“他们的”“我们的”以及“自己的”

xtd998 · 发表于 2019-3-1 05:00:52

“他们的”“我们的”以及“自己的”

　　——关于第三届北京天桥音乐剧演出季的随想
　　自从北京天桥艺术中心开业，它的名字就始终离不开音乐剧这个门类。它辉煌的业绩从大剧场的《歌剧魅影》开始，到最近的《长靴皇后》《妈妈咪呀！》中文版、《摇滚莫扎特》，北京的观众已经深深认同这是一个观赏音乐剧的上佳场所。与之同时，戏剧从业者也把在北京天桥艺术中心演出当成是全国巡演的一个良好起点。而许多剧目来到北京，也会选择这里作为展示的舞台。一到夜幕低垂，这座传统和时尚交融的剧院，灯火辉煌，等待大幕拉开。
　　音乐剧这一戏剧形式在当下的中国正处在被不断接纳和认知的过程中。来自四面八方的优秀制作团体正在原版引进、本土化改编与原创三种开发方式中不断摸索，寻求破冰方向，在诚恳的创作态度指引下踯躅前行。因此，音乐剧作为一个较为独特的、与传统舞台剧有所区分的艺术品类，急需找到一个健康的平台，一边展示自我，释放其独有的舞台魅力，一边通过相互交流，与观众互动，不断汲取养分，完善自我，提升品质。我们十分欣喜地看到，由北京市西城区文委、天桥演艺区建设指挥部和天桥演艺联盟联合主办的北京天桥音乐剧演出季，刚好为当代中国音乐剧的发展壮大提供了这样一个大本营和桥头堡。
　　2018年的北京天桥音乐剧演出季已经是第三届，演出季为行业、为创作者提供了检验实力的舞台、学习借鉴的机会和总结规律的契机。从2018年10月20日至12月底，涵盖传统文化、世界经典、流行元素、民族风情等多元题材的12个国内外剧目、34场精彩演出相继亮相。
　　原版引进剧目：树立标杆
　　原版引进的作品，其知名度早就在观众心里刻下烙印。比如2018年演出季引进的百老汇经典剧目《芝加哥》。该剧诞生于20世纪20年代，是一部穿越百年时空、久演不衰的音乐剧作品。这一次的巡演版本在舞台构建、唱段打磨上都做出了精细化处理，着重突出了整出舞台剧美艳魅惑、黑色幽默的气质，使经典剧目散发出迷人的魅力。张力十足的剧情，极富动感的编舞，妖冶夸张的场景，以及幽默诙谐的唱段，各种元素有机熔于一炉，相得益彰服务于全剧鲜明的主题，对上世纪20年代美国社会弥漫的空洞生活态度和无聊价值取向进行了辛辣的讽刺。
　　观看这样一台音乐剧，对于观众来讲是一次十分“解渴”的享受。更为难能可贵的是，在享受之余，它还激发了观众乃至从业者的思考。追根溯源，围绕一个鲜活有力的主题进行舞台构建才是音乐剧创作的根本出发点和落脚点。对白、唱段、舞蹈等音乐剧中必不可少的舞台元素需要在统一的主题指引下相互融合、彼此服务，任何脱离主旨而片面追求强烈形式感的所谓探索和尝试都容易走向大而不当。在音乐剧创作过程中，过分强调唱腔华丽，或追求炫技式的编舞等视觉冲击，最终必将产生喧宾夺主的效果，更有甚者，还将导致整台剧目的流于表面和内涵缺失。
　　可以说，本届演出季中对于《芝加哥》的原版引进，并非仅仅为了票房吸引观众，更重要的意义在于为本土音乐剧的发展树立起更高的标准，对本土音乐剧今后的成长提供十分宝贵的借鉴。
　　本土化制作剧目：走向成熟
　　《想变成人的猫》在第三届北京天桥音乐剧演出季中获得“优秀剧目”“优秀制作”“优秀表演”三个奖项。这是继1996年中央戏剧学院逸夫剧场演出的《想变成人的猫》音乐剧中文版之后，这部戏的暖心回归。而当年其在中国的诞生，对于一代戏剧从业者和观众留下的情感记忆，至今难以抹去。很多当年出演的演员，如今已经成为中国音乐剧行业、影视行业和戏剧教育行业的中流砥柱。可以说，这个戏的诞生，为中国音乐剧的人才培养留下了非常重要的一笔，是音乐剧在中国发展的重要里程碑。如今又是一代新人在这部戏里成长，当年的主演已经变成今天的导演，激发着今天的观众对戏剧的热爱和兴趣。
