怎样让贝司演奏与创作富有新意

作为一个职业乐手，我给很多音乐人弹过贝斯，参与过很多次录音与编曲工作。随着年纪的增长，我渐渐发现在编曲或者即兴的过程中创造出富有新意的贝司演奏是多么重要。
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过去的我是怎样积累创作能力的：熟悉一些经典的金属、合成器贝司、摇滚、流行、乡村、R&B……各种风格的经典乐段能在你创作贝司线时提供至关重要的参考，无论是在录音、写歌或者是即兴的时候。选择参考，而不是凭空遐想，在模板的基础上融入无穷的变化，这也是一种创作方法。
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多年的职业乐手证明了这个方法十分有效。然而，这种传统的创作方法并不是在任何情况下都管用。如果想要演奏出富有新意的贝司线，想要成为那个“经典riff”的创造者，我们就需要更深入地去开拓创作方法。下面是一些更“特别”的创作贴士：
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" [0 k9 [. ~* p& {- s在非常规的地方演奏

贝司手总有紧跟底鼓演奏的习惯。如果这种方式并不能制造出令你满意的效果，那么就需要另辟蹊径了。试试在反拍演奏，或是节拍位移（详见文章《创作贴士：如何让你的动机保持新意》）虽然这样的方式有可能打乱歌曲的律动，但在某些情况下会成为一首歌最出彩的地方；

7 f4 |9 w2 o; @4 j另一种方式是在一些通常不会出现贝司的段落演奏。例如一般贝司都与鼓在一起演奏。那么何不试试在歌曲的最开端，没有任何乐器在演奏的地方就开始进贝司呢？或是在某一个地方仅有贝司在为人声伴奏等等，所不定会有不错的效果。

音域的探索
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当我参与演奏标准的流行、乡村或摇滚风格歌曲时，一般我遵循这样的音域选择规律：主歌选择中部的音域，副歌选择较低音域，旋律桥段选择高音域。这种方式通常来说很有效，但是有时候情况会很糟糕。
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所以不妨尝试打破这种规律，比方说停留在中音区演奏一个棱角突出的riff，不停重复……但要注意与其他配器的配合，保证乐队整体在均衡上的分配平衡。
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% f# [2 m6 q4 [: h“大提琴”式

当键盘手演奏舒缓的铺底贯穿中首歌曲，而鼓手在演奏节奏复杂的solo式的乐段时，与其演奏一些有节奏感的贝司线，不妨试试给音乐加一层低沉的长长的延音。这种情况下，你可以用音量踏板来衰减音头的音量，然后渐渐提升音量，制造出大提琴般的弦乐音色。
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演奏和弦

说到拥有经典贝司线的歌曲，很多人都会想到Lou Reed的那首《Walk on the Wild Side》。这首歌曲里虽然电贝司并不是在演奏和弦，但是它与歌曲中另一把倍大提琴低八度的演奏构成和声，听上去非常有特色。所以在创作的时候，也可以试试弹奏这样音程关系的和弦。当然你也可以试试不同的音程关系，例如Peter Gabriel的歌曲《Don’t Give Up》。

2 V. |5 P, b6 g" C7 w留白

Victor Wooten曾经在书中这样说过“从休止符入手。学一学如何让休止符比音符的声音更响亮”。音乐是一门在时间上展开的艺术，休止并不代表没有在创作，所以不要总把音乐填得满满当当，试试大片留白，或是前半小节演奏，后半小节演奏，后半小节让吉他填上的方法吧。
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$ [' ?9 F, D2 X% g5 R/ i互动
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正如上面提到的与吉他手互动一样，作为乐队的一员，不要只顾埋头演奏。尽可能地与其他配器保持“若即若离”的关系。比方说Sonic Youth的《100%》，这首歌曲里你不仅能听到各个成员默契的互动，还能听到我们上面提到的“休止”对于歌曲张力和律动的重要作用。

  t% a1 W4 p: L' B# s* w无论是贝司线的创作还是写歌，都有各种各样的方法，最重要的还要靠我们内在的灵魂与音乐的互动去创造让人过耳不忘的乐句。对于规则，你所要做的就是去了解它，并打破它。