学习钢琴的渐进阶段
——启蒙阶段钢琴技术的学习是一项漫长、复杂的系统工程。我们不排除极少数“天才”可能在很短时间内掌握钢琴全部技巧的可能性，但对于绝大多数的钢琴学习者而言，坚持循序渐进的学习原则是牢固掌握各项基本技术的唯一途径。那么钢琴到底要学习多久才算“学成”了呢？对于一位追求完美境界的钢琴艺术家而言，其一生都是学习的过程，永无学成之日。这是因为钢琴音乐的表现有无限的可能性就像从事书法或绘画的艺术家一样，每一次创作都是一次新的学习和挑战。但仅就钢琴技巧的学习而言，我们大致上可以把其分成三个阶段，即启蒙阶段、深入阶段、专业化或自娱阶段。这个阶段的划分并不是完全按照年龄的增长，而是根据学习程度的渐进和学习目的的变化而划分的。
在多数情况下，一位钢琴演奏者的基本技术能力在二十岁左右就差不多定型了，但也有少数学习者能在三十岁以后出现技术的飞跃，但其前提是要有扎实的基本功和大量的时间的投入。对于一位有志于从事专业钢琴演奏工作的人而言，从小接受正规的钢琴技术训练是必不可少的，因为在其技术能力定型之前，至少要接受十年以上的严格训练才有可能达到专业钢琴演奏所需的技术能力。而对于以自娱自乐丰富修养为目的而学习钢琴的人而言，任何时候开始学习都不算晚，担仍需付出一定的恒心和毅力，才能最终在钢琴演奏中获得自信和乐趣。
下面我将就钢琴学习的各个阶段的特点和所需要注意的问题分别给予介绍和讲解。在此我们假设任何一位学习者都是以从事专业钢琴演奏为目的，而对成年钢琴学习者我们将在本文的最后部分涉及。
从完全不会弹钢琴到开始能够用钢琴表现音乐（哪怕只是一点点），这一学习过程是钢琴学习的启蒙阶段。这一阶段的学习目的有两个，一是培养对钢琴演奏的兴趣，二是学习掌握钢琴演奏的初级技术和基本状态。
在正式开始讨论钢琴学习的启蒙阶段之前，我们先研究一下学习钢琴的条件问题，也就是什么样的人可以并适合学习钢琴。从最宽泛的范围来讲，只要双手基本健全，智力基本正常的人都可以学习钢琴，包括截瘫、盲人等残疾人。但对于有志从事专业钢琴演奏的学习者而言，对生理和智力的要求则相对严格一些了：他（她）必须要有一个健全的身体（哑症患者除外）和正常的智力。一般而言，学习者成年后手指完全伸张开能够到九度（以钢琴键盘为标准）是比较理想的，如能够到十度或十一度则更好，再大则极为罕见也没有必要了。同时，学习者的手要发育良好，具有一定的硬度和灵活运动的能力。在智力要求方面，要求学习者具备较高的音乐感受力和逻辑思维能力，并有较好的记忆力和承受压力的心理调控能力。最后，他（她）需要在十岁之前开始学习钢琴。
对于究竟从几岁开始学琴比较合适这一问题一直没有定论。笔者认为专业钢琴学习的开始年龄上限在十到十二岁，即青春期开始之前，但也不是越早越好。专业钢琴学习的确需要有良好的“童子功”，但由于钢琴技术学习是相当枯燥艰苦的，因此过早地进行钢琴技术训练很容易令孩子产生厌烦心理，从而破坏其对音乐艺术的兴趣，那些在孩子两岁多就让其学琴的行为是相当冒险且得不偿失的。因此笔者认为幼儿正式学琴的年龄底限男孩在五岁左右，女孩在四岁左右。
处于儿童时期的孩子，活泼好动是他们的天性，与生俱来的好奇心使他们对任何事物都容易感兴趣也容易失去兴趣。因此儿童在学琴的开始阶段出现坐不住、精力不集中的现象是非常正常的，这从某一方面而言还体现出孩子思维活跃的优点。因此在学习钢琴的初始阶段，练琴的时间以“少吃多餐”为宜，即以十至十五分为一个单元，每天练习三至五个单元即可。这也是因为这一阶段的技术学习都是非常简单地弹奏基本动作，还没有开始肌肉力量的训练，因此并不需要太多次的重复，关键要让孩子体会动作的要领，保持一个轻松的心态。
