优美或是雄壮，也很流畅。但是古典音乐发展到了顶峰，后人无法超越，到了近、现代，和绘画一样音乐发生了很大的改变，除了旋律的不明确，和弦也极为复杂，大量的不谐和和弦的采用，调性很模糊，很多时候给人的感觉是紧张、尖锐甚至刺耳，所以大部分人很容易爱上古典音乐，而对现代音乐则怎么也喜欢不上，但是从技术上来说，现代音乐是很复杂的。
. s: F- u5 n7 i2 o    中国的传统音乐基本是单旋律的，即便是乐队合奏也是大齐奏(现在的民乐队很多采用了一些和声，加入了低音）。流行音乐是舶来品，它是建立在西方古典音乐的基础上的，和声非常重要，一首歌或者曲子的情绪、感觉往往是由和弦决定的，还有节奏，如果用钢琴或者吉他写歌，常常是先把和弦走向弹出来，再找旋律。即兴必须对和声、节奏有很好的感觉，可以看到欧美的实力歌手在演唱会里经常对歌曲的旋律即兴发挥，而和声一般是不会变的。至于爵士、布鲁斯钢琴的演奏更是非常的即兴，和弦大部分是固定的套路，旋律则是随心所欲。
, C) Z3 X/ K6 P! K$ e    当然也可以先写旋律再找人编曲，写旋律的不一定是专业人士，但编曲的一般都是。所以和声是一门技术性很强的课程，但照搬书本也容易变得死板，因为和声教材往往只是针对古典音乐，流行音乐则非常灵活，感觉往往更重要，比如保罗.西蒙就说过，他不懂和声学，他只是在吉他上找出最好听的和弦。
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本吧里有一篇“即兴流行钢琴的弹奏”，其实主要讲的是扒谱和伴奏的方法，楼主的很多想法是好的，流行音乐一般没有现成的谱子，或者一般谱子编得也不好，和原曲差别很多，大部分时候得靠自己的耳朵，就算自己扒不了谱，好歹也能听出别人扒的对与错吧。但是楼主对和弦的讲解还比较粗浅，文章里也有一些错误。
   楼主举例的I believe是一首比较适合的学习扒谱的曲子，因为钢琴部分的分解和弦很清晰，而且也用了一些比较有特色的和弦，不是那种特别简单的几个基本和弦就从头配到尾的歌曲。
1 }# S" ?6 e! c8 k  v" p4 l低音是辨认和弦之道这是肯定的，bass是和弦里最重要的音，这个一定要准，如果bass音很低不容易听出音准来，可以把音调提高一个八度就容易了，以前只能快放磁带，现在用很多电脑播放软件都可以做到（提高音调还可以保持原速）。有些bass音只是经过音，但重拍上的一般是根音（当然也有很多节奏切分的根音不在重拍上）。
    但是只是找到根音还差很远，比如同样是A 有A Am A7 Am7 Amaj7 Ammaj7 A6 Am6 Asus4 A9 Am9 A11 A13 Adim Aaug等等,而且这些都是流行音乐里比较常用的和弦，生僻的和弦还有很多,还有很多的情况是转位和弦。如果要求不高对于初学者，至少要分清是大还是小，7还是大7 是挂四 九 还是增或者减和弦。楼主列的那个针对每个简谱音配相应和弦的表未免太过于简单了，如下：
低音    1    2       3     4      5     6    7
可选择  I    IIm     IIIm  IV     V     VIm  VIIdim <- 和弦根音(root)为低音
8 p. F; Y' o. a之和弦  VIm  VIIdim  I     IIm    IIIm  IV   V      <- 和弦三音(third)为低音
。。。  IV   V       VIm   VIIdim I     IIm  IIIm   <- 和弦五音(fifth)为低音
    首先这个表应该针对是旋律音而不是低音，而每个旋律音可以配的和弦即便是常用的也很多，还有很多情况是和弦内音里根本没有旋律音，因为和弦的走向比旋律更重要。另外旋律里有升降音的情况也很多。
楼主举例的第二小节 ，可以听出分解和弦是 3 7 1 5 ， 似乎既象IIIm的3 7 5 也象I的3 1 5 其实不可能是I ，弹IIIm的效果都好一些，正确标法应该是Imaj7/III 就是高音是一级大七和弦（1 3 5 7)，根音弹III ，从和弦的走向也可以看出，这是很不稳定的和弦。这首歌的前奏部分应该是IV9 Imaj7/III IIm9 V I9 IV/I Imaj7 I9 IV9/V 。
