作曲

belongpositism · 发表于 2015-4-14 13:05:40

表述定义

　　作曲的准确定义是compose，即“组织”的意思。什么是组织？就是对素材进行整合、组装、创造性地安排、使用。因此，严格地说，按照传统西方音乐的标准，旋律创作不一定属于真正的作曲，对素材进行严密的安排组织并成为最后可以演奏的音乐才是作曲。对于数字音乐时代的今天，由于科技的发达，就算没有最后的演奏步骤（或者说部分音乐并不适合去真实演奏）也可通过软硬件来得到想要的音乐效果。所以，在今天来看，创作出来的音乐最后是否能够真实演奏已无关紧要。
简介

　　用最言简意赅的话来说，作曲就是创作音乐。
　　作曲是在完成音乐内容的创作，单纯的一条旋律决定不了音乐想要表达的内容。包括旋律（若有明显旋律）和打击乐（若有打击乐）在内的音乐整体音响效果（包括：调性的选择及变化，纵向的音高排列，横向的和声连接、声部对位，节奏穿插，音色的选取及搭配）、节拍（及其变化）和速度（及其变化）才是表达音乐内容、情绪、氛围的关键所在，改变其中一个因素就有可能改变整个音乐的内容。明确这些才能称之为作曲。现在是数字音乐时代，很多音色都是非物理乐器音色或物理乐器音色的再处理，这就要求作曲者本人对现代的编曲技术要有所了解，才能达到更多音色及效果的运用。
风格分类

　　根据法国音乐界的定义,作曲的风格可以分为三类：
　　1、ANAMORPHOSE:这种风格强调音乐的主体几乎不变，改变的只是听者的感受；
　　2、METAMORPHOSE：这种风格需要音乐产生一种渐进的变化，主导思想认为音乐就如同一个生命，会因为新陈代谢逐渐产生变化和变形。上一个章节的音乐表现形式虽然结束，但下一个章节的音乐表现形式是上一中表现的自然演变，这种变化不是突然的，是一个渐进的过程。这就是METABOLE。
　　3、CORRESPONDANCE：这种风格相对较为自由，由听者每个人自己去寻找不同音乐部分的呼应关系。
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一、传统和声学（功能和声）

　　和声学是研究多个音共同发声的效果，规律的学问。若将旋律比作“骨”则和声就是“肉”，只有有了和声，音响才变得丰满、协和、动听。传统和声学地位非常重要，可谓是一切音乐理论的基础，许多音乐大师都对和声学作出过杰出的供献。但和声学内容浩繁、规则很多，不易学好。但掌握和声学基本常识得益最大，值得一试。这里简单介绍传统和声学的一些重要基本概念和术语。
三和弦

　　由根音与上方三度音及上方五度音叠合而成的和弦叫“三和弦”。三和弦是构成和弦功能的最基本的和弦，用得最多。按结构分，三和弦有“大三和弦”、“小三和弦”和“减三和弦”(只有一个)。按功能则可分为“主和弦”(主音为根音的三和弦)、“属和弦”(属音的三和弦)和“下属和弦”(下属音的三和弦)。此外，每个三和弦又有两个转位和弦。主、属、下属这三个和弦称作“正三和弦”，其余的四个叫作“副三和弦”。这四个副三和弦又分属“属功能”组和“下属功能”组。
七和弦

　　三和弦上再叠加一个三度音(根音的七音)形成的和弦叫作七和弦。七和弦是不协和和弦。最常用的七和弦是“属七和弦”(属和弦形成的七和弦)。重属和弦、减七和弦也时常碰到。
九和弦

　　若在七和弦上再加上一个三度音(即根音的九音)即为九和弦。九和弦也都是不协和和弦。
变和弦

　　若和弦中除根音外的某个音不按原规律而变换成另一个音，这样的和弦叫“变和弦”。九和弦与变和弦的功能色彩比较特殊且不易把握，故应用较少；简单作品中基本不出现。
和声声部

　　和声一般由“高音”、“中音”、“次中音”和“低音”这四个声部构成。在写和声的谱表里高音部处于最上方，低音部在最下方，中音、次中音部在当中。故常把高音部和低音部这两个声部统称为“外声部”，而中音和次中音声部则叫作“内声部”。高音部一般是主旋律声部；两个内声部主要是配置和声，也常被称作“填充声部”。和声在进行、连接中，内声部要求充实平稳，声部间不许交插。低音部始终是和声中的最低音，决定着根音，故它不仅起着基础作用，而且领导着和声的走向，其作用十分重要。
　　“四部和声”的写作是作曲的重要技能之一，作品不论大小，均应以此为起点(主旋律确定之后，即着手和声写作)。配器使和声织体具体化。(由于不同的乐器分属不同的声部，故总谱可按和声声部写，也可按乐器分组写：如弦乐声部、铜管乐声部、木管乐声部…)不同作曲家的和声风格往々各异：或富丽堂皇，或雄浑宽厚，或清澈透明。如瓦格纳的作品即以华丽著称。
和声的进行、连接、“解决”

　　和声在乐曲进程中要不断地转换、变化、中止；各声部也要为此恰当地过渡，连接。因此这是写和声的基本功。和声进行的基本特点是由“稳定”到“不稳定”再到“稳定”；由“协和”到“不协和”再到“协和”的交替循环。其功能进行的图式为：T-S-T，T-D-T　或T-S-D-T。小说《你别无选择》中多次提到的所谓“功能圈”就是这个意思。该小说中还提到“解决”这个术语。这是指不协和和弦(如七和弦)在进行，连接中向协和和弦转换的方式，其基本法则是将各声部的音向各自最靠近的协和音过渡，如　7→1；4→3，等；而协和音保持不变。
　　注：T组和弦为I,III,V级和弦
　　S组和弦为II,IV,VI级和弦
　　D组和弦为III,V,VII级和弦
二、复调