在学习钢琴的一开始是先练习断奏还是连奏也是一个存在争议的问题。学习钢琴的头几节课对于一位钢琴学习者日后整个的学习路程是非常关键的。在最初时所形成的演奏状态有时会影响学习者好几年甚至一生，因此为学生选择第一节课的练习内容是每一位老师必须慎重对待的问题。笔者个人的观点是，对于年龄较小，手掌较软的孩子，一开始必须从自然下落的断奏开始，但在开始学习三至五周后，就可以让孩子接触两个音到三个音的连奏了。这主要是因为在有正确辅导下的自然下落断奏练习可以让孩子充分体会到手臂的自然重量和手腕的带动作用，从而形成一个协调放松的演奏状态。但这种自然下落的断奏弹法在其日后的实际演奏中几乎碰不到，因此学习一段时间以后加入连奏弹法，齐头并进是比较有效率的学习方法。对于那些年龄较大，手掌有一定硬度、手指比较有力的初学者，一开始就学习连奏也是可以的，但最好不要长时间的进行固定手位练习，要尽可能早地学习音阶。因为音阶转指的过程也是手腕和手臂运动放松的过程，这样可以避免长时间固定手位抬手指练习所造成的手腕紧张、手臂僵硬等弊病。
下面介绍一下自然下落断奏法的技术动作和要点：1、肩部带动大臂继而带动小臂、手掌抬起，高至键盘上方一至两分米处。这个动作要注意肩部一定要打开，像飞翔鸟的翅膀一样舒展，大臂自然放松，不要内夹，手臂与手掌也要自然放松。2、待抬到一定高度以后整条胳膊如悬在梁上的重物突然被剪断绳子一样自然落下，手掌保持自然弯曲状态，用三指或二指触键，同时各个指关节略作支撑，以保证手型不塌陷。需要注意的是手臂下落时要保持绝对的自然状态，即不要向下拍也不要撑着劲，就像无生命的东西从高处落下来一样放松；在手指触键后手腕千万不要再向下压，基本要与第三指关节等高，让手指支撑胳膊的重量，手心不能接触键盘和钢琴的侧面。
对于初学者而言，养成良好的坐姿习惯也很重要。座椅高度以演奏者坐上后，手自然放在键盘上，双肘与键盘基本等高为最好（宁可高一点点也不要过低）。座椅与琴键的距离大约能让演奏者的双肘前于躯干几厘米为好。演奏者的双脚要略分开踩稳地面，个子小的儿童一定要垫一个小板凳，双腿切不可悬空或掂起。腰部自然挺起，颈部放松，不要驼背。需要说明的是我们在很多影像资料中可以看到许多演奏家有着千奇百怪的弹奏姿势，但对于初学者而言，那是绝对不可以效仿的，就像刚开始学自行车的人就想撒把或单轮骑一样，只会学得一身毛病，有百害而无一利。
在有良好坐姿的前提下，自然下落断奏的练习对于学生建立自然协调的演奏状态是很有帮助的。同时，由于断奏弹法不受音域的限制，也可以比较方便地帮助学生熟悉键盘。比如在弹完中央c后，可以再弹上方八度的c2，然后再弹c3，之后再按顺序往回弹。我们还可以用同样的方式弹所有的音。儿童在单手以八度距离“飞来飞去”的过程中，不仅体会了自然放松的演奏状态，还熟悉了键盘和音名，再结合五线谱的学习，可以说是事半功倍。对于自然下落断奏的学习，我向大家推荐李斐岚、董刚锐编著的《幼儿钢琴教程》（人民音乐出版社），这是一本对初学者和缺乏少儿教学经验的教师都极有帮助的教材。
在进行了两、三周的断奏训练之后，就可以加入连奏的练习了。但此时断奏练习仍要同步继续进行，只是抬手的高度可以降低一些。在学习钢琴的一开始左右手就应同时进行，但在进入连奏练习的时间上，右手应先于左手，让学习者对连奏弹法已经有了感性认识后，再加入左手。
连奏练习的根本目的在于“打开”学习者的第三指关节，令其能够自主地抬动发力而不依靠臂部的力量，这也是为什么要在青春期之前开始钢琴训练的原因。因为一旦人的骨骼开始发育变硬，对各个关节的柔韧性和灵活性加以训练就非常困难了，所以一切对身体灵活性有较高要求的运动（如体操、舞蹈等）都要从小学起，也包括弹钢琴。但在练习抬手指的同时，不要忽视了歌唱性技术的训练，也就是在练习“高抬指快落下”的同时，也要有意识地对音色、音与音之间的连贯加以注意。特别是在开始学习音阶和曲子之后，更要注意手腕的调节和带动动作。不要以为这是比较深奥的技巧，非要等到程度深了以后再加以注意。因为一旦学习者习惯了生硬僵死的敲击琴键，日后再想学会协调的弹琴就很困难了。但此时学生由于在力量、动作熟练程度等方面都达不到歌唱性技术所需的要求，因此只要在练习中注意到了以上的要求就可以了，无需做得尽善尽美。
在学习钢琴的初始阶段就要注意对音色的分辨，这是另一个需要所有学习者重视的事情。人的听觉也是需要从小培养的，学习者应该在一开始学习钢琴时就树立“把声音弹得动听”的观念，不能容忍那些生硬的噪声，更不能允许自己在钢琴上“凿”出噪音来。当然和学习歌唱性技术一样，处于这一阶段的学生只要能注意到各种音色的不同，保有追求美好音色的渴望就可以了，不用非要弹出唱片里那样完美的声音才肯罢休。