　　这个戏再一次亮相的创作态度很自信、很务实、很从容，它在中国落地的态度，也给人留下很深的印象。新版整体带来一种非常简洁、明快、清新的气质，宣传上朴实低调，没有喧哗和浮夸，非常难能可贵。
　　而这部戏所讲述的关键词“爱”，是能够涵盖多元化主题的阐述。它主要的受众群体是儿童。在孩子们形成人生价值观重要的成长时期，看到这样一部作品，其受到的激发的作用是不言而喻的。“爱”里包含着“友情”——作为成年人生活在世上将经历的困扰，无从回避，而人是无法孤单地生活在这个世界上的，人一定要有朋友。“爱”里包含着“真善美”——一只猫的世界是单纯的，当它那么认真和诚恳、用力地想成为一个具备“真善美”的人，这本身就是对生命意义的礼赞和歌颂。而其中有一幕非常有意思，莱奥尼的真诚打动了姬莉安，因此，她愿意从一个人变成一只猫，跟莱奥尼一起去过猫的生活。这是多么具有说服力的一笔！它简单，却亘古不变。而最有力量的，是这个戏智慧地启发和培养着儿童观众未来的恋爱观。男主角莱奥尼怎样获得女主人公姬莉安的心，首先要勇敢去表达。当真挚的吻落在姬莉安的脸颊，我们清晰地看到了莱奥尼的直率和可爱。此外，关键时刻要有担当。莱奥尼为救姬莉安，不顾个人安危冲进火海，救出了她。笔者以为，这正是创作者应当学习的：如何在作品中把美好的爱情写给孩子看，进而培育孩子们正确的价值观。
　　这个戏的定位是家庭音乐剧，这在中国市场中是比较讨巧的，也反映出品方的智慧。舞台作为一个出发点，是产业链的良好开端。作为国外音乐剧本土化的一个范例，这个戏在中国市场的成功，是令人欣喜的。
　　原创自制剧目：寻找钥匙
　　原创点唱机音乐剧《马不停蹄的忧伤》和表达中国传统家庭观念的音乐剧《爸爸的信》是原创自制剧目中因饱蘸情感而留住观众的代表。
　　《马不停蹄的忧伤》讲述了女主人公宝笙快百岁还在执着地寻找真爱，破除家族不老的魔咒，与爱人一同老去的故事。女子在岁月与爱的抉择中，宁愿舍弃生命也不愿放弃“爱的永恒”。全剧故事简单通俗，人物形象鲜明，音乐部分由台湾音乐人黄舒骏的作品连缀而成，每一首歌都出现在能够推动剧情和抒发情感的位置。而全剧情感饱满动人，也令歌曲在当下重新焕发光彩。《爸爸的信》以亲情为主线，将一家三代人从逐渐疏离到解开隔阂相互依赖的故事娓娓道来，整体尚属稚嫩，剧作技术上还有相当大的提升空间。然而观众屏息静气，结尾处偷掬一把泪，对这个来自宝岛台湾的小戏表达出应有的认可与尊重。
　　抛却技术问题，情感这一必备的创作起点，在多数原创音乐剧作品中尚属缺席，遑论进步。创作者如果失去真诚和信念感，作品中将曝露出一片荒漠，而这才是最可怕的。寻找开启观众心门的钥匙，回归初心，是创作者们重新整理再上路的必要条件。
　　从第三届北京天桥音乐剧演出季里，我们不止想要看到原汁原味的百老汇音乐剧、贴近国人心灵的本土化制作音乐剧，更加重要的是看到中国的音乐剧从业者们正在脚踏实地从借鉴走向实践，兢兢业业地学习着“他们的”，扎扎实实地经营着“我们的”，最终制作生产出真正属于“自己的”精品音乐剧。

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