　　两段或两段以上同时进行、相关但又有区别的声部所组成，这些声部各自独立，但又和谐地统一为一个整体，彼此形成和声关系，以对位法为主要创作技法。不同旋律的同时结合叫做对比复调，同一旋律隔开一定肘间的先后模仿称为模仿复调。运用复调手法，可以丰富音乐形象，加强音乐发展的气势和声部的独立性，造成前呼后应、此起彼落的效果。复调音乐的体裁:卡农、创意曲、赋格、经文歌、复调尚松、坎佐纳等。
复调类型

（1）对比式复调音乐：

　　结合在一起的不同的旋律线，在音调，节奏，进行方向的起伏，句逗的划分以及音乐形象和性格的表露等方面，彼此形成对比或存在差别，就构成了对比式复调。
（2）模仿式复调音乐：

　　同一旋律（或具有主题意义的旋律首部）在不同声部中先后出现（完成相同旋律或加以变化），再依次展现的音乐材料中间，便形成了前起后应，层次分明的模仿关系。
（3）衬腔式复调音乐：

　　（或称支声复调）同一旋律不同变体的展开，便会产生一些分支形态的声部，这些分支声部与主干声部在音程关系上时而分开，时而合并；节奏上时而一致，时而加花装饰或删繁就简。
（4）对比式和模仿式的结合是其基本样式

　　在音乐作品中，对比式和模仿式二者的结合是复调音乐的基本样式。
（5）主调音乐和复调音乐结构的对比：

　　主调音乐旋律复调音乐旋律
　　结构方整结构非方整
　　相同音型或主题因素的重现很少重现相同音型
　　周期性律动的节拍循环周期性节拍重音的回避
　　乐句停顿分明，界线清晰句逗停顿的短暂和隐蔽
复调中的对位

1复调音乐也被称作“对位”

　　1复调音乐是由若干独立意义的旋律声部的结合，也被称作“对位”，即点对点，音对音的意思。所以复调音乐的技术理论就被称作“对位法”。
　　音程性质分类：从听感可分为协和，不协和两种。
　　协和音程同度纯五八度
　　完全协和充实的协和大小三六度
　　不稳定的协和纯四度
　　柔和的不协和大二小七度
　　不协和音程尖锐的不协和大七小二度
　　暖昧的不协和增四减五度
2声部运动的关系：

　　（1）同相进行两个声部同方向运动
　　（2）平行进行两个声部等距离同方向运动
　　（3）斜向进行一个声部保持不动另一个声部运动
　　（4）声部交错两个声部局部互换上下位置
　　（5）声部超越超过原结合声部的位置的运动
　　示列：简谱（注：第一行的1上带点，第二行的7下带点）
　　同向 5――― 6――― 5――― 1―――
　　1――― 4――― 7――― 1―――
　　平行（注：第一行12音上带点）
　　1――― 2――― 7――― 1―――
　　3――― 4――― 2――― 3―――
　　斜向（注：下面第一行最后两音的3 1上带点）
　　3――― 5――― 5――― 3――― 1―――
　　1――― 1――― 3――― 3――― 3―――
　　反向（注：下面第一行音上全带点）
　　3――― 2――― 1――― 3――― 4―――
　　3――― 5――― 6――― 5――― 4―――
　　交错（注：第二小节声部交错，写到五线谱上一目了然）
　　6――― 3――― 6―――
　　1――― 5――― 4―――
　　超越（注：第二行的7下带点）
　　3――― 6――― 2―――
　　1――― 4――― 7―――
3音点结合及声部运动的基本原则和禁忌

　　(1)两个声部的结合以协和音程为主，充实的协和音程（三，六度）应用最广，限制最少．
　　(2)不协和音程的使用应避免尖锐的和暖昧的不协和音程如（大七，小二，增四，减五度）在显著节拍上的结合（碰撞）。
　　(3)斜向和反向进行有助于突出声部线条的独立性，也最具复调意味，是复调音乐声部运动的主要形式。
　　(4)平行和同向进行不易显现声部线条的独立性．完全协和音程的平行进行（平行八五度）和同向进行（同向到达的八五度）应尽可能避免。
　　(5)为了旋律线的流畅和音调分格的保持而短暂出现的声不交错是允许的，但不宜长时间的过多使用，已保持声部线条的清晰。
　　(6)声部超越会干扰旋律线的连贯，应尽量避免。
4上述相关内容是共通的

belongpositism · 发表于 2015-4-14 13:06:25

　　这些基本原则和禁忌愈合声学中的相关内容是共通的，应通过实际的写作练习将这些理论知识转化为应用技能。
三、曲式

简介

　　"结构"概念。我们把它分成两个方面来解释，一个是指音乐在空间上的结构，我们称之为"织体"，另一个是在时间上的结构，专业名词是"曲式"（music form）。
　　为什么说曲式是"时间上的结构"呢？一部音乐作品，无论是长篇巨制，如交响曲、歌剧，还是短小的歌曲，都要在时间的延续中一点一点地铺展，而不可能像欣赏一幅画一样，在瞬间就能大致把握整体结构。这种在时间上的延续，正是音乐艺术的一大特点，所以音乐被称为"时间的艺术"。而音乐在时间上的延续，无论长短，两三分钟或两三小时，都必须有一个结构框架，有个章法，而不能是混沌一片。这种结构框架或者章法，就称之为"曲式"。它不是预设的理论，而是在大量实践中总结出来的思维范式。
曲式的三大原则