进入连奏弹法的练习后，那些手特别小的幼儿不宜过早弹奏黑键，因为这势必会令幼儿要伸直手指往前够，导致手型的破坏，或整只手忽里忽外无法形成稳定的状态。
在教材的选择方面，笔者认为汤普森（John Thompsom）所编的系列教程仍是最适合初学者学习的主要教材。其编写的《浅易钢琴教程》（俗称“小汤”）适合四、五岁的幼儿作为入门教材，而另一套《现代钢琴教程》（俗称“大汤”）则适用于略大一些的儿童和智力、生理发育较早的幼儿。汤普森教程的特点在于每一首练习都具有较强的音乐性，有些还附有歌词和由教师弹奏的伴奏，容易培养儿童对音乐及钢琴演奏的兴趣。能力较强的初学者可以直接从“大汤”学起，以避免“小汤”中过于缓慢地学习进程打击自己的积极性。
除了汤普森外，施密特的《钢琴手指练习》和拜厄的《钢琴基本教程》也可以同时作为辅助教材使用。施密特的《钢琴手指练习》可以有效的强化初学者的手指力量，比起哈农的《钢琴练指法》更适合作为启蒙阶段的手指机械练习。而拜厄的《钢琴基本教程》曾经是中国的钢琴初学者普遍使用的主教材，但以现代钢琴演奏法的眼光来看，这套教材存在太多过时的东西。比如长时间固定手位的练习很容易造成儿童手腕紧张；缺乏音乐性的练习也不利于培养儿童的乐感；过长的学习周期对于能力较强的学生而言等于是浪费了很多时间等等。但对于那些手掌、手指特别软，手指抬不起来的学生，它当中的一些练习还是很有价值的，但仍不宜作为主要教材使用。
当学习者对钢琴键盘基本熟练掌握，具备了初级的读谱能力后，就可以开始学习车尔尼的《钢琴初步教程》OP.599和巴赫的《初级钢琴练习曲集》了。笔者认为应尽可能早地让学习者开始学习巴赫的作品，因为这些作品的难度并不在于手上的技巧，而是双手的协调性及头脑的分析能力，因此不必担心它会给学习者在生理上造成过大的压力。促使儿童多用头脑并精神集中的弹琴，正是巴赫《初级钢琴曲集》最有价值的地方。
当儿童开始学习599第19首以后的练习曲时，标志着他（她）已真正开始接触钢琴实际演奏中的各种技术了。而在此之前的练习实际上是在告诉学习者钢琴这一乐器的“基本使用方法”，而之后的学习才是训练学习者如何将其操纵、控制得随心所欲的技术。在这一时期，抬起手指并迅速有力的下键是所有技术训练中的重中之重。但为了让学习者保持一个协调自然的演奏状态，在音量上的要求要适度，决不是声音越大越好，只要弹奏动作准确到位，能弹出多大的声音并不非常重要，特别是对于那些力量较弱、手比较软的女孩子更是如此。
在这一时期，学习者最容易出现的毛病有：1、小指侧倒。这一毛病对于手小的学习者几乎是无法避免的。解决它的办法是注意手腕的移动，当小指触键时手腕适度向外侧移动以帮助小指够到琴键。同时强调小指的积极抬动也是避免其侧倒的有效措施。
2、折指。第一指关节的塌陷是儿童学琴过程中最常见的毛病。笔者认为造成折指的原因是儿童指关节的力量尚小，有时无法承受“高抬指快下键”带给其的压力，因此出现支撑不住而塌陷的情况。因此解决它的方法一是注意下键时用力不要过于猛烈，触键后一定不要第二次用力；二是注意将手指自然弯曲不要伸平。即便如此，有时也很难完全杜绝“折指”的出现，但只要不是经常性的出现就不用特别恐慌，当学习者的手发育变硬后，折指的现象会自然消失。不过需要特别强调的是，如果学生经常性的出现折指的现象，特别是出现第三指关节塌陷的情况，则一定要加以纠正，哪怕令手腕暂时出现紧张的情况也是必须的，否则一旦养成折指的习惯，待日后骨骼发育完好后想再纠正就非常困难了。
3、弹奏不均匀。这也是由于儿童手指力量不足造成的，但有时也会是因为学习者没有认真去听自己的演奏而忽略了弹奏中的不均匀。对于后一种情况解决方法很简单：用心去听，及时改正就可以了。对于前一种情况则可以采用放慢速度，分手反复练习困难段落的方法。同时每一个手指都要积极地抬动，这也是促进手指力量增长的唯一方法。