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$ L: _) q$ z7 x7 M: {' X4 z0 n# ^/ n    另外我以《暗香》为例，因为是C调，我就直接标识和弦了。由于简谱没办法标上、下点，大家只有自己加上了。
前奏旋律是 6371  2713   6 71   2713   6     ＃5 －  
. m& a& A) v8 \* p伴奏和弦是 Am    Am/G   Fmaj7  Dm     Esus4  E
注意IIIsus4-III以及Vsus4-V的进行是很常用的。  
主歌右手伴奏     1736  1736  2756  1731
       左手伴奏  635   414   525   635
) d+ V, A" c' B! [" W+ B! m        和弦    Am9   Am9/F  G9    Am9
; A6 [4 W- i4 r* Q6 F0 {
1 |" Z/ ^( w' I构成音 Am9   6 1 3 5 7
      Am9/F  4 6 7 1 3
+ o4 W! C7 D8 n7 j6 K       G9    5 7 2 5 6
      Fmaj7  4 6 1 3
1 b0 {0 b/ R& F' U$ u% ~/ Y      Esus4  3 6 7
! y: E# X6 K- z, F/ _- c9 }      Am/G 的意思是高音Am和弦，根音弹G
   一般来说，伴奏用分解和弦，可以在基础和弦上加比较多的音构成复杂一些的和弦，以变得更加丰满，有特色。
# ^5 A- F$ E2 G( G1 K+ _: w4 w    如果和弦音是一起弹出来的，要听出每个音来就需要一定的功力了，需要你平日多加练习，从简单的和弦做起，多听多找感觉，记住每种和弦的特色。

电脑音乐中的伴奏配器功能
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　　当我们拿到一段唱腔时，它的表现形式只是一个单旋律的记谱，怎样才能使唱腔的表现力更加丰富、动听，伴奏就显得很重要了。伴奏也就是对唱腔的编配，对唱腔层次对比的设计，和弦色彩的应用以及织体的搭配，这是乐曲编配中最基本的常识，在掌握这几点后就可以进入到配器功能这项工作中了。
# }3 U+ Q. U/ H　　从配器角度上讲，它的功能可分为五个种类①主旋律②低音③和声④副旋律⑤打击乐。当然对唱腔编配时要针对唱腔的风格去运用配器的功能，也就是说在配器中五个种类不一定同时具备，也许只有和声，也许只有旋律*9熏也可能是五个种类里的任意结合，这就要具体作品具体对待了。配器功能与织体功能表面上看比较相似，实质上它们是不同的，织体功能主要是从结构上看，而配器功能是从用途上看。例如：织体功能中的琶音在音乐配器功能中可以做和声层也可做旋律层。
* U. B- K. Y4 f- N3 S　　在进行乐曲编配中我们先来看一下对主旋律功能的运用，主旋律是音乐作品中不可缺少的旋律线，可是在乐曲伴奏中，它等于是歌唱者唱的旋律。那么，我们在编配伴奏时就尽可能地少出现乐曲的主旋律，如果主旋律出现过多，就会喧宾夺主，干扰演员的演唱。
　　低音是音乐作品中不可缺少的部分，它是托起整个音乐的基石，当然乐曲伴奏的编配也一样。在设计低音的时候，如果旋律在低音出现，那么不需要再进行设计低音了，因为旋律取代了低音层。好的低音设计，要服从于唱腔的结构，服从和声的节奏，要照顾和声进行的合理，同时又常常要自成一个仅次于旋律的第二旋律。低音设计的形式一般有节奏性的低音，旋律性的低音，固定的低音，在这儿要值得注意的是旋律性的低音，它是为了避免原位和弦连接时造成的低音跳动。经常加进转位和弦的使用，而转位和弦经常作为经过性或辅助性去处理，这样可以使低音声部平稳进行，更加富有旋律感。如：将低音设计为音阶（有时加上半音）进行，是很有音乐推动力的一种手法。低音旋律与高音旋律可以构成同向、斜向和反向三种进行，特别是反向进行往往对音乐情绪变化起着重要的作用。当然设计旋律性的低音声部还可以引入复调写作手法，将低音同主旋律形成对比以达到理想的音乐表现效果。在设计流行乐曲伴奏时，要注意低音声部同架子鼓脚鼓节奏的结合，一般情况是贝司乐器声部的节奏同脚鼓的节奏一样。