　　曲式有很多种，正如大的宫殿有大的结构，小的屋舍有小的形式一样。无论大小，无论是古典的还是现代的创新之作，都会包含以下三个原则：对比、变奏、重复。
对比

　　音乐的进行、冲突和情绪的改变都来自于对比——强与弱、弦乐与木管、快与慢、大调与小调等等，以此推动和展开乐思。对比是由作品中的多个音乐材料造成的，它们在旋律形态、节奏型、情绪特征上的不同给听者带来了新鲜的感觉。一部作品多少总会有些对比的因素，大型作品的对比幅度会比较大，对比的材料会比较多，相对来说小型作品的对比幅度就小些，材料也没有那么多。
变奏

　　变奏手法是将一个音乐材料在保留某些特征的情况下进行变化，一方面仍可使人听出原型同时又有新鲜感。比较简单的变奏是基本保持主题的旋律轮廓、节奏型甚至和声，只是添加一些小小的装饰。稍复杂些的，则会将旋律、节奏、调式调性、织体、和声都做较大幅度的改变，甚至只是选取原材料的某个因素加以发展，以至于几乎听不出它们和原型的联系了。音乐作品中的"展开"就属于这种类型的变奏。
重复

　　重复是指音乐材料的再次出现。一发而逝是音乐艺术的特性之一。为了让听者对音乐素材留下深刻印象，重复或者带有变化的重复就是必须的手段。此外，再现也是重复的一种形式，当一个音乐材料呈示之后，有新的因素出现，在新因素后面前述材料的重新出现，称作再现，这种手法可以给全曲带来呼应、对称、稳定的感觉。再现可以是原封不动的，也可加以变化，使之获得一种总结、升华的效果。
　　上述三个原则并不是互相无关的，它们在使用中可以互相渗透。比如，带有变化的再现，实际上体现了变奏原则，同时又因为它的变化，产生了对比效果。
　　曲式的确立是通过各种音乐要素的综合运用获得的，特别是和声与调性在其中有着非常重要的作用，比如主和弦可以获得段落的收束感，调性的变化不仅可以带来对比，还常常意味着下一个段落的开始，再现通常建立在最初调性的回归上，等等。
类别

　　音乐的曲式按照传统可以分为两类，小型曲式和大型曲式。小型的包括一部曲式，二部曲式，三部曲式，复二部曲式，复三部曲式。大型的包括变奏曲式，回旋曲式，奏鸣曲式。
　　我国音乐理论家杨儒怀教授则以曲式的共性特征，将它们归纳为"并列曲式"、"再现曲式"、"复合曲式"、"循环曲式"、"变奏曲式"和"奏鸣曲式"、"回旋奏鸣曲式"、"复调音乐曲式"、"套曲曲式"和"边缘曲式"。
四、管弦乐乐器法

　　按乐器的分类，即弦乐器、木管乐器、铜管乐器、打击乐器、色彩性乐器等，对每种乐器的沿革、构造及发音原理、音域、记谱法、演奏技巧、不同声区的音色变化、乐器的特长及其局限性、与其他乐器组合后的效果、在乐队中常见的运用方法等加以阐述，并研讨不同历史时期和不同音乐风格中某些乐器的独特使用方式，某些作曲家对乐器使用方法的创新等。乐器法所研究的乐器，以古典派以来管弦乐队中的常用乐器为主，旁及某些特殊乐器如各国的民族民间乐器，已甚少使用的古乐器,20世纪以来出现的新乐器,以及应用于军乐队或爵士乐队中的特殊乐器，以便更全面地掌握多种乐器的性能及特点。
五、管弦乐配器法

　　研究各种乐器的不同组合是配器法的主要课题。良好的配器应通过各种乐器的适当组合，使音乐形象鲜明，并在音色、音量、力度、织体等方面取得平衡与对比。配器法的学习一般有两种方式：
　　①按乐器分组，首先掌握弦乐队的写作，然后加入木管，作小型乐队的写作，最后加入铜管及打击乐器等。
　　②按音乐要素及织体层次，即按旋律、副旋律、和声、对位、伴奏等不同要素来探讨乐器的各种组合方案。
　　学习管弦乐法应该熟悉管弦乐名曲的总谱与音响效果，了解各个时期以及不同风格的乐队写作手法及其特点。
编曲返回顶部

简介

　　就是在不影响原曲主要旋律或内容的情况对乐曲的表现形式做更多的拓展。
　　在流行歌曲中，旋律创作者和编曲往往是两个人，因为很多旋律创作者只有对旋律的把握和灵感，并没有相关的作曲和编曲知识和技术。而编曲者则拥有相关的知识和技术，对于怎样体现这个旋律有着更多的技巧。旋律创作仅是作曲中的一部分，然后编曲者再次进行作曲编曲。
　　对于已经有完整作曲的音乐作品（比如比较传统的交响乐，或其他已经有完整所有声部创作的歌曲、纯音乐作品等），编曲只是对音色的把握与声场的控制。
　　对于电子音色和一些特殊效果起主导作用的音乐作品（比如类似于好莱坞电影配乐中的电子交响乐，画面音乐等），单说作曲是包括编曲的。
　　很多不学音乐或不深入了解音乐的朋友都会产生一种误区，就是把作曲只当作写歌曲的主旋律，其他的声部全为编曲部分。其实歌曲写作是旋律写作中的一部分，旋律写作是作曲知识中的一小部分。而旋律也不是任何音乐都有的表现方式。
　　“编曲”是近几十年出现的词汇，英语中是arrange。“配器”在英语中也是arrange。而arrange真正的翻译是安排；排列；整理。用在音乐中即“编配”的意思。
　　随着音乐数字化，“编曲”逐渐衍生出了“编曲软件”、“音源插件”、“效果器”、“合成器”、“频段”、“特效”等等作曲中原本不存在的概念，给创作者提供了更多的音乐想法和音乐可能性。
一些主流专业编曲软件