4、手腕抖动。在这一时期出现的各种毛病的“元凶”几乎都是手指力量不足。手腕抖动也是由于手指的力量不足以弹响琴键，所以才使用手腕发力帮忙，从而出现上下抖动的现象。在解决手腕抖动这一毛病的时候一定要注意不要矫枉过正，使手腕变得僵死。练习者可以适当减少对音量的要求，只要手指抬起来并快速下键弹出声音就可以了，不要追求宏大的音响，同时注意受臂和手腕不要发力，但有轻微的抖动也不用太在意，并注意手腕横向的带动调节。在此需要指出的是，手腕由于受到手指下键的振动而被动的抖动和用手腕帮助手指发力时的主动抖动是有质的区别的。对于前者，我们基本不用在意，而对于后者则必须及时改正，否则会影响手指力量训练的成效，及日后弹奏快速跑句的清晰。
当儿童开始学琴后三个月到半年时，就要适当地增加练琴时间以保证手指肌肉训练的强度。但仍要注意一个练习单元的时间不要过长，一般以半个小时为宜，每天三至五个单元就可以了。
对于尚处于启蒙阶段的学习者，在技术训练的强度和质量的要求上要遵循循序渐进的原则，但在技术门类的接触和展开方面则可以根据每个学习者不同的生理条件分别对待。比如七和弦琶音、双三度、八度等技术对于手较小、力量较弱的儿童是一时无法学习的。但对于个别年龄较大，手的条件非常好的儿童则不是非常困难的，完全可以较早地进行接触和学习。
——深入阶段
钢琴学习者在经过一年半至两年左右的学习后，如果方法得当，在技术能力方面应该已具备了一定的水平。此时钢琴就像画家手中的画笔，“握”在手中（尽管还不够自如）可以“画”出一些简单却像模像样的作品了。如果一个学习者能够做到将自己对音乐的想法通过所演奏的曲子表现出来，哪怕这些想法相当错误，或是表现的并不充分，这都标志着这个学习者已经进入到钢琴学习的深入阶段了。从单纯的学习技术到边学技术边利用技术表现音乐，这是钢琴学习的一个质的飞跃。同时由于产生了表现音乐的欲望，学习者对于技巧的理解和学习相对于启蒙阶段要丰富和积极得多。
深入阶段相比起启蒙阶段的学习要艰苦、漫长得多。首先它要求学习者不厌其烦的弹奏大量的练习曲和基本练习，而适合这一技术水平学习者演奏的作品中好听、生动的又不太多。同时，在练琴时间上还要加大投入，底限为两个半小时，上限为五个小时。再加上处于这一阶段的儿童一般已开始上学，课业负担已经不轻，再挤出时间练琴，游戏的时间则没有了。因此尽可能的在演奏中表现音乐，令弹琴成为语言之外的另一种表达方式，在这一过程中产生出的成就感和自信心是激励学习者坚持下去的最好动力。
深入阶段的主要学习目的是：提高演奏者参与演奏的身体各个部位的力量，特别是手指肌肉及关节的力量，以确保在演奏中基本能够做到协调、稳定、灵活、敏锐。没有力量作保证，速度、力度、音色、连贯等等一切都无从谈起，更不用说得心应手地去表现音乐了。因此当学习者通过启蒙阶段基本掌握了钢琴演奏的基本状态和一些初级技术以后，力量的训练就成为下一步学习的核心内容了。
力量（主要是手部力量）的训练可以通过对音量、速度、音色的要求得以实现。其中，前两方面很好理解，要获得足够大的音量就要付出足够大的力量。因此学习者不应再像启蒙阶段时那样，在做基本练习时以动作的规范作为唯一标准，音量大小无所谓，而是要尽可能地弹奏出一定标准的音量，在某些特定时期甚至付出手臂紧张的代价也是值得的。当然这并不是说从此学琴变成了砸琴，一切技术规范和基本状态都不要了，正相反，正是为了保证日后演奏者能够拥有自然协调的演奏状态和标准的技术规范，现在才需要强化力量的训练。因此对音量的要求也不可超过演奏着力所能及的范围，仍要坚持循序渐进的原则。
对速度的要求也是促进学习者增强手指力量的一种方法。正如人们跑步或骑自行车，若是想达到锻炼身体的目的，都需要达到一定的速度一样，在演奏练习曲和基本练习时也需要演奏者达到一定的速度标准，才能起到锻炼手指的目的。当然，在进行快速练习之前，演奏者必须先用中、慢速度将曲子练熟，并保证技术动作的规范标准，然后再一点点地提升速度，直到再快就无法保证演奏的正确和规范为止。对于那些已经练习得非常熟练的练习曲，练习者偶尔也可以采用向自身极限挑战的方式，用尽可能快的速度弹奏一、两遍，哪怕有个别跑句弹不太均匀，或是造成小臂一定的紧张，也可以暂时不管，拼下来再说。这种有些“混”的练习方法偶尔为之不仅能有效地验证演奏者实际弹奏能力的极限，还能在一定程度上增强练习者的自信心。但这种练习也绝对只能是偶尔为之，千万不可经常性的“过瘾”、“突击”，否则不仅会破坏技术规范的稳定性，还有可能造成演奏者手及手腕的肌肉损伤。另外需要指出的是，利用速度训练来提高力量的方式只适用在练习曲和基本练习上，而在演奏其它作品时，音乐及风格的标准是音乐速度的唯一标准。