: `- H/ j) m7 a; y% M8 i6 P　　和声层在唱腔伴奏的编配中是充当大背景的角色。它同绘画一样整个画面要有背景色，这个层次一般力度比较弱，但是它却贯穿伴奏的始末（有时也有停顿，根据音乐情绪而定）。这个层次一种是用柱式和弦，对和弦的就近解决要求比较严格。因为它强调和声连接中声部的稳定性。在编配伴奏时多用弦乐组、合成弦乐组、合唱、管风琴等作为和声层，这些乐器作为和声层可以把别的低音乐器，旋律性乐器融合起来，使之统一，能为更好的表达音乐形象而服务。另一种是运用竖琴、钢琴等作为一种流动的和声层，如：在编配有些乐曲的伴奏时，可以运用竖琴弹奏和弦的琶音来作为伴奏的和声层，而不用弦乐做和声背景，这样伴奏的和声层效果就让人感觉非常流畅。当然，把竖琴也可换成钢琴或钟琴等。有的乐曲伴奏既用弦乐类的和声层，也用钢琴等流动类的和声层都是可以的，这要根据表达作品的形象和编配者设计的层次具体而定，在运用流动类的和声层时一定要注意织体功能的应用，即对音型的运用，如柱式音型的表现力，半分解音型的表现力，琶音音型的表现力，用哪一种音型去表现哪些音乐形象。这就要看编配者对音型的运用程度了。
! B/ V& `2 b7 s4 \6 \　　副旋律是音乐配器功能中表现音乐形象的又一重要功能。它是根据原始素材为基础，通过各种手法发展来的新的旋律，但是它在风格上是同原始的素材一致，并且同原始的旋律形成对比，但没有占据其主导地位（也有副旋律编配的胜于原始旋律，根据作品具体而定），副旋律是为主旋律让路的补充因素，它出现在主旋律的句尾长音或节奏较为宽广疏松的位置上。副旋律通常不与主旋律处于同一音区，有时两者相距很远。高音区的副旋律能够增强主旋律的明亮与辉煌的音响效果。中音的副旋律好像同主旋律对话一样，具有亲切的抒情性。低音的副旋律具有平稳、沉着和坚定性。
　　运用好配器功能的①主旋律②低音③和声④副旋律这四点已经能很好地表现音乐了。但是由于气氛的需要，如给作品里再加入一些打击乐，那么它的表现就更为丰富了。如架子鼓、大镲、梆子等，这些乐器的使用使伴奏的气氛更富有感染力了。
. P7 ^6 {  ]4 y/ D　　当我们掌握配器功能这五点之后，那么可以用ＭＩＤＩ设备进行配器了，当然这只是一种操作，在ＣＡＫＥＷＡＬＫ里打开一个新文件，先设置好你所调用的乐器。如：第一通道为钢琴，第二通道为弦乐，第三通道为钟琴，第四通道为贝司，第五通道为打击乐。并且同时设置好每个通道的音色库然后用ＭＩＤＩ键盘或用鼠标把每一通道的乐器使用的音符输入电脑。比如我们拿一段唱腔，先把它的和声层输入电脑，在第二通道用弦乐，这等于是一个背景，然后从第一通道输入钢琴，用分解的和弦音型，这样就加强了和声层的流动感。再根据副旋律的特点，用第三通道钟琴音色输入一个副旋律。它的音域设计要稍偏高一些。贝司是伴奏不可缺少的部分，用第四通道输入贝司。这个贝司可以设计的相对固定一些，用它的静止去衬托旋律层和和弦层的运动，最后再点缀式地加入一些打击乐，可以用架子鼓，也可用梆子、沙锤等的音色，但要注意层次的对比，打击乐可从第五通道输入电脑，这样一段唱腔的伴奏框架就完成了，然后再调整音量，修改力度，在修改力度的时候要注意乐器演奏的特点，如：弦乐组的音头应该用控制栏里面的表情术语加以修改，使弦乐组的演奏更富有人性化。同样在修改各种乐器的力度时还要注意旋律的上行、下行旋律线条的力度。如：上行的旋律力度上应该做渐强，下行应该做渐弱。打击乐器要注意重拍力度的强调，以及推唱腔高潮时力度的控制。当调用的各种乐器修改完后，便可根据乐器的特点为其加上混响，设置好声像，就可以导出音频文件，一首乐曲的伴奏就诞生了。
3 c8 l* X, H3 k& Q' Y+ T% J$ y　　电脑为我们带来了作曲编配上的方便，它改变了原始的音乐创作方式，那么，也就是只有了解了配器功能，并且运用电脑技术，我们才能创作出更好的乐曲伴奏、好的作品。