　　业内专业、主流的编曲软件有cubase、nuendo、sonar、logic
　　cubase与nuendo操作方式基本相同，cubase属nuendo的简化版。PC机、MAC机都有版本，支持VSTi虚拟音源插件和VST、DX虚拟效果器插件。
　　sonar只能能在PC机上运行，支持VSTi虚拟音源插件和VST、DX虚拟效果器插件。
　　logic只能在MAC机上运行，支持AU音源、效果器插件
　　pro tools在录音、混音领域是非常专业的，不过也有部分音乐人用于编曲。支持TDM、HTDM、RTAS音源、效果器插件，PC机、MAC机都有版本。
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民族和声

　　民族和声National harmony 作曲理论学科之一。又名“调式和声”。指我国汉族调式的和声，也指多声部音乐的民族风格以及民族的和声语言等内容。民族和声论述民族调式的和弦结构、连接方法、进行规律、音响效果、和声特性及其在作曲实践中的具体作用。
爵士和声

　　爵士和声学是建立在功能和声基础上，借鉴现代和声发展而来，有如下特点：
　　一、高叠置：爵士和声几乎不用三和弦，最小的也是七和弦，常用七和弦，九和弦，十一和弦。
　　二、附加音：在和弦上附加二度音，六度音，四度音等等。有些和弦已经成为固定模式，比如四和弦，1，4，5这在传统和声中是很少见的。
　　三、四度叠置、五度叠置和弦：传统和声学都是三度叠置，爵士和声中有时会用到其它方式叠置和弦，求得奇特的和声效果。
　　四、变音和弦：爵士和弦常常使用变音和弦，比如，主七和弦一般要降7，也就是1，3，5，降7。而这一变音的理论来原是旋律大调音阶。当然，不同的变音都有其自己的原因和特点。
　　五、和弦外音，特别是延留音的大量应用：和弦外音可以增加和声进行的动力感，色彩感，是爵士乐的常用手法，尤其是七和弦的延留音（简单说就是和弦已一进行到下一个和弦了，但是一个或一些音还在原来的和弦音上，稍后才进行到下一个和弦，即延留音解决）
　　六、用色彩和声代替功能和声：爵士乐的和声功能性也是挺强的，并不像现代音乐那样没有功能性。但是功能性要比传统弱了许多，色彩性和功能性和声并存。
　　七、替代和弦：在功能和声之间，加入副和弦。比如主——属的和声进行，可以用主——六级——属来替代。当和弦时间长的时候，常用这种手法。
　　八、连接方式不像功能和声那样严谨。
现代和声

　　十九世纪以后，大、小调体系和声在欧美已发展到极限。进入二十世纪后，许多作曲家打破了在过去二百年里建立起来的传统和声规范，积极探索新的和声语言和创作手法，使和声学进入了一个崭新的时代。这些作曲家们使用了世界各民族的音阶和人工音阶，采用了不同于大、小调的各种调式。也包括泛调性、多调性、无调性音乐，及序列和声。在和弦结构方面，打破了三度叠置的原则，采用四度叠置和二度叠置和弦，使和声音响尖锐化、紧张化、复杂化。在和声进行方面也更加灵活、自由。
太极作曲系统

　　由我国音乐家赵晓生所创造的作曲技法。以道家太极为作曲理念，有阴阳和弦等独特概念。
印象派音乐

　　印象派音乐是十九世纪最后一种富于特征的风格，它反映了一个新时代的变化的初步迹象，是新世纪音乐的许多重要特点和精神意境的发端。模糊的轮廓，朦胧的色彩，不易分辨的色调变化，都是印象派音乐的明显标志。印象主义是十九世纪末在欧洲文化活动中心巴黎萌生的一种艺术风格。印象派艺术家的活动虽然属于十九世纪的范畴，但是他们所探寻的这种新语言、新风格，却意味着同浪漫主义的一些传统形式与风格的决裂，并为二十世纪以“现代派”面目出现的各种艺术做好了准备，因此，印象派很自然地成为联结两个世纪的纽带。印象派音乐最典型的代表人物是法国作曲家德彪西。
偶然音乐

　　偶然音乐 aleatory music，西方现代主义音乐流派之一。指作曲家在创作中将偶然性因素引入创造过程中或演奏过程中的音乐。亦称“不确定性音乐”或“机遇音乐”。它始于20世纪中叶，在西方有一定影响。
　　偶然音乐最早的萌芽或可追溯到18世纪的某些音乐游戏。这些游戏用掷骰子的办法，从事先安排好的各种小盒子中取出不同的音乐片断，然后拼凑成曲。20世纪现代派作曲家据此加以发展，将偶然性夸大到决定性的地位，产生各种偶然音乐。