利用对音色的要求来提高学习者的力量初听起来有些令人费解，但实际上并不深奥。如果说在力量、速度方面的训练是“举重”和“跑步”的话，那么在音色方面的训练则是“打太极拳”，练的是“内力”。“举重”和“跑步”可以锻炼学习者肌肉的耐力和爆发力，而“太极拳”则是训练其控制能力的有效方法。演奏者若想弹出一个音色通透饱满而不生硬的单音，是需要整条臂膀各个部位肌肉和关节协调运作相互支持的。在实际练习中，为了找到一种好听的声音，练习者往往要重复练习一个或一组音几十、几百次，而这个过程也正是锻炼手与臂各部分肌肉控制能力的过程。在这个过程中耳朵的作用是最为重要的，练习者必须能分辨出好声音和坏声音的区别，才能有效地进行练习。因此这一练习过程既是对演奏者力量控制力的训练，又是对其听觉分辨力的训练，可以说是“手耳兼修”。
深入阶段学习者可以选择的教材比起在启蒙阶段时要丰富多了，程度跨距也大得多。车尔尼的练习曲从OP.849到OP.299，从克莱门蒂的小奏鸣曲到海顿、莫扎特的奏鸣曲，巴赫二、三部创意曲、《小前奏曲与赋格》以及大量的中外乐曲都可以作为这一阶段的教材。实践证明，到目前为止车尔尼的系列练习曲仍是钢琴学习中、低程度时最优秀的技术教材。当学习者将OP.599练到第70条后就可以进入OP.849的学习，同时可选择OP.636和OP.718中的几首作为辅助练习。OP.849之后是OP.299，其中的技巧已比较艰深了，学习者不一定每一首都要弹，但如第5、9、11、12、14、18、24等几首重点练习则一定要充分练习，完成好其中的技术要求。弹奏车尔尼的练习曲不仅要做到触键清晰、跑动流畅、发音有力，还要注意其中的旋律表现，要将它们当成技巧性乐曲去弹而不是机械性的“手指体操”，这也是车尔尼的练习曲不同于其他练习曲的优点之一。哈农《钢琴练指法》也是一本非常优秀的钢琴技巧练习曲集，深入阶段的学生和专业钢琴学习者都可以将其作为每日必弹的基本练习。这本教材的特点是练习目的明确，读、背谱简单，循序渐进，而且见效快，往往练习一、两个月学习者的手指力量就会有明显的增强。它的缺点是织体单一缺少变化，枯燥乏味，弹久了会令人神经麻木。因此练习者可以根据自身的情况改变音乐织体的节奏，如改成前附点或后附点节奏等，只要不过分增加难度即可。
巴赫的复调作品也是钢琴学习者必弹的重要教材。在弹完《初级钢琴曲集》中的大部分曲子后，学习者就可以开始进入《二部创意曲集》的学习了，同时也可以选择《小前奏曲与赋格》中的几首作为辅助教材。原则上《二部创意曲集》中的十五首作品每一首都要弹，且都要弹好。但出于时间上的考虑，不一定每首都要背下来，只要将声部交代清楚，双手弹出层次感就可以。对于不打算从事专业钢琴演奏工作的学习者而言，巴赫的《三部创意曲集》并不是非弹不可的曲目，可以选择其中较容易的一、两首了解一下多声部弹奏的技术特点就可以了。但对于专业钢琴学习者，《三部创意曲集》则是必弹的重要教材，它是将来演奏《平均律》曲集的必要准备，因此每首都要弹好，并且最好都能背下来。
在奏鸣曲和乐曲的选择上每位专业钢琴教师会有不同的侧重，以后有机会再给予概括性的介绍。
下面我再将处于深入阶段的学习者最容易遇到的一些技术问题试作解答：
1、弹奏快速跑句时速度上不去，或是速度能上去但弹不均匀。造成“弹不快”的原因很多，其中最常见的有两种，一是手指力量不足，“跑”不动；二是手腕、手臂过分紧张造成手指不能灵活运动。对第一种情况解决的办法只有加大手指力量训练的强度，多弹音阶和《哈农》，同时加强体育锻炼，以提高全身的力量及灵活性；对于第二种情况，学习者可以先复习一下刚开始学琴时练习的“自然下落”断奏法，体会一下手臂自然放松的感觉，然后在慢速练习跑句时，有意识地夸张手腕调节和带动的动作，也就是让手腕横向运动的幅度增大。随着速度一点点加快，手腕的动作随之一点点减少，但仍要有意识地去做。在以正常速度弹奏快速跑句时，演奏者手腕的动作是几乎看不出来的，但正是这几乎看不出来的调节和带动使得手指、手臂等各部位能够保持协调稳定的状态，从而使手指可以释放出最大的能量，弹奏出快而准确的跑句。