belongpositism · 发表于 2015-4-14 13:07:13

世界一些著名作曲家

　　约翰·帕赫贝尔（Johann Pachelbel 1653.09.01～1706.03.03 又译：约翰·帕海贝尔、巴哈贝尔、帕卡贝尔等）
　　安东尼奥·卢奇奥·维瓦尔第（意大利语：Antonio Lucio Vivaldi,约1675-1741）
　　约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach 1685～1750）
　　乔治·弗里德里希·亨德尔（GeorgeFredericHandel，1685—1759)
　　弗朗茨·约瑟夫·海顿（Franz Joseph Haydn 1732年3月31日-1809年5月31日）
　　沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（德语：Wolfgang Amadeus Mozart，1756年1月27日－1791年12月5日）
　　路德维希·凡·贝多芬（Ludwig van Beethoven，1770.12.16—1827.03.26）
　　尼科罗·帕格尼尼（Niccolo Paganini ，1782.10.27--1840.5.27）
　　雅科布·路德维希·费利克斯·门德尔松·巴托尔迪（德文：Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy，1809年2月3日－1847年11月4日）
　　弗朗茨·泽拉菲库斯·彼得·舒伯特（Franz Seraphicus Peter Schubert 1791年1月31日－1828年11月19日)
　　罗伯特·舒曼（Robert·Schumann 1810.6.8~1856.7.29）
　　弗里德里克·弗朗索瓦·肖邦（Fryderyk Franciszek Chopin 1810─1849）
　　弗朗兹·李斯特 (匈牙利语：Liszt Ferenc 德语：Franz Liszt 1811.10.22-1886.7.31）
　　夏尔·卡米尔·圣－桑（法语：Charles Camille Saint-Saëns，1835年10月9日－1921年12月16日）
　　彼得·伊里奇·柴可夫斯基（Пётр Ильич Чайковский，1840年5月7日－1893年11月6日）
　　爱德华·格里格（Edvard Grieg，1843～1907）
　　尼古拉·安德烈耶维奇·里姆斯基-柯萨科夫（Nikolay Andreyevich Rimsky-Korsakov，1844－1908）
　　阿希尔·克劳德·德彪西(Achille·Claude·Debussy 1862.8.22~1918)
　　亚历山大·尼古拉耶维奇·斯克里亚宾（Alexander Nikolaievich Scriabin 1872－1915）
　　谢尔盖·瓦西里耶维奇·拉赫玛尼诺夫（Sergei Vassilievitch Rachmaninoff，1873.4.1－1943.3.28）
　　阿诺尔德·勋伯格（Arnold Schoenberg，1874—1951年）
　　伊戈尔·费奥多罗维奇·斯特拉文斯基（lgor Feodro-ovich Stravinsky,1882－1971）
　　谢尔盖·谢尔盖维奇·普罗科菲耶夫(Серге?й Серге?евич Проко?фьев 1891.4.23～1953 )
　　德米特里·德米特里耶维奇·肖斯塔科维奇（Dmitri Dmitriyevich Shostakovich，1906.09.25~1975.08.09）
　　约翰·威廉姆斯（JohnWilliams，1932－）
　　久石让（1950年12月6日- ）
　　汉斯·季默(Hans Zimmer 1957年9月12日- )

belongpositism · 发表于 2015-4-14 13:07:45

中国著名作曲家

　　1、陈钢（1935－）上海市人。从小跟父亲陈歌辛学音乐，十岁起随匈牙利钢琴家伐勒学钢琴。建国后入部队文工团，十五岁开始音乐创作，曾经写过一些无伴奏合唱和钢琴间奏曲等作品。1955年进上海音乐学院作曲系学习，从师于丁善德、桑桐和苏联专家，毕业后留校任教。大学四年级时，与何占豪合作写了蜚声国内外的小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》。以后又编写了《苗岭的早晨》、《我爱祖国的台湾》、《阳光照耀着塔什库尔干》、《清水江恋歌》等小提琴作品以及其他器乐作品。
　　2、贺绿汀（1903－1997）湖南邵阳县人。1923年入长沙岳云学校艺术专修科，随陈啸空等学习音乐。大革命期间曾参加湖南农民运动、广州起义。
　　3、华彦钧（1893－1950）民间音乐家。小名阿炳，江苏无锡东亭人，当地雷尊殿道士华清和之子。华清和号雪海，擅长演奏各种民间乐器，尤精于琵琶。华彦钧自幼从其父学习音乐。他四岁丧母，二十一岁患眼病，三十五岁时双目失明。在无锡市以沿街卖唱和演奏各种乐器为生，饱尝人间的苦难。阿炳的器乐演奏深为群众欢迎，其超群技艺，早在十八岁时就已被当地的道教音乐界看好。他曾广泛学习各种民间音乐，能超脱狭隘的师承和模仿，根据自己对现实生活的感受，创作、演奏各种器乐曲。但他一生中的大部分作品，由于种种原因未能流传于世。仅有二胡曲《二泉映月》、《听松》、《寒春风曲》；琵琶曲《大浪淘沙》、《昭君出塞》、《龙船》等得以保存下来，并成为中国民族音乐殿堂中的瑰宝。1950年，他所演奏的六首乐曲曾被录音，并由中央音乐学院民族音乐研究所将其记录整理，编成《阿炳曲集》（音乐出版社1956年出版）。
　　4、雷振邦(1916--1997）是我国著名的电影音乐作曲家，国家一级作曲，曾任中国音乐家协会理事，中国电影能够家协会理事，中国电影音乐协会付会长、第六届全国政协委员。1916年5月，雷振邦出生于北京，满族人。由于家庭生活比较优裕的，使他很小就接触到京戏。七八岁时，便能哼唱京剧小段，还能用胡琴拉京戏以及一些歌曲。1928年9月，雷振邦来到沈阳奉天公立学校读小学，后入南满中学。在音乐老师的熏陶下，雷振邦学会吹得一口动听的口琴，加入学校口琴队，并成为该队的指挥。他常把一些歌曲改成口琴合奏，并指挥演出。
　　5、李焕之（1919－）原籍福建晋江，生于香港。1936年入上海国产音专从师于萧友梅。抗战爆发后，在厦门、香港等地从事革命歌曲创作。1938年就读于延安鲁迅艺术学院音乐系，结业后留校任教，并主编《民族音乐》。解放战争时期，任华北联大文艺学院音乐系主任。建国后，一直活跃在音乐战线，现任中国音乐家协会主席。四十余年来，创作了大量音乐作品，除了传唱一时的《民主建国进行曲》、《新中国青年进行曲》、《社会主义好》等歌曲外，主要有管弦乐《春节组曲》、《第一交响乐——英雄海岛》，古琴弦歌合唱《苏武》，古筝协奏曲《汨罗江幻想曲》，独幕歌剧《异国之秋》等，还编有《作曲教程》，并撰写了三百余篇论文，部分收入《音乐创作散论》一书。
　　6、刘天华（1895－1932）著名作曲家、民族乐器演奏家、音乐教育家。江苏省江阴县人。出生于知识分子家庭，是文学家刘半农之弟。1909年入常州中学，开始学习西洋管乐器。1911年因学校停办而辍学，参加“反满青年团”军乐队。1912年赴上海参加“开明剧社”乐队。1914年返回家乡，先后在江阴、常州的中学里教音乐。其间曾向江南民间音乐家周少梅、沈肇州学习二胡、琵琶；专程赴河南学琴；向僧、道和民间艺人学习多种民间乐器；记录民间乐谱，并开始音乐创作。1922年受聘赴北京，任教于北京大学音乐传习所；同年秋又兼任北京女子高等师范学校音乐体育专科教师。1926年任教于北京艺术专门学校音乐系和北平大学女子文理学院音乐系，直至去世。任教期间，先后学习了三弦拉戏、昆曲、小提琴、和声学、理论作曲等，在广泛学习中国民间音乐和西洋音乐的基础上。创作了二胡独奏曲《病中吟》、《月夜》、《苦闷之讴》、《悲歌》、《良宵》、《亲居吟》、《空山鸟语》、《光明行》、《独弦操》、《烛影摇红》，琵琶独奏曲《歌舞引》、《改进操》、《虚籁》和器乐合奏曲《变体新水令》。1927年创办“国乐改进社”。同年，编辑出版《音乐杂志》，参与发起“爱美乐社”。曾用五线谱和工尺谱准确地记录梅兰芳的唱腔（《梅兰芳歌曲谱》1930）。搜集《安次县吵子会乐谱》、《佛曲谱》。一生中总共编写了四十七首二胡练习曲，十一首琵琶练习曲。奠定了二胡专业创作和演奏的基础。