至于“弹不匀”的问题，也有很多种可能的原因，比如转指的动作不规范，大指弯曲度不够，指法不正确等等。这些问题只要依据正确的规范加以改正，认真读谱分析指法就可以得到解决。但如果是因为有某一手指力量特别弱，造成弹奏的不均匀，那就不是短期可以解决的问题了。一般来说四指（无名指）是人力量和独立性最弱的手指，“弹不匀”也往往是因为演奏者的四指太弱而造成的。提高四指力量最有效的方法是练习《哈农》中的第5、7、10、14、30等几条练习，在练习时要注意四指的抬动。由于人的生理构造原因，四指是人唯一的几乎不能独立抬动的手指。因此在抬动四指时，小指可以随之一并抬起，以帮助四指抬到一定的高度并有力的下键。需要提醒大家的是，有一些旨在提高手指力量的“土办法”在选择练习的时候一定要慎重。比如将五个手指紧按琴键，然后单独抬起某个手指若干次；还有让手指紧贴琴键之后如打弹球般向外弹去等等，这些练习手段的有效性有多高尚且不论，但是容易造成手腕和手臂的紧张却是事实。因此笔者认为最为安全可靠的手指练习仍是音阶和琶音以及其他正规的练习曲。
2、弹奏时全身紧张。这往往是由于学习者长期弹奏力所不能及的高难度曲目，或是追求过于宏大的音响效果所造成的。因此首先应降低演奏曲目的难度，恢复比较轻松的演奏状态。在必要的时候可以找一把靠背椅非常放松的靠在上面，就像靠在沙发上一样舒服。然后非常放松的弹奏一般曲子，弹奏的同时身体仍保持靠坐舒适的状态，并体会这种放松自然地弹奏感觉。当恢复到正常坐姿后，演奏者应注意身体重心不要前扑得太厉害，肩头不要上耸，颈部不要紧绷。一般来说只要演奏者的肩部放松下来，身体其他各部位就不会紧张得太厉害了，因此有意识的放松双肩，也是解决弹奏时全身紧张的有效方法。
3、八度弹奏困难。对于手较大的学生来说，只要弹奏方法正确（参见本章第一节（上）中有关八度织体技术的部分）一般在弹奏八度时不会发生困难。但那些手较小的学生在弹奏八度时则的确会感到紧张和吃力。笔者认为如果学习者的手仅能勉强够到八度，那么最好先不要弹带有连续八度音型的作品，等手慢慢发育长大后再说。如果一定要弹，可以省去左手八度的高音，只弹低音，右手则只弹高音。那些刚刚开始接触八度技术的学生在练习和演奏时千万不要过分追求音量和速度，只要能将八度的两个音弹齐就可以了。随着对八度技术的逐渐掌握，手的宽度和硬度渐渐发育完好，出色的八度弹奏并不是一件非常吃力的事情。
4、旋律设计不当。旋律的设计虽然有技术规律可循，但更多的还是要靠演奏者的艺术修养和对音乐的全面理解来完成。因此对于年纪较小的学习者，要求他们弹出和钢琴大师一样完美的旋律是不现实的。对于儿童而言，只要能做到柔和的收句、轻声的收尾就已很不错；对于大一些的孩子如果能将旋律弹的有起伏、作出一点变化则已相当有天赋了。培养对旋律设计的感觉可以采用练习朗诵的方式，从语言的抑扬顿挫中领悟音乐的起伏变化。还可以边弹旋律便跟着哼唱（但在实际公开演奏中绝对禁止），让手指找到歌唱的感觉。
当钢琴学习者进入技术学习深入阶段四至六年后，就要面临是否放弃从事钢琴专业学习的选择。一方面，若继续以专业要求进行学习就意味着要投入更多的精力和时间；另一方面，处于这个阶段的学习者大多又要面临中学日益增加的课业负担。如果停止学习一段时间，在激烈的钢琴专业竞争中肯定将被淘汰。因此大部分学习者在此时选择了停止学习或不定期上课的方式，从而成为业余钢琴爱好者。而少数学习者则继续向更高层次的钢琴艺术殿堂奋力攀登，成为专业钢琴学习者。但无论最后的选择是怎样的，学习者在深入阶段所进行的技术学习，对其日后的自娱自乐或专业学习都起着关键性的基础作用。
——专业化和自娱化
专业化钢琴学习指的是从事钢琴或其他与钢琴密切相关的音乐专业工作、学习的人所进行的钢琴学习。它的学习目标是使学习者能够胜任专业水准的独奏、伴奏及教学工作。
专业化的钢琴学习基本都是存在于各个音乐院校或一些大学的艺术系及一些附属于音乐学院的中小学。因此此时的钢琴学习实际上已经成为学习者生活的主要内容，其学习的动力也从兴趣转变成具体的目标。专业钢琴学习的重点内容是曲目的积累和技术的熟练，我们仅就后一个重点内容进行讨论。