　　7、马可（1918-1976）江苏徐州人。曾在河南大学化学系学习，后在冼星海的感召和引导下，参加河南抗敌后援会巡回演剧第三队。1939年抵延安，在鲁迅艺术学院音乐工作团工作、学习，得到冼星海、吕骥等人的指导，记录、整理过大量民族资料。后在东北解放区从事音乐活动，解放后任中国音乐学院副院长。一生写了二百多首（部）音乐作品，其中以歌曲《南泥湾》、《我们是民主青年》、《咱们工人有力量》、《吕梁山大合唱》，秧歌剧《夫妻识字》歌剧《周子山》（与张鲁、刘炽合作）、《白毛女》（与瞿维、张鲁、向隅等合作）、《小二黑结婚》，管弦乐《陕北组曲》等流传最为广泛。在音乐理论研究上，除了对冼星海作专题研究，著有《冼星海传》外，还涉及到新歌剧的发展、戏曲音乐改革、革命音乐传统和群众音乐生活等各方面的问题，并著有《中国民间音乐讲话》、《时代歌声漫议》等书和二百余篇论文。他在歌曲创作、歌剧创作、音乐理论方面，都作出了重要的贡献，为人们留下了丰富的遗产。1978年他的部分歌曲被编入《马可歌曲选》出版。以他为首集体创作的《哀乐》是现在国内最正式的傧仪用曲。
　　8、聂耳（1912-1935）原名聂守信，字子义，一作紫艺。笔名曾用过黑天使、噪森、浣玉、王达平等。云南玉溪人，生于昆明。自幼喜爱花灯、滇剧等民间音乐，会演奏多种民间乐器。大革命时期曾参加进步学生运动，十八岁到上海，翌年考进“明月歌舞团”，向黎锦晖学习作曲。因不满剧团的方针，于1932年退出，去北平与李元庆等开展革命音乐活动。后回上海参加剧联音乐小组，发起组织了中国新兴音乐研究会。并在联华影业公司、百代唱片公司工作，为左翼进步电影、话剧、舞台剧作曲。1933年在创作上初试锋芒，创作了《开矿歌》、《卖报歌》、使人耳目一新。1934年是他的“音乐年”，《大路歌》、《开路先锋》、《毕业歌》、《新女性》、《码头工人歌》、《前进歌》、《打长江》等歌曲以及《金蛇狂舞》、《翠湖春晓》等民族器乐曲，都是这一年完成的。1935年，写下了《梅娘曲》、《慰劳歌》、《塞外村女》、《自卫歌》、《铁蹄下的歌女》以及建国后定为国歌的《义勇军进行曲》。他从事音乐创作时间只有两年左右，却为八部电影、三部话剧、一部舞台剧写了二十首主题歌或插曲，加上其他歌曲十五首和根据民间音乐整理改编的民族器乐合奏四首、口琴曲两首，共创作了四十一首音乐作品。此外还发表了《黎锦晖的“芭蕉叶上诗”》、《中国歌舞短论》等十五篇战斗性的音乐论文和《时代青年》等三部电影剧本（生前未出版）。1935年到日本，准备经欧洲去苏联求学，不幸于游泳时溺死于藤泽市鹄沼海中。他的作品具有鲜明的民族特征和时代精神，第一次在歌曲中塑造了中国无产阶级的光辉形象，是我国当之无愧的革命音乐的开路先锋。
　　9、任光（1900－1941）浙江嵊县人。从小喜爱民间音乐，会拉琴、吹号、弹风琴。1919年到法国勤工俭学，当过钢琴修理工人，同时学习音乐。1927年回国后，参加左翼剧联音乐小组及歌曲作者协会。1934年创作了著名的《渔光曲》（同名进步影片插曲，周璇主演并主唱）而一举成名。以后还创作了《月光光》、《新莲花落》、《大地行军曲》等电影插曲和一些救亡歌曲，如《打回老家去》（署名前发）、《高粱红了》等著名歌曲。此外，还创作过歌剧《台儿庄》（《洪波曲》）的音乐。1940年起在新四军军部工作，皖南事变时不幸牺牲。
　　10、王洛宾(1913-1996)，著名的西部民歌传播者，被誉为中国现代歌曲之王。王洛宾1913年1月生于北京，他父亲是油漆匠，会演奏多种民族乐器，而且十分爱唱京剧和昆曲。在家庭的熏陶下，王洛宾自幼就喜爱上音乐，并且对音乐有着很好的感受力和记忆力。1919年，王洛宾入小学读书，这时正值“新文化运动”，王洛宾因此学会了许多学堂乐歌，同时开始接触到一些西方和日本的曲调。1924年，王洛宾入通县潞河一所教会兴办的中学读书，在唱诗班里他接触到西洋和声，并且对和弦有了初步的了解。1931年，王洛宾考入北平师范学校艺科，随俄籍老师霍尔瓦特夫人学习声乐和钢琴，开始接受系统的音乐教育。“九·一八”事变以后，王洛宾希望能用音乐来唤起民众的爱国热忱，便为萧军的小说《八月的乡村》创作了一首插曲《奴隶之爱》，这首曲子也是王洛宾的处女作。

belongpositism · 发表于 2015-4-14 13:08:02

　　11、冼星海（1905-1945）中国近现代著名的音乐家，原籍广东番禺，生于澳门一个贫苦船工的家庭。1918年入岭南大学附中学小提琴，1926年入北大音乐传习所、国立艺专音乐系学习。1928年进上海国立音专学小提琴和钢琴，并发表了著名的音乐短论《普遍的音乐》。1929年去巴黎勤工俭学，从师于著名提琴家帕尼·奥别多菲尔和著名作曲家保罗·杜卡。1931年考入巴黎音乐院在肖拉·康托鲁姆作曲班学习。留法期间，创作了《风》、《游子吟》、《d小调小提琴奏鸣曲》等十余首作品，1935年回国后，积极参加抗日救亡运动，创作了大量战斗性的群众歌曲，并为进步影片《壮志凌云》、《青年进行曲》，话剧《复活》、《大雷雨》等谱写音乐。抗战开始后参加上海救亡演剧二队，后去武汉与张曙一起负责开展救亡歌咏运动。1935年至1938年间，创作了《救国军歌》、《只怕不抵抗》、《游击军歌》、《路是我们开》、《茫茫的西伯利亚》、《祖国的孩子们》、《到敌人后方去》、《在太行山上》等各种类型的声乐作品。1938年任延安鲁迅艺术学院音乐系主任，并在“女大”兼课。教学之余，创作了不朽名作《黄河大合唱》和《生产大合唱》等作品。1940年去苏联学习、工作，1945年病逝于莫斯科。此间，写有交响曲《民族解放》、《神圣之战》，管弦乐组曲《满江红》，管弦乐《中国狂想曲》以及小提琴曲《郭治尔－比戴》等，现已收集到他的作品近三百件。此外还写了《聂耳——中国新兴音乐的创造者》、《论中国音乐的民族形式》等大量音乐论文，已发表的有三十五篇。由于他对发展我国革命音乐所作的巨大贡献，赢得了“人民音乐家”的光荣称号。
　　12、黎小田：（Michael Lai，1946年—），原名黎田英，香港流行音乐作曲家兼任编曲。5岁已为电影童星，演出电影有《儿女经》、《可怜天下父母心》，16岁赴英国留学，1960年代任乐团领班。其歌曲代表作有《问我》、《大地恩情》、《戏剧人生》、《天蚕变》、《侬本多情》和《胭脂扣》等。过去亦有主唱儿歌（如《银河铁路九九九》）并编曲（如《千年女王》）
　　13、赵季平赢得了电影音乐界的高度评价和赞誉，成为我国目前电影音乐界获奖最多、奖次最高的音乐家。电影《红高粱》获第八届“金鸡”奖最佳作曲奖、《五个女子和一根绳子》获法国“南特”国际电影节最佳音乐奖、《孔繁森》获第十六届“金鸡”奖最佳作曲奖；电视剧《水浒传》获第十六届“飞天”奖最佳音乐桨，其中“好汉歌”获最佳歌曲奖、《嫂娘》获第十八届“金鹰”奖最佳音乐奖；歌曲《黄河鼓震》、《西部扬帆》获“五个一工程入选”奖、歌曲《祖国强大、国旗增色》获建国五十周年歌曲征集一等奖、《第一交响乐》获首届“金钟”奖优秀作品铜奖。他的作品：琵琶协奏曲《祝福》和管子与乐队《丝绸之路幻想曲》已录制唱盘，发行世界。在日本东京、京都相继举行个人音乐会。他与日本JVC唱片公司合作推出激光唱片《黄河遥遥》及系列电影激光唱片，为中国电影音乐走向世界开了先河。2000年上半年他为台湾舞剧《大漠孤烟直》创作了音乐，使舞剧在台北首演成功。95年作为亚洲唯一代表参加了在瑞士举行的第二届国际电影音乐节，并拍摄专题记录片《音乐家——赵季平》在世界各地播放，1998年作为大陆唯一一位音乐家，他的作品被美国华纳·特得克古典唱片公司签约录制。2000年6月他创作的交响音画《太阳鸟》、交响叙事诗《霸王别姬》由柏林爱乐交响乐团在一年一度的“森林音乐会”上演出，受到热烈欢迎。同年7月他的室内乐作品《关山月——丝绸之路印象》被大提琴家马友友选中，并在美国成功首演。2001年他作曲的舞剧《情天·恨海圆明园》已经在北京首演。2003年3月他应邀在香港成功地举办了《乐坛神笔——赵季平专场音乐会》。他为诸多影视作品配乐作曲，许多已经成为经典之作。包括：电影《黄土地》《红高粱》（第八届“金鸡”奖最佳作曲奖）《大红灯笼高高挂》《活着》《五个女子和一根绳子》（法国“南特”国际电影节最佳音乐奖）《孔繁森》（获第十六届“金鸡”奖最佳作曲奖）《大话西游》《大阅兵》《老井》《菊豆》《秋菊打官司》《霸王别姬》《一声叹息》《漂亮妈妈》《葵花劫》《秦颂》《梅兰芳》电视剧《大秦腔》《燕子李三》《水浒传》(第十六届“飞天”奖最佳音乐桨，其中“好汉歌”获最佳歌曲奖)《嫂娘》(第十八届“金鹰”奖最佳音乐奖)《笑傲江湖》《大宅门》《射雕英雄传》《乔家大院》《天龙八部》《武当II》的片尾曲《风雨武当》《新大秦帝国》《中国往事》《康熙微服私访记》其他作品歌曲《黄河鼓震》、《西部扬帆》（“五个一工程入选”）歌曲《祖国强大、国旗增色》（建国五十周年歌曲征集一等奖）《第一交响乐》（首届“金钟”奖优秀作品铜奖）唱片琵琶协奏曲《祝福》管子与乐队《丝绸之路幻想曲》《黄河遥遥》（日本JVC唱片公司）舞剧《大漠孤烟直》交响音画《太阳鸟》交响叙事诗《霸王别姬》室内乐作品《关山月——丝绸之路印象》舞剧《情天·恨海圆明园》舞剧《长恨歌》
　　14、赵晓生，作曲家、钢琴家、音乐理论家与教育家，上海音乐学院教授，博士生导师。1981年至1984年，美国密苏里哥伦比亚大学客席教授。《钢琴艺术》杂志副主编、中国音乐家协会会员、上海音乐家协会理事、现代音乐学会副会长和东方音乐协会、日本音乐研究会会员。曾在中国五十余个主要城市（两百五十场以上），美国（二十余场）及香港等地举行钢琴独奏会，擅长即兴作曲演奏，创立“太极作曲系统”及“音集运动”理论系统，创作数十部作品，在国内外产生广泛影响。
　　15、三宝，男，本名那日松，蒙古族.出生于音乐世家，四岁开始学习小提琴，十一岁学习钢琴，十三岁进入北京中央民族大学音乐系附中学习小提琴。一九八六年以优异成绩考入中央音乐学院指挥系。自一九九零年开始，三宝分别与广西歌剧院交响乐团、武汉舞剧院交响乐队及中央芭蕾舞交响乐队、北京交响乐团、中国交响乐团、中国歌剧院交响乐团、中国广播交响乐团合作演出；一九九七年后成为自由音乐人。在民族学院学习期间，三宝对欧美流行音乐产生极大兴趣，开始尝试流行歌曲创作，一九八九年北京亚运会大型演出中，他以一首《亚运之光》正式成为流行乐坛的出色代表，此后积极致力作曲、编曲、制作及演奏活动。他曾为台湾著名歌手苏芮写曲数首，亦与李宗盛、卢冠延合作，制作《我们就是这样》专辑。在为毛阿敏制作的第一张专辑里，其中《我不愿再次被情伤》更获香港电台一九九五年第一季十大金曲第一名。至今，他已编配的作品达数千首，而创作的流行歌曲已达数百首，其中脍炙人口的优秀作品有：红豆的《一个童话》；李玲玉专辑中的《挥挥手》；景岗山专辑中的《我的眼里只有你》、《花灵》、《我是不是还能爱你》、《我知道你在等着》；丁薇专辑中的《断翅的蝴蝶》；林依轮专辑中的《告诉明天再次辉煌》、《带上你的故事跟我走》等。在创作流行歌曲的同时，三宝并没有放弃自己的专业特长，多次在国内外交响乐队的演出活动中担任指挥，并热心从事纯音乐及影视音乐、广告音乐的创作，从而以他的的音乐天份以及作品的多元化、色彩化和旋律性而着称。1996年在香港艺术节中，三宝亲自率团演出了他的系列音乐作品，在这部长达90分钟的作品中，他以其深厚的古典音乐功底，结合现代音乐及蒙古民歌素材，赋予音乐强烈的画面感，令观众反响热烈，并于返京后将作品自费录制成专辑，名为《归》。从90年代中期，三宝作为一名著名音乐家，曾多次被中央电视台、CHANNEL[V]，北京电视台、各地方电视台等媒体以及诸多单位举办的大型音乐比赛活动邀请担任评委。1998年三宝为中国五位男歌星在北京举办的大型演唱会担任了策划、总监、编曲等工作，并亲自担任指挥。 2000年10月，三宝在中国艺术家赴英国举办的大型演出《为中国喝彩》中担任音乐总监。 2000年，三宝与张艺谋导演再次合作，完成了申奥片的音乐制作工作。 2001年4月6-7日，三宝在世纪剧院举办了他的首次个人影视音乐作品音乐会，演奏部分由——中国歌剧院交响乐团完成，并由三宝亲自指挥，而演唱部分则邀请国内著名歌手刘欢、毛阿敏、孙楠、那英，整场演出获得了空前的成功。

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