在进入专业化学习阶段之前，学习者应该对钢琴技术的各个门类已有了全面的接触和学习，只不过在完成质量的要求方面还不是那么严格和专业化。而在进入专业学习阶段后，对于学习者各项技术完成质量的要求就要严格多了。在各种要求中，弹奏的准确性是最为直观也是最能体现专业钢琴学习的特点的。在业余钢琴学习及演奏中，演奏者偶尔碰错一些音或有些音和句子的音量、音色没有控制好是很正常的事，只要能把音乐表达顺畅、技术上没有太多负担就可以了。而在专业钢琴学习、演奏中，形式的完美是最根本的要求，任何的触键失误或控制不当都会破坏音乐形式的完整，因而是不能被容忍的。在对音乐的领悟和理解方面其实是不分专业和业余的，许多业余音乐爱好者对音乐的感受力之敏锐、理解之深刻丝毫不逊于最顶尖的专业音乐家。但若想以近乎完美的形式表现音乐的内容，则只有是专业音乐工作者才能胜任了。因此在专业钢琴学习的过程中，技术准确性的训练是所有学习内容中的重点，只有掌握了得心应手的技术，才能游刃有余地表现音乐，否则还不如去从事其他工作而做一名快乐的音乐爱好者。
技术准确性的练习方法简单地说就是重复，这种重复并不仅仅是指技术困难片段的反复练习，还包括在不同的作品中对同一技术课题进行反复的练习。比如我们可以在李斯特的《匈牙利狂想曲》、格里格的《钢琴协奏曲》和勃拉姆斯的《奏鸣曲》中碰到同样形式的快速八度跑句，我们在学习这些作品时，实际上也就是在重复八度技术的练习。因此尽可能多地涉猎不同风格的作品，是提高学习者技术能力的有效方式。
当然，对技术困难片段进行反复的练习也是提高技术准确性的重要手段。但需要注意的是，不仅复杂的织体技术需要反复练习，看似简单的旋律也需要反复练习。也就是说，歌唱性技术也是需要重复练习才能做到准确和完整的。比如我们在弹奏舒伯特的ъB大调奏鸣曲D.960的主题时，这条看似没有什么技术困难的旋律却会带给我们许多麻烦：首先我们要将右手和弦中的高音弹得突出而柔和，又不能将和弦中间的持续音弹得太轻而失去和声的色彩感觉；其次，在前两个乐句中旋律的收句都是收在小节的强拍上，如何把握好这两个句尾收束的分寸也是需要反复尝试和练习的；在4/4拍的乐曲中出现由三个乐句组成的旋律如何安排好各乐句之间的平衡，给人一个对称稳定的感觉也是很令人头疼的事；注意左手的伴奏织体并非是简单的和声铺垫，它也是有音乐形象在其中需要注意表现的，但又不能表现得太过张扬而盖过了右手部分。最后还要注意整个主题的音量应控制在PP至P之间，但音色不能暗淡，四个声部的走向感还要清楚，可以考虑用左踏板，但如果要用又不能全踩到底，要保持音色的通透。如果演奏者能够将以上的要求都做得很好，说明他要么是经过了反复而仔细的练习和推敲，要么已经成为非常成熟的钢琴家了。
专业钢琴学习者所使用的教材中练习曲主要有：车尔尼的OP.740、莫什柯夫斯基的《练习曲》、克莱门蒂的《名手之道》、肖邦的二十四首《练习曲》、李斯特的十二首《超技练习曲》和《音乐会练习曲》、拉赫玛尼诺夫的《音画练习曲集》以及斯克里亚宾、德彪西、勃拉姆斯等人的练习曲。这些练习曲大多有着丰满的音乐形象和丰富的音乐内容，同时又需要演奏者拥有相当的技术能力才能完成弹奏。因此练习这些练习曲不能像“深入阶段”那样练几个星期，弹会了就换一首，而是需要反复磨练做到十分熟练，待音乐表现也比较充分了才算完成。
在复调作品中巴赫的《平均律》曲集是必弹的教材，巴赫的其它键盘作品，如《英国组曲》、《法国组曲》、《帕蒂塔组曲》等等也是钢琴专业学生常用的曲目。近年来肖斯塔科维奇的《二十四首前奏曲与赋格》也偶尔会作为教材在音乐学院使用，但由于其演奏技巧过于艰深，因此还不能像《平均律》那样作为标准教材而被广泛使用。
从最宽泛的意义上讲所有的钢琴文献都可以作为教材使用，但从提高演奏技术能力的角度去看，有许多非常优秀的音乐会曲目，并不是非常有练习意义的教材。比如在肖邦的作品中，四首《叙事曲》、四首《谑谐曲》及后两首奏鸣曲都是对技术提高非常有意义的优秀教材；而像《前奏曲》、《玛祖卡》等则是非常经典的音乐会曲目，但对学习者技术的提高帮助不大。因此专业钢琴学习者在成为钢琴家以前，还是应该多选择技术成分含量高的作品进行学习，当然如果有足够的时间和精力，经典作品自然是弹得越多越好。
经过多年的钢琴学习，专业钢琴学习者对各种钢琴技术的特点应该已有了自己的理解和体会，完全可以根据自身的生理条件修正甚至打破一些传统的技术规范，但其前提必须是更有利于对音乐的表现和自身音乐个性的展示。比如对于那些手指力量特别强的学习者，将手指伸平进行弹奏是提高声音素质的有效方法。但这也将对演奏的灵活性产生影响，因此只有学习者的技术能力已十分强大，其手指灵活性在弹奏大部分作品时已绰绰有余才能考虑这种弹法。再比如有些专业钢琴学习者喜欢将座位降得很低进行弹奏，有时手几乎与胸同高。这种坐姿的前提也是演奏者拥有很强的手指力量及足够的灵活性，才不至于对演奏者技术的发挥产生阻碍。
到了专业化学习的后期，技术问题会越来越个人化或者干脆无法分析出具有广泛意义的问题。有些学习者在某方面的技术上可称得上“超人”，而在另一些技术方面则可能是“低能”；有些学习者在织体技术方面表现得非常优秀，但却无法将一个简单的旋律弹得好听。这些情况的出现有技术基础的问题，但和天赋也有关系。像八度、双三度、超高速跑句等等技术确实和个人肌肉、关节天生的柔韧度和运动能力有关系。而对音乐的感受能力及听觉的灵敏度，也不是完全能够靠后天培养训练得出来的。正因如此，专业学习者在选择练习重点时应以自身的弱项为重点，尽可能地靠努力的磨练弥补天赋和技术基础的不足。但在挑选演出曲目时，则要扬长避短，充分展现自身的优点，避免和自己的弱项较劲。
相对于专业钢琴学习者，以自娱自乐为目的的业余钢琴爱好者则更有理由从钢琴演奏中获得乐趣。他们不需要练习大量枯燥的基本练习，也不用非要弹那些如手指杂技般的高难度曲目，更不用每天练四至五个小时的琴来保持技术能力。可以说对于没有任何功利目的的业余爱好者而言，只要自己高兴，想怎么弹钢琴就怎么弹，想弹什么就可以弹什么。但为了业余爱好者们能够更好的享受钢琴弹奏的乐趣，我仍建议大家在演奏中能够注意各项演奏技术的基本规范，因为这些规范是经过一百多年来的实践证明最有利于对钢琴进行控制的方法，而控制住了钢琴，演奏者就能更好的通过弹奏表达自己的想法和感受，这种乐趣是一般游戏和运动所达不到的层次。
将一首好听的歌曲用钢琴弹出来是一件非常有乐趣的事。对于从小开始学钢琴后来又放弃了的爱好者来说，用右手将一首歌曲的旋律默弹下来应该不是一件困难的事，略有难度的是左手的和声及织体编配。在此我向大家推荐高天康编著的《实用钢琴即兴伴奏编配法》（人民音乐出版社出版）。这本书虽然是面向中小学音乐教师的，但其中有关键盘和声的内容，及大量的编配实例，对于业余爱好者提高即兴演奏能力是非常有帮助的。
对于想要学习钢琴但年龄又比较大的成年人来说，完全没有必要按照本文中所述专业化的学习渐进阶段和方式进行学习。尽快地从钢琴演奏中获得乐趣是成年人学习钢琴的目的。因此成年人在学习钢琴技术时，应以实用、够用为标准，在选择练习曲目时也应以好听、简单的曲目为首选。但是为了能使成年学习者达到起码的演奏技术能力，练习音阶、琶音和《哈农》仍是必要的，只是不用像专业学习者那些在这些手指体操上花费太多时间。李菊红、黄佩莹主编的《成年人应用钢琴教程》（人民音乐出版社出版）是一本针对成年人学习钢琴的特点编写的教材，其唯一的缺憾是此书是在改革开放初期编写的，在曲目的选择上缺乏时代感。好在现在各类流行歌曲改编曲的乐谱有很多，可以作为这本教材的补充。
在结束本文的内容之前，必须强调的是，学习钢琴的过程是因人而异，差别很大的。本文所总结的渐进阶段只是根据大部分学习者的共性所分析出的大概的过程，而非是所有钢琴学习者（特别是个别天赋极高的儿童）所必须遵循的学习程序。而各个学习阶段的划分，也是依据学习者技术提高的程度和表现音乐的能力而作的大致划分，它们之间的界限其实是相当模糊的，这也是为什么笔者不愿根据练习曲的程度或考级的级数来划分各个阶段的原因。所以在本节的最后笔者想告诉学习者的是：如果您能够用所掌握的技术表现音乐了，那么您就已进入钢琴学习的较高层次了；相反，如果您已学会的技术永远只是技术而不能变成音乐的话，那么学习的再久、再多，您也只是一个“初学者”。 拜读、学习。
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